24 Fotogrammi al secondo

E ora dove andiamo? di Nadine Labaki. 2012

2012-01-28T09:23:00.001Z

Questa e' la storia che racconto per chi la vuole ascoltare

Un gruppo di donne vestite di nero, in stile tragedia greca, danzano, si battono le mani al petto e urlano il loro dolore. Ma siamo in Libano e in un paesaggio western- mediorientale. Comincia così questa favola-musical ambientata in un paesino dove cristiani e musulmani convivono in una serenità precaria, tenuta viva e ferma solo per merito delle donne. Queste mogli, madri, figlie, amiche e sorelle, si spendono, infatti, per l'intera durata del film onde evitare ogni motivo di scontro. E riuscendoci.
Un villaggio surreale il loro, isolato, perchè completamente circondato da mine pronte ad esplodere. Gli uomini hanno meno fantasia delle donne, si annoiano e sono pronti a sfogare tra loro la rabbia. Confonderli. Distrarli. Questa l'arma vincente. Le donne del villaggio ingaggiano quindi delle compiacenti spogliarelliste russe infiltrandole come agenti segreti nella comunità maschile. Un film imperfetto, anche nei volti delle donne scelte nel cast. Ma divino nei suoi limiti. Chi non ama il difetto ha, infatti snobbato del tutto questa gemma preziosa ai Golden Globes come Miglior Film Straniero.
Non un banale film sulla guerra bensì un film su come evitare che scoppino le guerre: un "fate l’amore e non la guerra" di sessantottiana memoria. E infine le cristiane indosseranno il velo: "sono musulmana, adesso provateci a farmi fuori se ne avete il coraggio". E lo stesso faranno le musulmane, occidentalizzandosi e indossando la croce sul petto. Una farsa, in realtà se una musulmana si convertisse al cristianesimo non potrebbe avere tutta questa voce in capitolo che qui in realtà le donne hanno, perchè sono le protagoniste indiscusse. Ma il messaggio che si vuole lanciare è chiaro: prima di prendervela con chi non è della vostra religione, provate a mettervi nei suoi panni. Un film troppo buonista e un po'femminista (in fondo sono solo gli uomini a volere la guerra)? Si, forse. Ma in luoghi in cui "Le donne sono peccato. La voce è peccato. Ridere è peccato..." una piccola rivincita ci sta. In fondo, come la voce fuori campo ci informa all'inizio: 'Questa e' la storia che racconto per chi la vuole ascoltare'.
Buona visione a chi vorrà ascoltarla.

Biutiful di Alejandro González Iñárritu. 2010

2012-01-20T09:40:00.006Z

"Mi ha detto che dentro era come un mare di fango, che i suoi occhi erano come di gelatina e i suoi capelli bruciavano".

Un violento pugno nello stomaco. Vi accoglie così questo film. Violento, come i loschi traffici in cui è impegnato Uxbal, il protagonista. Un apparente brutto ceffo che cerca di guadagnare di che mangiare per i suoi due bambini di cui ha l'affidamento. Sfrutta la manodopera clandestina cinese e i venditori ambulanti senegalesi. Non ha grossi scopi nella vita, nè glorie e onori di cui andare fiero, ma un grande dono: una donna bipolare che però a modo suo egli ama lo fà diventare papà di due gioielli.
Molto conflittuale il rapporto con la donna, protegge se stesso e i due bambini dagli strani circuiti del suo sistema nervoso. Uxbal sa farlo, lui sa capire le difficoltà della vita e ha anche un dono: ascolta gli ultimi pensieri di chi sta per passare all'altra vita, non sapendo ancora che presto il loro mondo sarà anche il suo.
Solo due i mesi di vita che gli rimangono da vivere. Un cancro alla prostata. Deve sistemare ogni cosa. Deve rendere tutto Biutiful agli occhi dei suoi figli. Perchè la vita distoglie quell'incanto e storpia la bellezza non solo nel suo significato, ama anche nel suo significante. Da sfondo un irriconoscibile Barcellona, non quella da turismo a cui siamo abituati, ma quella dei borghi malfamati, quella dei poveri, quella dell'immondizia, quella che sfrutta i clandestini e che li considera meno di nulla.
Lui è un padre senza padre, è morto prima che lui nascesse, la pellicola sembra essere una discesa negli Inferi da parte del protagonista per ricongiungersi con la figura paterna, imparando, allo stesso tempo, ad essere un padre impeccabile. E alla fine anche voi sentirete il peso di questa ricerca, sia fisicamente che psicologicamente.
Un mondo malato quello che va in scena guardato con gli occhi di un uomo malato, che forse si ammala proprio per questo? Accativante la personalità di quest'uomo:è un padre devoto ma allo stesso tempo uno sfruttatore incosciente, sa ascoltare le anime dei morti e la morte diventa la maschera che s'insidia sul suo volto della vita, deturpandolo, insozzandolo con il suo squallore.
E in uno spazio onirico con cui il film si apre e si chiude, re-incontra suo padre, vi condivide l'aneddoto della civetta, perchè lui non si "aggrappa alla vita come fa la gente sciocca", ma si abbandona a quel viaggio con tutte le umane paure che questo comporta.
Un vagito di dolore in quell'ultimo abbraccio alla figlia e in quella promessa, l'ultima, strappata: "Guardami negli occhi: non dimenticarmi mai".

The artist di Michel Hazanavicius. 2011

2012-01-14T10:02:00.005Z

- “Perfetto! Ne facciamo un altro?”
- “Si, con piacere”

Sono emozionata. E' il mio primo film muto guardato al cinema. Io che muta lo sono stata per scelta di vita, mi sono sentita la protagonista, insieme all'attore principale, muto, artista degli anni '20, letteralmente scalzato dalle scene dall'avvento del sonoro e ostacolato nella nascita dell'amore da un orgoglio che sembra umanizzarsi, impossessarsi della sua anima e vivere la sua vita per lui. Fritz Lang. Ernst Lubitsch. Murnau. Si, vi verranno in mente tutti, tranne che per la storia d'amore che si snocciola tra un sorriso e un silenzio, moderna, vera sentita sebbene vissuta senza le parole.
Un bianco e nero che muta d'intensità a seconda dello stato delle cose:lucido e splendente nei momenti lieti, grigio e opaco nei momenti più cupi.
Siamo ad HollywoodLand George Valentin è un divo del cinema muto nei suoi tempi migliori: richiesto, amato, seguito. Un omaggio a Clark Gable il suo: baffetti e sguardo magnetico ed anche a Rodolfo Valentino.
Ma gli anni '30 a seguito del crollo delle borse, saranno caratterizzati dalla grande depressione. C'è bisogno di freschezza, novità: arriva il sonoro, un pericolo grosso per chi ha fatto del muto la sua gloria e la sua potenza. Peppy Miller è una giovane e sciroccata ragazza che Valentin conosce per caso ad una prima, era tra le ragazze che lo attendevano all'uscita, da principio quindi innamorata di lui. Da giovane esordiente spiccherà il volo, cavalcando l'onda del sonoro e diventando una star. Prenderà per uno strano gioco del destino il posto dell'amato Valentin, nel cuore dei fan e nella casa di produzione. Per una star in declino, eccone una in ascesa, così come in E'nata una stella.
Se all'inizio Valentin non si lascia andare alle lusinghe, se pur tentato, di quella che all'epoca era ancora una "soubrette" da comparsa nei suoi film, dopo quando cadrà in disgrazia, preso dal suo orgoglio inzialmente non si farà aiutare da quella graziosa ragazza a cui disegna un neo "per farle avere un qualcosa di diverso rispetto alle altre attrici" .
In realtà quello che il film magistralmente mette in scena è il dolore che a volte comporta "essere un artista", dove il successo è subordinato a mode e logiche di mercato e non al talento. Da qui la depressione del protagonista e il suo esiliarsi in una sorta di torre d'avorio, una prigionia dorata come in Viale del tramonto. Valentin rifiuta proprio la parola, sarà questa la causa della rottura del suo matrimonio, il silenzio con Peppy invece è un vero e proprio sentimento, fatto di sguardi, sorrisi, gesti, emozioni, le parole possono essere sostituite, sono superflue.
E la risalita avverrà proprio grazie all'amore ostinato dell'incantevole Peppy Miller, omaggio ad un altro film di Wilder: Giorni perduti. Sarà , infatti, proprio Peppy a favorire la rinascita artistica di George: lo sceglierà come partner in un film sonoro e ballato.
L'illusionista di Chomet vagava tra Parigi e la Scozia assieme alla sua bambina amica, ricordando il più tardo Leon, alla ricerca di un nuovo sé stesso, qui Valentin è sempre in compagnia di un fido cagnolino che gli salverà la vita. Raffinatezza sempre e comunque, un ogni singolo respiro di questa pellicola. Tante le citazioni che vi ho scorto: oltre che alla vicenda personale di Charlie Chaplin, il bellissimo tip-tap finale ricorda tanto Cantando sotto la pioggia.
- “Perfetto! Ne facciamo un altro?”
- “Si, con piacere”
Un film muto ma che parla. Al cuore e alla vostra anima. Saziatevene.

Zabriskie point di Michelangelo Antonioni, 1970

2012-01-06T10:58:00.001Z

"Il luogo dove si possono isolare allo stato puro alcune verità essenziali sulle contraddizioni del nostro tempo. In mezzo a quel caos di prodotti e consumi, di spreco e di povertà, di accettazione e di rivolta, di innocenza e violenza, scorre un tumultuoso, continuo cambiamento” (6 aprile 1969 Espresso).

Zabriskie point. Ovvero il punto di massima depressione geologica negli Stati uniti. Siamo nella Valle della Morte, ed è qui che s’incrociano i destini dei due giovani protagonisti: quello di Mark, giovane in fuga con un aereo rubato dopo una rivolta studentesca e quello di Daria, segretaria in viaggio-fuga con la sua auto. S'incontrano, fanno l'amore e poi si dicono addio, Mark da quell'incontro ne esce rinato: infatti, porta indietro l’aereo rubato, ma la polizia lo uccide, mentre Daria, apprendendo della notizia dalla radio, si allontanerà dalla casa dell’imprenditore immaginandone l’esplosione.
La società dei consumi viene qui sconfitta: il deserto in cui si gioca gran parte del film, è infatti la metafora del vuoto e la città che apre e chiude il film è rappresentata solo quasi esclusivamente tramite le inquadrature d’insegne pubblicitarie, a simboleggiare il predominio della merce.
Poche le battute, grande spazio è lasciato alla fotografia, all’immagine ed alla sua metafora, ai simboli.
Seconda pellicola straniera dopo Blow-Up, Antonioni si era intanto trasferito negli Stati Uniti per studiare la rivolta giovanile e studentesca del ’68.La pellicola è infatti fortemente anti-Americana. In contrapposizione al frastuono e alla confusione della città, Mark trova nel cielo il suo habitat naturale, nel silenzio e nella quiete del cielo e del deserto. Solo qui può nascere l'amore. Quello vero. Quello che ti riempie e cambia la vita.
La Death Valley è,infatti, l'antitesi della città, del consumo, del frastuono e con l’esplosione finale della villa del datore di Daria, così potente da sembrare nucleare, il regista esprime la sua visione del mondo: l'uomo che si autodistrugge, alienandosi da se stesso.
Antonioni poi, grande precursore della società contemporanea, ci mostra una polizia serva di un ordine fantomatico che reprime senza mezzi termini: spara Mark prima ancora che scenda dall'aereo, quando in realtà il ragazzo voleva solo restituirlo.

La Femme d'à côté di François Truffaut, 1981

2012-01-01T14:21:00.001Z

“Né con te, né senza di te”

L'anno si è chiuso e questo è l'ultimo film che ho scelto di guardare nel 2011. Il 27 dicembre Depardie ha spento le sue candeline. Qui più biondo e smagrito, vive serenamente con la giovane moglie Arlette e il loro bambino Thomas in una villa sperduta in una campagna francese; tranquillo e felice, fin quando non arrivano i loro nuovi vicini di casa, Philippe, ma soprattutto "la donna" Mathilde. Ben presto si scoprirà che Bernard e Mathilde, in realtà, non sono sconosciuti l'un per l'altra, in passato erano stati amanti. E'davvero così casuale che diventino vicini di casa? La passione si riaccende. E con vigore.
E' questo il penultimo film della carriera di François Truffaut, qui concentrato nel tema dell’amour fou, dell’incontrollabilità della passione amorosa e del potere (auto)distruttivo dell’Eros che danza con Thanathos. Fanny Ardant qui debutta sul grande schermo e all’epoca era la compagna di Truffaut anche nella vita, una passione che bruciava nelle sue vene e che quindi ben conosceva.
L’intera storia del film è raccontata in flashback attraverso la voce narrante di uno dei personaggi chiave della pellicola, madame Jouve, la confidente e proprietaria di un club di tennis, testimone impotente degli eventi riguardanti i due protagonisti. Una voce narrante che però ben conosce l'assoluta dedizione alla persona amata, quella forza prorompetente e autodistruttiva, che preannuncia la tragedia che vivranno i due amanti protagonisti.
Lei dapprima finirà ricoverata in un clinica psichiatrica, poi lo ammazzerà a colpi di pistola e ammazzerà se stessa. Come già Ovidio, Catullo e Marziale avevano scritto, molti secoli fa, il fine si conclude con una chiara sentenza: “Nec sine te nec tecum vivere possum”, un tema conosciuto e abbondante trattato quindi, ma Truffaut evita sia il punto di vista del narratore impersonale, sia il racconto interno ad un protagonista, sceglie di non farci parteggiare per alcuno evitando così di poter non comprendere il dramma che quasi tutti i protagonisti si trovano a vivere per colpa o grazie all'amore: sceglie quindi lo sguardo di Odile. Una sopravvissuta, si è infatti gettata dalla finestra per un amore non natoe anche lei, la narratrice diventa attrice: verrà, infatti, raggiunta dal suo amante d’un tempo che vuole rivederla. Partirà per Parigi per non incontralo, lui non sa del suo folle gesto, ha perso l'uso di una gamba, come giustificarlo?
Inquadrature strettissime, per un'attenzione sempre concentrata sugli sguardi dei protagonisti e su altri oggetti e rumori apparentemente banali che fanno da cornice a questo dramma: si sentono di notte i terribili versi dei gatti: "fanno l’amore come dei selvaggi”. Poetica fino all'eccesso la scena in cui i due amanti si cercano più volte simultaneamente al telefono e ovviamente lo trovano entrambi occupato, metafora dell'incomunicabilità verbale del loro amore, di una felicità irraggiungibile proprio perché cercata troppo razionalmente.
La voce di un medico che stila il loro referto di morte chiude questa storia, raccontandola in maniera asettica, come se non fosse stata la dirompente forza dell'amore ad uccidere, quell'estremo tentativo di avere l'altro per sempre e fermare l'attimo in cui i due erano una sola cosa.Je me retrouve cômme Edith Piaf,Vous savez ?! Rien de rien, je ne regrette rien!

The Son of No One, 2011

2011-12-20T09:27:00.004Z

The Son of No One è un film del 2011 per nulla passato nelle sale italiane.
La storia è semplice quanto poco originale.
Jonathon White è un giovane poliziotto che viene assegnato alla sorveglianza di un quartiere di New York, lo stesso in cui è nato e cresciuto.
Un quartiere malfamato, sopraffatto dal degrado e dalla delinquenza.
La tranquilla vita di Jona, una moglie ed una figlia, viene stravolta quando una serie di lettere anonime fanno riemergere un passato fatto di violenze e di omicidi nascosti e dimenticati.

Benchè il cast del film non sia niente male (Al Pacino, Juliette Binoche, Ray Liotta, Katie Holmes) si tratta di una pellicola "piccola" (in tutti i sensi), con pochi spunti.
Storia tipicamente americana che tratta di poliziotti o figli di poliziotti o poliziotti buoni o poliziotti venduti alla malavita.
Ambientazioni esasperatamente squallide di una New York anni 80.
Al Pacino che fa la sua parte ma non può certo riscrivere un film. Solita Katie Holmes un pò dolce, un pò isterica un pò in lacrime. Solito Ray Liotta talmente liftato da apparire più un felino che un agente.
90 minuti da trascorrere se non si ha davvero nulla da fare e altro da vedere.

Midnight in Paris, Woody Allen, 2011

2011-12-13T12:01:00.004Z

Come sarebbe, poter passeggiare per le strade di Parigi e trovarsi a chiaccherare con Ernest Hemingway della vita, dell'amore, del coraggio;

passare dallo studio tappezzato di quadri d'avanguardia di Gertrude Stein, incontrare Picasso, discutere di una delle sue opere ed ascoltare Cole Porter direttamente da Cole Porter respirando il fermento culturale e la vitalità degli anni 20 parigini?

E' quello che accade a Gil Pender protagonista di Midnight in Paris, ultimo film di Woody Allen.

Gil e Inez, prossimi al matrimonio, sono in vacanza a Parigi con la famiglia di lei.
Gil è uno sceneggiatore di hollywood terribilmente affascinato da Parigi, dove vorrebbe trasferirsi una volta sposato, e sogna di scrivere romanzi anche se ha problemi a terminare la sua prima opera.

Tra incomprensioni e litigate con la fidanzata, tra noiosi giri turistici e solitarie passeggiate notturne tra gli scorci di una Parigi insolita, Gil si ritrova magicamente a vivere un'avventura che, dal XXI secolo, lo condurrà nei ruggenti anni venti da lui sempre sognati e forse idealizzati.

Per una persona come lui che ha sempre pensato di "esser nato troppo tardi", è un sogno che si trasforma in realtà.
Meravigliato ed incredulo Gil avrà la possibilità di incontrare, molti dei suoi miti letterari ed artistici.
Oltre ai già citati Hemingway, Porter e Picasso, il protagonista s’imbatterà, interagendo entusiasta con loro, con i coniugi Fitzgerald, Dalì, Matisse, Toulous-Lautrec, Gauguin e tanti altri ed alla fine si innamorerà di una giovane donna, anch'essa come lui, delusa dal presente che vive e con la quale intreccerà i suoi sogni fino ad aprire un sogno nel sogno per un finale inatteso.

E' un film piacevole, acuto, una bella favola; è una storia romantica con un finale positivo.

Cosa non mi è piaciuto.
Il protagonista, Owen Wilson, all'inizio del film sembra una brutta copia di Woody Allen.
Non ho capito se tentava di imitarne gli attegiamenti e la mimica o se è stata una cosa studiata a tavolino.
Anche il doppiaggio richiamava molto il parlare di Allen.
Nella seconda parte invece il suo personaggio, pur senza stravolgimenti acquista una personalità sua e secondo me è più piacevole da seguire.

Che la colonna sonora rappresenti un tassello fondamentale del film lo si capice già nell’introduzione del film.
Quasi quattro minuti di musica in cui si succedono immagini,e scorci d’"una città bella anche quando piove"

Se i protagonisti non sono tra le star più note di Hollywood, si vedono invece delle belle apparizioni per quanto riguarda i non protagonisti.
E ad esempio nella sua fugace apparizione, Salvador Dalì è interpretato da Adrien Brody (premio oscar per "Il pianista" di Roman Polanski) ed ancora Gertrude Stein è interpretata da un altro premio Oscar: la Kathy Bates protagonista di Misery non deve morire.
Non fa parte certo delle star, ma è da citare la presenza della italica primadonna di Francia Carla Bruni mentre la bella Adriana, musa di Picasso, è la francese Marion Cotillard già vista in Inception e Big Fish

Si tratta comunque di una commedia intellettuale.
Per chi conosce ed ama gli artisti menzionati, è sicuramente un'avventura da sogno che si presta all'immedesimazione ad occhi chiusi.
Chi ha meno nozioni letterarie ed artistiche può comunque apprezzare la solita ironia di Allen, una musica da veri intenditori ed una fotografia splendida che mette in risalto dettagli di una Parigi incantevole.

Se una morale si deve trovare, la da lo stesso Allen quando dice che "è inutile illudersi che un tempo si vivesse meglio, solo perché oggi ci sembra meno facile sopravvivere"... del passato si ricordano solo le cose migliori. Il dentista, negli anni ‘20, era molto peggio. E non c’era l’aria condizionata... "

Molto meglio, secondo me, di "Incontrerai l’Uomo dei tuoi Sogni " dello scorso anno.

Before rain (Prima della pioggia). Milcho Manchevski. 1994

2011-11-27T08:06:00.004Z

Mentre guardavo questo film ho vestito i panni della critica d'arte e ho visto davanti a me uno sfarzoso trittico di storie, scandito tra parole volti di Londra e immagini. Sullo sfondo una pittoresca Macedonia, l'immotivato e cruento odio interetnico, il fanatismo fondamentalista che ha dilaniato la ex Iugoslavia.Protagonista un affascinantissimo fotoreporter, che esule da Londra torna nel natio villaggio macedone e ritrova l'amata albanese di un tempo.
Ma la scansione temporale è sovvertita, quindi la storia non è propriamente come ora io ve la rendo. Tutto questo vi coinvolgerà e stupirà molto di più.
La storia è quella di Aleksandar, un famoso fotografo che torna nella sua Macedonia dopo tanti anni di reportage in giro per il mondo che gli valgono riconoscimenti e premi. Non ha paura della guerra, e nonostante gli si raccomandi di non farvi ritorno, la gioia di ritrovare amici e parenti vincono sul resto, chi non è violento rifiuta di credere alla violenza forse e questo gli sarà fatale. Una ragazza albanese uccide un pastore macedone ed Aleksandar cerca di difenderla dalla violenza che le spetterebbe. La ragazza riesce a fuggire e si rifugia in un monastero, aiutata da un giovane monaco macedone.
Anche Manchevski è macedone d'origine e trapiantato negli USA, regista di videoclip di successo, potrebbe quindi narrare una storia autobiografia, ma decide di ingarbugliare le carte, forse per sottolineare il non-sense che di fondo permea questa pellicola.
Il cerchio non è rotondo si legge ad un certo punto in una scena del film e ad un certo punto ho quindi capito anche io che il viaggio Londra-Macedonia che il fotografo intraprende è dunque un viaggio indietro nel tempo, perchè se il cerchio non è rotondo il Tempo non si ferma e quindi non muore. Una nota di speranza incisa nella professione stessa del fotoreporter che appunto immortala gli attimi, ferma il Tempo con i suoi click e lo rende eterno. Le regole geometriche (e non solo) vengono sovvertite: un cerchio rotondo presuppone una sosta, quindi la morte del punto di partenza da cui iniziamo a tracciare la linea circolare. Il cerchio non è più quel circuito che noi immaginiano, in Before the rain dopo un po'i conti non vi torneranno più. Un cerchio-non-rotondo nell'assurdità della guerra. Ma il destino comunque, se anche ci spererete fino alla fine, non verrà cambiato: il Finale coincide con l'Inizio, perchè il tempo non muore, ma la vita si.
E il fotografo ossessivamente torna a ripetere: Prendere posizione, e quando tardi a mettere dei punti fermi nella tua vita, è lei stessa che li mette per te. Un taglio documentaristico misto ad immagini profondamente poetiche che rafforza ulteriormente lo spaesamento di fronte ad una realtà-realisticamente-irreale.
Lasciatevi andare e godetevi questo spettacolo. Buona visione

This is England. Shane Meadows. 2006

2011-10-29T09:17:00.002+01:00

"When the daylight all goes around/ And by chance we're both down the town/ Please meet, just walk, walk on by/ Oh, darling, please don't you cry/ You and me, at the dark end of the street/ You and me"
(Percy Sledge - The Dark End Of The Street)

Siamo nel 1983 (l'anno della mia nascita, piccola digressione), anno in cui l’esercito inglese combatte una guerra da molti considerata "inutile" per le isole Falklands. Al governo Margaret Thatcher e non mancano i riferimenti al suo mandato scomodo. Proprio come oggi, da sfondo la crisi economica spacca nettamente il paese tra poveri e ricchi.
Da noi la prima Fiat Uno, Bettino Craxi, la "vita spericolata" di Vasco. In Inghilterra "War" degli U2. colonna sonora dei tanti soldati che morivano in SudAmerica e lasciavano orfani di padre i loro figli. Uno di loro è il protagonista, il dodicenne Shaun. La guerra gli ha strappato il padre appunto, la mancanza di questa figura lo ha reso fragile ed è, infatti, vittima del bullismo dei compagni di scuola. Chiuso nella sua solitudine, i soli amici che trova sono un gruppo di skinhead, ma molto più grandi di lui. Il messaggio intrinseco del film è che questi ragazzi non sono "razzisti" così come l'accezione comune li identifica (anzi come è noto le origini di questo movimento nato negli anni 60, erano di "sinistra", fusione tra i proletari inglesi e i Rude boy jamaicani), ma fu in quegli anni sbandati, senza punti di riferimento per alcuno che fecero della "xenofobia" uno dei loro valori. La prima parte del film è focalizzata nel suo ingresso in questo "club", fatto come di consuetudine di piccoli riti di iniziazione, compresa una vera e propria vestizione con gli abiti di “divisa” per essere riconosciuto come uno di loro. Poi musica ad alto volume, birra e tanti atti da teppista, l’equilibrio però si rompe quando un ex carcerato, dopo tre anni di prigionia rientra nel gruppo cercando di dare significati politici alle loro scelte. Tutta la seconda parte del film è quindi arroventata dalla violenza e dal razzismo, e inizialmente per Shaun quella sembra essere l’occasione per rivendicare il padre morto alle Falklands. Per dare sfogo al suo immenso dolore.
Ma poi qualcosa cambia, l'equilibrio si rompe, quando a farne le spese sarà Milky, skinhead di origini giamaicane, altra faccia di questo movimento, opposto in tutto, stile di vita, background e atteggiamento, infatti mentre Combo sta per scatenare su di lui la sua rabbia lui gli sorride con fare sfrontato. Shaun in quel momento diventa adulto.
Uno stile volutamente essenziale, quasi scarno, asciutto, la pellicola è breve, ma
la violenza che ne sgorba improvvisa e inaspettata sarà un pugno nello stomaco anche per lo spettatore e darà modo di riflettere su quanto la parabola del giovane Shaun sia, in realtà, metafora dell'intera nazione allo sbando in quegli anni drammatici, che cerca il gruppo e la violenza per sfogare la propria rabbia e indignazione.
Un cinema sociale che ritrae l'Inghilterra, Questa è l'Inghilterra, già nel titolo il messaggio bypassato è duplice, come nell'intero film: si rimarca il concetto razzista: questo è inglese, questo non è inglese, questo è posto è nostro, questo non è di voi immigrati e il secondo significato è quello che vuole legare lo"ieri" all'"oggi".
Ottima la resa delle scene:la suspance del primo incontro tra l'ex galeotto Combo e il gruppo di Milky è di eccezionale intensità, così come tutte le volte che Combo parla perchè ciò che i suoi occhi e silenzi esprimono, fa capire benissimo il preludio dei suoi atti di violenza sia verbali che fisici. Divine le colonne sonore del nostro Ludovico Einaudi.
"Non siamo razzisti, ma realisti".

Blood Story, Matt Reeves , 2011

2011-10-28T16:51:00.004+01:00

Blood Story è un film uscito nel 2011 ed arrivato in Italia con molto ritardo rispetto agli Stati Uniti. E' tratto da un romanzo svedese da cui era giò stato tratto il film "Lasciami entrare".

La trama è semplice.

Owen è un timido e solitario dodicenne che abita nel News Mexico. E' un ragazzino fragile ed insicuro, figlio di genitori divorziati e facile bersaglio di compagni di scuola bulli che gli rendono la vita impossibile.

Una notte conosce una bambina misteriosa di nome Abby, da poco trasferitasi nell' appartamento accanto al suo insieme a "suo padre".

Abby è strana, non teme il freddo, cammina a piedi nudi sulla neve e spesso si sentono strani rumori provenire dalla sua abitazione. I due iniziano a conoscersi e si legano l'uno all'altra.

Quando una serie di omicidi colpisce la cittadina del New Mexico, Owen deve fare i conti con una scoperta agghiacciante e dolorosa: Abby, grazie al quale è riuscito seppur per poco a prendere coraggio tenere testa ai suoi compagni di scuola, è in realtà un crudele vampiro chiuso in eterno nel corpo di una bimba.

Pur inserendosi nella categoria horror il film non ha scene particolarmente cruente o paurose anche se ovviamente non mancano il sangue e gli omicidi.

Ha ambientazioni che per esigenze narrative richiamano i luoghi freddi del Nord europa.

Si tratta di un film in cui a vincere, seppur in modo macabro, è l'amore.

Abby da forza e coraggio a Owen, che rimane vicino ad Abby anche quando scopre che lei non è umana, e poi quando scopre che l'uomo che la accompagna in realtà non è il padre, ma un'uomo che un tempo è stato a sua volta il bambino "amichetto" di Abby e che probabilmente per amore aveva deciso di seguirla e aiutarla.

Il tema principale è quini la tenerezza dei due protagonisti che si contrappone alla natura malvagia ed assassina della bimba.

Una scena intensa, quando Abby entra in casa di Owen, non espressamente invitata ad entrare ed inizia a sanguinare.

Non è ne un genere nuovo, ne una storia nuova, ne un film nuovo, ma è un film fatto bene,

È un ottimo remake, con ottime interpretazioni dei "piccoli" attori.

Per chi vuole leggere il romanzo ecco il link: Lasciami entrare (di John A. Lindqvist)
ed ecco il primo film : Lasciami Entrare

This must be the place, Sorrentino 2011

2011-10-28T14:33:00.003+01:00

Cheyenne è una rockstar cinquantenne non più in attività da molti anni.
Vive in una casa enorme con piscina che usa per giocare a pelota ed una grande cucina in cui "cuisine" è scritto grande sulle pareti e ci vive insieme alla moglie, un vigile del fuoco sempre sorridente, e molto più attiva di lui.
E' un personaggio molto eccentrico: cerone in volto e rossetto rosso sulle labbra in pieno stile goth.
E' un ebreo che ha lasciato casa e famiglia per raggiungere il successo e molto tempo dopo averlo raggiunto scrivendo "canzoni gotiche quando andavano di moda" vive nell’agiatezza, una vita piena di noia che spesso si confonde con depressione.

La notizia che il padre, che non vede da 30 anni, sta morendo lo riporta a New York.

Attraverso la lettura di alcuni diari, cerca di riscoprire la vita del padre, un ebreo sopravvisuto ad Auschwitz di vui porta i segni sul corpo e che negli ultimi trent’anni ha cercato di scovare un criminale nazista rifugiatosi negli Stati Uniti.

Sfruttando alcune informazioni dei diari, Cheyenne decide di proseguire le ricerche del padre e, dunque, di mettersi alla ricerca di un ormai ultranovantenne nazista tedesco.

Il film è un road-movie malinconico.
La storia parte da Dublino, per sbarcare (..sbarcare perchè Cheyenne ha paura degli aerei) a New York per arrivare in Michigan, New Mexico e Utah.
Attraversando l' America, si susseguono incomparabili scenari naturali e paesaggi umani.
Le immagini e la colonna sonora di David Byrne prendono spesso il sopravvento sulle parole.

Durante il viaggio una serie di incontri, avventure ed apparizioni che lasciano lo spettatore a bocca aperta e a volte perplesso e che vanno dallo strampalato al surreale:

L'incontro in Michigan, con l'inventore della "valigia con le rotelle", oggetto che accompagna il protagonista per tutto il film, L'apparizione di un uomo vestito da Batman, L’apparizione di David Byrne, leader dei Talking heads, nel ruolo di sé stesso in uno spettacolare pianosequenza che riprende una sua particolarissima esibizione

Straordinario Sean Penn, quasi irriconoscibile nei panni di Cheyenne.
Guardando il suo personaggio posso perfettamente citare lo stesso protagonista dicendo “Qualcosa mi ha disturbato, non so bene cosa, ma qualcosa mi ha disturbato…”.
Per quasi tutto il film parla con un filo di voce, quasi a fatica, ride in modo mugolato, surreale e sbilenco, cammina lentamente, sempre ricurvo e sempre con un qualcosa da trascinare, un trolley o una borsa per la spesa.
Una via di mezzo tra Robert Smith (the cure), Edward Mani di Forbice e i personaggi Emo di famose trasmissioni comiche italiane.
Però ha qualcosa che ti fa aspettare la prossima battuta, ed ogni volta che sbuffa sui lunghi capelli per spostarli dal volto provoca una risata in sala.
Spettacolare, è lui che trascina tutta la storia.

Bella la scena in cui imbracciando con aria impaurita una chitarra, canta assieme al bambino, la canzone che da il titolo al film.

In definitiva un film che affronta temi comuni, l’amore e l’assenza di un rapporto tra un padre e un figlio, l’incomunicabilità. Un film che vuole dire molto, a volte troppo.
Un film a tratti straordinario e a tratti banale, soprattutto in certi dialoghi irreali. (l'uomo che santifica la sua auto,il tatuatore chesi crede un artista, la donna che parla dell'olocausto).

Un film che va capito ed a volte è incomprensibile e che forse perde un pò nel doppiaggio di Sean Penn.

Alcune curiosità:

Il personaggio vestito da Batman che compare in una scena di fronte alla casa della moglie di Aloise Lange esiste veramente.
Il personaggio di Mary, la giovane gothic-punk, amica di Cheyenne è interpretata da Eve Hewson, figlia di Bono degli U2,

Baci e abbracci. Paolo Virzì. 1998

2011-10-19T08:42:00.001+01:00

Mario è il comico televisivo Francesco Paolantoni, un uomo gentile, che tenta invano di suicidarsi perchè la moglie lo ha lasciato e gli affari nel suo ristorante non vanno più bene. Vive a Cecina, nella primordiale campagna toscana, è un salernitano sradicato dalle sue origini e impiantato nel livornese. A causa di un equivoco, giunge in un casale di campagna, adibito però ad allevamento di struzzi da un gruppo di ex-operai. Qui l'uomo con suo grande stupore si trova ad essere riverito e coccolato, ma poi scopre che tale attenzione nei suoi confronti nasce dall'essere stato scambiato con l'assessore che avrebbe dovuto accordare i finanziamenti agli imprenditori. Svelato l'arcano, quando Mario sta per andarsene, decide di tornare sui suoi passi. Si mette a preparare il pranzo di Natale, che tutti mostrano di apprezzare. Renato lancia l'idea di mettere su nel casale un ristorantino e intanto dalle uova nascono i piccoli struzzi.
A metà strada tra una fiaba natalizia e la farsa. Qualcosa decisamente non funziona, ma apprezzabile che degli operai disoccupati cerchino di reinventarsi un mestiere e la vita. Divertente la loro "arte d'arrangiarsi", ma è l'unica cosa che davvero risulta interessante nel film. Una banda di disgraziati, squattrinati che però ancora sa gioire della magia del Natale.

Decalogo 5 - Non uccidere - Dekalog piec' di Krzysztof Kieslowski. 1988

2011-10-09T08:39:00.001+01:00

‘’La legge non dovrebbe imitare la natura, dovrebbe correggerla. La legge è stata creata dagli uomini per regolare i rapporti sociali: ciò che noi siamo e come viviamo dipende dalle leggi, che noi osserviamo o infrangiamo. Fino a quando la sua libertà non lede quella di un altro uomo.
La pena è una forma di vendetta, specialmente se mira a recare il male e non a prevenire il delitto. Ma in nome di chi si vendica la legge? Veramente lo fa in nome degli innocenti? E sono i veri innocenti che fanno la legge?’’

Camminate per le vie oscure e opache di Varsavia e incontrerete un ventenne inquieto e disoccupato, Jacek. Inizialmente commette solo atti di vandalismo ma arriverà in un crescendo di non-sense ad uccidere un tassista. Arrestato, Jacek viene difeso d'ufficio da Piotr, un giovane avvocato che è al proprio debutto davanti al tribunale, quindi un "puro", ancora in linea con le idee da sempre professate: cerca di evitargli la pena di morte prevista dall'ordinamento giudiziario dello Stato. Ma non ci sarà clemenza e il giovane verrà impiccato. In un toccante dialogo con l'avvocato, prima dell'esecuzione, si scoprirà che Jacek era un giovane traumatizzato a causa della tragica morte della piccola sorella perchè investita da un trattorista ubriaco e al giovane avvocato non resta che manifestare la sua furiosa protesta contro questo modo violento e crudele, incapace di applicare una giustizia punitiva da parte degli uomini.
Una protesta contro la pena di morte che io sottoscrivo e approvo. Memorabile e significativa la scena dell'esecuzione di Jacek, il ragazzo tenta di ribellarsi all'impiccagione scalciando e cercando di fuggire (un po'come il taxista sotto l'istinto omicida del ventenne), tutti gli sono addosso e verametne non sembra esserci alcuna differenza fra l'omicidio commesso da Jacek e quello commesso dallo Stato.
Nei dieci brevi film del decalogo (che riprendono i dieci comandamenti)non c’è traccia di colpa individuale né di giudizio morale: non vengono mai usate delle norme etiche fondamentali ebraico-cristiane, si fa più che altro un punto di vista sul mondo. Il comandamento-nodo – "Non uccidere" – è preso da Kieslowski nel suo significato letterale, materiale. È proprio la materialità dell’uccidere quel che racconta, ponendola al centro del film e lasciandole la parola. Non giudica l’assassino, né lo giustifica. Non commisera la vittima. Non spiega perchè il ragazzo uccide (se non alla fine, anzi indugiano molto su quel momento, dimostrando quanto in realtà sia difficile uccidere un uomo, quindi implicitamente scoraggiando un po'dal farlo). Il taxista non vuole morire, quindi è faticoso vincere la sua biologica, carnale volontà di vita e l’assassino alla fine ne è stremato. Eppure il carnefice è mostrato nel suo lato umano, mentre il boia è mostruoso: usa solo la tecnica per uccidere, non sentimenti, rabbia. Cura la simmetria della camera della morte:sistema sotto la forca una bacinella per raccogliere gli escrementi dell’uomo che sta per uccidere. Lo spaventa lo sporco, ma non l'assassinio, è disumano. La pena capitale non è dunque altro che una vendetta.
"Che tu sia uomo o Stato: non uccidere"

Good bye, Lenin di Wolfgang Becker. 2003

2011-10-02T08:47:00.004+01:00

Ottobre 1989, data storica per la riunificazione della Germania. La DDR crolla dopo la caduta del muro di Berlino e non è certo il momento migliore per entrare in coma, come accade però invece a Christiane Kerner, orgogliosamente socialista e membro attivo del partito comunista. Quando si risveglia, il figlio Alex trasforma l'appartamento di famiglia in una specie di mausoleo dell'ex DDR e convince parenti ed amici a far finta che nulla sia cambiato...

Christiane Kerner (interpretata dalla bravissima Katrin Sass)è la madre di due figli. Subisce un trauma in seguito alla fuga del marito nella Germania dell'Ovest e reagisce decidendo di diventare un'attivista politica del partito socialista filosovietico. Una donna combattiva ma fragilissima, tanto che entrerà in coma proprio mentre la Germania si riunisce sotto una stessa bandiera. Cosa troverà quando si risveglierà dopo otto mesi?
In realtà il racconto è tutto vissuto dal punto di vista del figlio Alex nel suo passaggio dall'adolescenza alla maturità.Ma ad andare in scena sono una serie di trapassi: il trapasso storico (il muro di Berlino che nell'89 cade), il trapasso individuale (la madre si risveglia dal coma) e il trapasso cosmico (il cosmonauta scopre che oltre agli spazi in cui noi ci muoviamo esiste uno spazio infinito).
Alex per il grande amore che nutre verso la mamma la proteggerà dall'illusione di un socialismo che non sarebbe mai finito, e che invece senza la sua guida, mentre lei è in coma cessa di esistere. Quello che Alex vive tramite le lotte della madre è un socialismo però umano e non politico, infatti ad un certo punto c'è una mirabile allegoria di un Lenin di bronzo che vola verso il "sole dell'avvenire", una delle scene in assoluto più belle.
Alex è un ragazzo di circa ventanni, dalla faccia pulita, che vive con la madre e la sorella Arianne e una nipote, nel socialismo reale di un classico palazzone sovietico. Trova lavoro come tecnico in una Cooperativa di riparazioni elettriche ed ammira Siegmund Jähn, il primo astronauta tedesco ad aver viaggiato nello spazio.
Quando un giorno Christiane, che si sta recando ad una festa per ritirare un premio ufficiale conferitole dallo Stato socialista, scorge da lontano il figlio arrestato per aver preso parte alle manifestazioni pacifiche dell'Ottobre, per lo shock cade a terra, colpita da infarto, ed entra in coma. Alex viene rilasciato ma il socialismo della "sua" Germania, che lei credeva potesse rendere migliore il mondo, crolla sotto l'avanzata del capitalismo. Nè è simbolo l'astronauta-eroe, ora costretto a fare il tassista, perchè è come se d'improvviso tutti dovessero fare i conti con la realtà e chiudere per sempre nel cassetto i propri sogni. La stanza in cui è rintanata la madre diventa allora quel microglobo in cui tornare a sperare. Non ci si riconosce più in quel mondo: "Ah, guarda qui cosa ci siamo ridotti a fare", esclama continuamente a mho di cantilena un vicino di casa che, da un giorno all'altro, si ritrova costretto a rovistare nei cassonetti della spazzatura. E il sogno della madre grazie ad Alex comincia a prendere vita, grazie anche all'aiuto di Lara, la fidanzata venuta dall'Unione Sovietica e di Denis, un amico che sogna di fare il regista ma che invece monta con lui antenne paraboliche.
Paga dei bambini perchè si esibiscano in canzoni e spettacoli comunisti, recupera vecchi barattoli in cui travasare i famosi cetriolini che ora arrivano dall'Olanda e monta con l'aiuto di Denis finti telegiornali della Aktuelle Kamera che parlano della DDR e dei successi del compagno Honeker.
Il messaggio del film che a me è arrivato e ha commosso è stato quello della possibilità che la storia sia fatta dalle persone, tant'è che Alex "inventa" per la madre una storia che non c'è più, costruendo una prospettiva che è quella che tutti avrebbero desiderato: un mondo dove ognuno aiuti l'altro, solo perché ognuno è uguale all'altro. (Che poi è anche il mio sogno)
Un socialismo dell'anima, del cuore. Che magari prima o poi si realizzerà.Goodbye Lenin ma noi ti aspettiamo.

Mai più come prima. Giacomo Campiotti. 2005

2011-10-01T09:49:00.003+01:00

Appena finiti gli esami di maturità, un gruppo di giovani decide di spendere le proprie vacanze estive in una baita di montagna, sulle Dolomiti. Sono sei ragazzi molto diversi tra loro, tra cui spicca il più pacato e saggio Enrico (Marco Casu) che cade da una roccia durante un’arrampicata, e non riesce a sopravvivere all’incidente. La tragedia lascerà un segno indelebile su tutti i membri del gruppo, ed anche dopo l’estate il ricordo e soprattutto gli insegnamenti dell’amico scomparso segneranno le decisioni di tutti riguardo la loro vita futura.
Ma le psicologie ed i comportamenti dei sei ragazzi protagonisti hanno tute lo sciapo sapore del già visto e sentito, quindi non riescono mai a dare al film quel senso di veridicità di cui tanto necessitava.
In scena un passaggio cruciale della vita di ognuno: quello dalla fase adolescenziale all'età matura, la presa di coscienza della durezza della vita, la sensazione di perdita della purezza (mentale e fisica), la paura di crescere e di assumersi responsabilità, la consapevolezza dell'esistenza della sofferenza e della morte. Un film ovvio, banale, superficiale, ma difficile non correre questo rischio affrontando una simile tematica.
La vicenda è tutta interamente fin troppo prevedibile, dove non accade mai nulla di veramente importante e tutto si snocciola in maniera meccanica.
Un film patetico, inutile, che ho recuperato e guardato solo per noia, senza interesse

Anita Ekberg e i suoi 80 anni in clinica

2011-09-29T08:51:00.000+01:00

di Marianna D'Ambra

Anita Ekberg e La Dolce Vita - Credits:Lapresse
Federico Fellini l’ha resa celebre nel mondo intero grazie alla leggendaria passeggiata notturna nella Fontana di Trevi. Per anni è stata il sogno proibito di milioni di uomini con la sua bellezza, le sue form da Pin-up e il suo fascino nordico. Sono passati 51 anni da quando interpretò la giovane donna che seduceva un Marcello Mastroianni totalmente rapito dal suo fascino.
A proposito di Anita Ekberg Federico Fellini affermò:

Se mi chiedete de La dolce vita come nel test delle associazioni, rispondo subito: Anita Ekberg! A distanza di trent’anni il film, il suo titolo, la sua immagine, anche per me, sono inseparabili da Anita. Era di una bellezza sovrumana. La prima volta che l’avevo vista in una fotografia a piena pagina su una rivista americana “Dio mio” pensai “non fatemela incontrare mai!” Quel senso di meraviglia, di stupore rapito, di incredulità che si prova davanti alle creature eccezionali come la giraffa, l’elefante, il baobab lo riprovai anni dopo quando nel giardino dell’Hotel de la Ville la vidi avanzare verso di me preceduta, seguita, affiancata da tre o quattro ometti, il marito, gli agenti, che sparivano come ombre attorno all’alone di una sorgente luminosa. Sostengo che la Ekberg, oltretutto, è fosforescente

Oggi Anita Ekberg compie 80 anni e, per uno scherzo del destino, spegnerà queste importanti candeline nel letto di una clinica per lungodegenti, un posto dove la vita tutto è tranne che dolce. Le suore che la assistono hanno organizzato per lei una festa e le staranno vicino in questo giorno di festa. L’attrice si definisce sola: non è sposata e non ha mai avuto un figlio, ma la sua vita è stata davvero un sogno ad occhi aperti. Tra le tante gioie che l’attrice può ricordare primeggia la proposta di matrimonio da parte di un innamoratissimo Frank Sinatra, oltre al successo planetario che ha riscosso nel corso della sua carriera. Noi vogliamo farle i nostri auguri ricordando la scena che l’ha resa celebre in tutto il mondo.

Super 8 di J.J. Abrams, 2011

2011-09-22T23:00:00.000+01:00

Visto il cast ed il trailer, le aspettative per "Super 8" sono grandissime anche perchè è stato annunciato da una campagna promozionale ricca e appassionante che ha incantato il pubblico e gli addetti ai lavori.

Il film ha avuto un notevole successo negli Stati Uniti e pare che anche qui in Italia abbia molti riscontri positivi.
A dirigere il film c'è J.J. Abrams, il creatore di Lost e Alias e Fringe, una delle 100 persone di Hollywood che devi assolutamente conoscere, secondo People.
Produttore invece è Steven Spielberg, che non ha bisogno certo di presentazioni.

L'ambientanzione è fine anni 70 nell'Ohio. Il film parte con un funerale di una donna, morta in un incidente nella locale fabbrica.

Un gruppo di amici in una piccola cittadina è testimone di un incidente ferroviario mentre sta girando un film in Super 8 da mostrare ad un festival provinciale.

Vengono filmate così, involontariamente, “in diretta”, oltre alle immagini del tremendo disastro ferroviario, anche le prove della presenza di una “creatura” extraterrestre ricercata dai militari disposti a tutto per recuperarla e che invece vuole solo tornare a casa.

Le analogie e i richiami con molti film degli anni 80 divenuti dei bestseller sono molte, d'altronde lo stesso Abrams ha confermato di aver voluto omaggiare un epoca, gli anni 80, e le grandi pellicole di quel'epoca molte delle quali hanno reso celebre Spielberg.

Ed i paragoni si sprecano, ma secondo me in nessun caso Super 8 regge il confronto.

L'ambientazione e lo stile anni '80 fanno riemergere ricordi di quel periodo.

I protagonisti sono tutti adolescenti spesso in contrasto con i genitori, avventurosi, coraggiosi e tra i quali nascono sentimenti di amicizia, amore, gelosia, e di cui si evidenziano paure e capacità nascoste come ad esempio la ragazza che accetta di recitare per quei "fissati di cinema" e lascia tutti a bocca aperta per l’intensità della sua interpretazione.

Un pò come succedeva ne I Goonies tuttavia, probabilmente perchè quando ho visto i Goonies non ero ancora adolescente, Super 8 non mi ha dato le stesse sensazioni.

La trama ricorda molto da vicino quella di E.T., altro classico, ed in alcune scene il richiamo è evidente ma fare paragoni con E.T. è a dir poco fuori luogo.
/Anche la colonna sonora è un omaggio agli anni 70/80 con Commodores, Cheap Trick,Blondie, Gloria Gaynor e la mitica My Sharona dei Knack per non parlare del riferimento che si fa durante il film ai alle musicassette e ad i Walkman , "appena nati".

E' un film piacevole, un film per ragazzi, un film per famiglie che si lascia guardare per tutto il tempo senza passaggi noiosi ma che tuttavia non passerà alla storia come i capolavori che cerca di omaggiare.

Stalker di Andrej Tarkovskij. 1979

2011-09-05T08:57:00.005+01:00

Tu sei re.
Vivi solo.

Scegli liberamente la strada
e va dove ti conduce il tuo libero ingegno,
perfezionando i frutti dei tuoi diletti pensieri,
senza chiedere premi per la tua nobile impresa.

Essi sono dentro di te. Tu stesso sei il tuo giudice supremo: tu sai giudicare, più severamente di ogni altro, la tua opera.

Ne sei contento, o giudice esigente?

Uno "Stalker" è un esploratore e questo film ne è la sua storia. Un esploratore abbandona moglie e figlia e si unisce ad uno scienziato e ad uno scrittore per scoprire un paese lontano e proibito, quella che da subito e ossessivamente chiameranno "la zona", una stanza misteriosa, dove pare si esaudiscano tutti i desideri umani più reconditi.
Difficile parlare di questo film, difficile catalogarlo, perchè saranno i dialoghi a rapirvi. Non c'è azione, i personaggi sono spesso inermi, sdraiati, in silenzio, in ascolto. Un film che potete guardare anche ad occhi chiusi (senza addormentarvi però), ma la troppa radice "intellettuale" disturba, perchè c'è solo quella. Una guerra che nessuno vede, ma che solo l'artista, l'intellettuale, con la sua sensibilità, lungimiranza vede e combatte. Poi quando finalmente (dopo due luuunghe ore) si arriva nella Zona, c'è una grande scacchiera, ci sono i dadi e c’è un percorso.
Lo stalker sposato e padre di una bambina senza l’uso delle gambe, si incontra in un tetro bar con due clienti, uno scrittore etilista che ha perso l’ispirazione e uno scienziato tutto pieno di certezze. La loro meta è il cuore della Zona, la Stanza dove vengono realizzati i desideri. Se lo scienziato camminerà sui binari arrugginiti del razionalismo più piatto, lo scrittore s’interrogherà tra desiderio e avversione per la Stanza:“Supponiamo pure che io entri in quella stanza, divento un genio e ritorno nelle nostre città dimenticate da Dio. Ma l’uomo scrive soltanto perché si tormenta, perché dubita e perché deve continuamente dimostrare a se stesso e agli altri che davvero vale qualcosa. Ma se sapessi con certezza di essere un genio, perché dovrei continuare a scrivere? Me lo sa dire perché?”
L'incarnazione dell’idiota dostoevskijano, la cui “santità” risiede nell'essere fedele fino alla disponibilità nei confronti degli altri, si riflette nella figura dello Stalker che personifica la preghiera, la fede, la credenza sulla parte recondita e spirituale dell’uomo. La mancanza di fede da parte del fisico e dello scrittore manderà in crisi il compito dello Stalker: “Ma gente così può credere a qualcosa? Nessuno crede più, non soltanto quei due. Chi posso portare là? Oh Signore! E la cosa peggiore è che non serve a nessuno. A nessuno serve quella stanza e tutti i miei sforzi sono inutili”.
La debolezza apparente che anima lo Stalker è in realtà concepita da Tarkovskij come una virtù: perchè non spinge mai a voler sottomettere l’altro e ad utilizzarlo per la realizzazione dei propri intenti. Non a caso, la debolezza sarà palesata durante il film con i versi originariamente tratti dal Tao tê ching di Lao Tzu: “Quando nasce, l’uomo è tenero e debole; quando muore, è duro e rigido (forte). I diecimila esseri, piante e alberi, durante la vita sono teneri e fragili; quando muoiono, sono secchi e appassiti. Perché ciò che è duro e rigido (forte) è servo della morte; ciò che è tenero e debole è servo della vita.”
Armatevi di pazienza, tutto qui è lasciato al libero arbitrio e alla vostra immaginazione, cos'è la zona? Forse un posto governato da misteriose energie aliene,un luogo "neutro", esterno alla vita ordinaria, al contesto sociale che circonda la vita di ciascun uomo in cui occorre con la meditazione saperci arrivare?
La "Zona" cambia continuamente, si evolve, si modifica negli elementi naturali che la compongono (compresi gli eventi atmosferici) perché rispecchia i moti dell'animo di chi vi si addentra. E smaschera i suoi fantasmi, le sue angosce. Potrebbe essere una trasposizione della seduta di una psicanalisi, dove si vede riflessa la propria interiorità e ne si subiscono gli effetti.
La Guida, l'Arte e la Scienza ad accompagnarci in questo viaggio quasi dantesco dei regni celesti prosegue con metafisica lentezza, al limite del ralenty e di silenzi lunghissimi, per scoprire il proprio inconscio, le proprie paure. Un cammino spirituale contrastato dagli scetticismi della Scienza (il professore di Fisica vuole spesso interrompere questo cammino)fino alla fanciullesca stanza dei Desideri, quella dei giochi, fatta di ceste piene di giocattoli da versare e lasciar ciondolare e rotolare per tutto il pavimento.
Quando si arriva alla Stanza, dopo essere sopravvissuti ai cambiamenti e alle trappole della "Zona" del proprio animo, si dovrebbe essere pronti a varcare la sua porta e a mostrarsi per quello che si è. Una sorta di giudizio universale, è Dio che si dovrebbe incontrare? Tarkovskij del resto era un ortodosso e la Stanza, si dice spesso nel film, renderà giustizia e punirà gli esseri avidi, corrotti, meschini.
"La 'Zona' lascia passare soprattutto gli infelici, coloro che non hanno nulla e il cui cuore è perciò rimasto puro, quelli che hanno fede, che non hanno smesso di sperare, quelli che credono in qualcosa:"La rigidezza e la stabilità, nella loro ottusità, sono compagne della morte, mentre la debolezza e la fragilità esprimono la freschezza dell'esistenza."
Forte l'insistenza sui primi piani dei protagonisti che parlano, talvolta interpellando direttamente lo spettatore con lo sguardo, inquietandoti, spesso ho avuto l'impressione che parlassero direttamente con me (!!!).
Molti gli oggetti sparpagliati alla rinfusa in varie parti della "Zona" alla Giorgio De Chirico.
Insomma vi consiglio questo film solo se siete indenni all'angoscia, perchè ipnotizza e distorce l'animo soprattutto per via delle sonorità vibranti dei dialoghi. Ma un gran bel film.

Carlo Giuliani, Ragazzo di Francesca Comencini. 2002

2011-07-14T07:20:00.005+01:00

(immagine di Carlo Giuliani bambino tratta dall'album della famiglia Giuliani)

Uno e un solo punto di vista con cui si snoda la ricostruzione della Comencini sull'ultimo giorno di vita di Carlo Giuliani: quello di sua madre.“Vivamus, mea mater, atque amemus”. Con questo classico verso catulliano Carlo Giuliani si rivolge, infatti, in apertura proprio alla madre in una delle poesie scritte nell’adolescenza.
Un documento straordinario per la forza e la lucidità con cui minuto per minuto la donna fa rivivere quei momenti, di una donna straziata che ha avuto come ultimo sollievo quello di ripercorrere quegli ultimi istanti tante volte col pensiero, per essere virtualmente vicina a quel figlio morto da solo. Per strada.
Una ricostruzione assai coerente dei fatti, convincente, esatta. Che fa tremendamente rabbia, ma che fa sperare. Che un'Italia civile, coraggiosa, davvero diversa e orgogliosa di esserlo esista, nonostante tutto.
"Carlo uscì con il costume da bagno sotto i pantaloni, non aveva ancora deciso se andare con un amico al mare oppure alla manifestazione...Mi hanno colpito subito queste parole iniziali di Heidi Gaggio Giuliani. Ho pensato a che sciocche fatalitè fanno fare le scelte sbagliate. Ma poi andando avanti con il filmato ho capito che a sbagliarmi ero io. Che io, come tanti, ero stata vittima delle "scelte comuni, popolari, vigliacche". Scappare di fronte al pericolo.
Quel 20 luglio del 2001, Carlo fa una scelta oculata, come quando sei al bivio della tua vita: decide di sacrificare una giornata di sole e di mare per scendere in una piazza già annebbiata dai gas lacrimogeni, le cariche della polizia sui manifestanti pacifisti erano già cominciate e Carlo che passa da lì vi assiste. Nelle immagini si vedono dei “misteriosi” Black Block cacciati dagli stessi manifestanti (“Andate via, venduti, noi non siamo violenti” gridano loro) ma che,invece, lasciati indisturbati, mettono a ferro e fuoco molte zone della città ligure. Voi cosa avreste fatto trovandovi lì? Avreste girato le spalle e sareste andati al mare?
"Colpito in faccia, rimase subito paralizzato nel lato sinistro del corpo e cadde a terra... La camionetta dei carabinieri in retromarcia gli passò sul corpo due volte, sul bacino e sulle gambe, poi sparì dalla scena senza prestare soccorso... Prima che morisse, lo presero a calci in faccia". Parole terribili, pronunciate con calma, pacatezza, pazienza, intelligenza, da parte di una donna che ha scandagliato ogni minimo frangente potesse parlargli ancora di Carlo. Le immagini parlano chiaro: quando Carlo si china a prendere l'estintore, la pistola è già puntata: legittima difesa quindi? Verso un gesto che ancora non si è compiuto?
“Cosa vuoi fare con quella pistola? Ma mettila via!”. La madre cerca di ricostruire l'ultimo pensiero che balena nella testa di un Carlo per qualche secondo ancora vivente. Chissà quante volte ha riguardato quegli ultimi frammenti di vita di Carlo. “E’ stato condannato a morte e prima dell’esecuzione è stato anche torturato” e poi ricorda il valore storico della Resistenza.
La toccante intervista, che vi consiglio di recuperare, è intramezzata da testi e poesie del ragazzo (anche in inglese, o in latino nella traduzione di Erri De Luca), da ricordi di famiglia e naturalmente dalle immagini scelte tra quelle girate a Genova e quelle più intime in bianco e nere riprese dall'album di famiglia.
Ho voluto ricordare Carlo così. Andando a cercare materiale degno che lo riguardasse, per rendergli tributo, memoria. Non ho grosse parole da spendere, solo tristezza, amarezza, preferisco quindi far mie le parole della madre in un passaggio dell'intervista: "E'diversa la violenza di chi attacca, da quella di chi si difende" Carlo si è difeso. Fino a rimetterci la vita stessa. Ciao Carlo.

Provaci ancora, Sam. Herbert Ross. 1972

2011-06-23T07:12:00.002+01:00

Io amo la pioggia: sciacqua le memorie dal marciapiede della vita.

Quando ieri pomeriggio ho deciso di rivedere questo film, ho subito pensato che se Woody Allen decidesse di recitare di nuovo in uno dei suoi film, noi non avremo più la sua voce italiana. Oreste Lionello non c'è più e ascoltare Allen non sarà mai più lo stesso, con Scoop abbiamo perso Woody.
La trama di questo film, uno dei migliori a mio avviso, che precede i suoi capolavori più celebri, è semplice ma efficace e ricca di spunti: Allan Felix (Woody Allen)è un critico cinematografico che viene mollato dalla moglie Nancy:"Voglio vivere! Voglio girare l'Europa in motocicletta! Io e te si va, al massimo, al cinema." "Mi ci mandano. Lavoro per una rivista di cinema!"
Dick e Linda sono i suoi migliori amici si prodigano per lui e gli presentano una serie di donne, ma Allan, timido e molto impacciato fallisce ad ogni incontro.
Linda però non si arrende, non demorde, non lo lascia solo e inizialmente solo per paura che cada in depressione.Dick è sempre in viaggio per lavoro, Allan ha l'animo più sensibile e Linda ne rimane attratta...
Presente fin dall'inizio un forte parallelismo con Casablanca, ed in particolare con Humphrey Bogart, che come una sorta di angelo protettore ogni tanto irrompe sulla scena per consigliarlo.
ALLAN: "Non avrei mai potuto picchiarla, io, Nancy. Non c'era questo tipo di rapporto, fra di noi."
BOGART: "Rapporto? Dov'è che l'hai imparata, questa parola? Da uno strizzacervelli di Park Avenue?"
ALLAN: "Mica sono come te, io. Alla fine di Casablanca, quando perdesti Ingrid Bergman, non eri distrutto?"
BOGART: "Roba da niente. Un whisky e soda, e via."
ALLAN: "Io, vedi, non bevo. Il mio fisico non tollera l'alcool."

Infatti il film si apre con Allan Felix quasi in trance davanti ad uno schermo di cinema: guarda per la centesima volta ma sempre con trasporto e passione Casablanca, proprio mentre sta dicendo addio ad Ingrid Bergman nell'aeroporto fumoso in una scena che tutti noi conosciamo. I punti di contatto e le citazioni della storica pellicola saranno sempre presenti, soprattutto nella parte finale.
Nella versione inglese la frase finale sarà proprio Play it again, Sam, da cui il titolo (azzeccato forse, ma fa perdere il senso della citazione), cioè suonala ancora, Sam, citando ciò che Ingrid Bergman dice al pianista di colore del Rick's Cafè. Tutto stupendo!

Sono riuscita nell'intento di spingervi a rivederlo? Fatelo!

Ferro 3. La casa vuota di Kim Ki-Duk. 2004

2011-06-16T08:43:00.003+01:00

"Siamo tutti case vuote
e aspettiamo qualcuno che apra la porta e ci renda liberi.
Un giorno il mio desiderio si avvera.
Un uomo arriva come un fantasma e mi libera dalla mia prigionia.
E io lo seguo, senza dubbi, senza riserve...
Finché incontro il mio nuovo destino."

Ferro 3 è una mazza da golf, sia simbolo del film e sia strumento dalle molteplici funzioni e chiavi di lettura della pellicola come l' amore, la morte, la rabbia, la libertà e la fuga. Anche se mai come in questo caso, il film andrebbe sentito, assaporato e non letto. Tae-suk, il protagonista, non è identificabile, perchè è pieno di identità, balza da una casa all'altra, indossando polimorficamente i panni degli altri, sventendosi della propria anima per abbracciare quelle altrui. Non vuole rubare, nè spiare, nè scappare, nè appropiarsi di ciò che trova transitando per poche ore nelle abitazioni prescelte. Forse cerca la pace o forse vuole donarla, una sorta di angelo con la missione di portare sollievo, riempire uno spazio vuoto fino a che trasbordi di amore. E così cura anche se stesso. Fin quando incontra gli occhi di lei che più degli altri andrebbero salvati. La ragazza è, infatti, vittima della violenza del marito.
Come ricordo delle sue incursioni, il giovane crea una galleria fotografica dove s'immortala con foto dei veri abitanti, accanto ai loro oggetti quotidiani, surrealismo e fantasia pura soprattutto nei suoi siparietti in carcere che culminano in un criptico occhio stampato sul palmo della mano. E il tutto nella più totale assenza di parole, comunicando attraverso i gesti e gli sguardi, imparando ad amarsi piano, condividendo tutto il resto, prima ancora del corpo. Il luogo fisico della Casa, dimora di una borghesia ipocrita e violenta (incarnata dall'amante violento della donna), è finalmente dominato dall’uomo che riempie di significato le parole vuote coi suoi silenzi e sguardi, salvo un significativo Ti amo pronunciato da lei verso la fine.
La sensazione finale è quella di un film anarchico, o meglio di personaggi anarchici che rifiutano qualsiasi soluzione basata sulla comunicazione, sul dover dare delle spiegazioni, in una totale assenza di fiducia negli esseri umani.
Realtà o sogno? Potenza del cinema, ma a volte anche della stessa vita. E come recita la frase a fine film: "...è difficile dire se il mondo in cui viviamo è sogno o realtà"

Me and you and everyone we know.Miranda July. 2005

2011-05-15T07:54:00.017+01:00

La gente si rassegna al mal di piedi, ma la vita ha in serbo di meglio

Il microuniverso di Miranda July, con questa pellicola al suo esordio, è intriso dalla difficoltà di comunicazione e dall’isolamento nel quale sono rinchiusi i suoi singolari personaggi. Miranda è Christine, una dei protagonisti: una folle artista senza successo, lavora come autista per persone anziane, ma ha solo un cliente, e come ogni artista confonde continuamente, nell'arte come nella vita quotidiana, la realtà conla fantasia. Incontrerà Richard, commesso di scarpe in crisi coniugale.
Due solitudini che s'incontrano e dispiegano le loro assurdità con i bambini che osservano straniati ed alienati gli adulti del tutto folli. E' un teatro beckettiano, dell'assurdo, che si perde nei difetti del cinema indipendente: discorsi banali, stile trascurato. Ma toccanti le scene che rievocano la caducità umana: Richard brucia la mano che non ha saputo ricomporre la sua famiglia, il pesciolino rosso che si cerca a tutti i costi di salvare, una gara di pompini, il bacio impossibile fra il bambino nero e la donna della chat.
Lirismo, poesia e scandolo, come i biglietti pornografici rivolti alle due adolescenti, qui sesso e amore non viaggiono all'unisono, è l'amore che comunica e il sesso ne esce svilito, ma è un istinto del tutto naturale, primordiale, al quale tutto è permesso senza falsi tabu'. Questo punto di vista, che voi lo condividiate o meno, dopo un po'diventerà, senza che ve ne accorgiate, anche il vostro:l'oscenità di alcune scene se all'inizio vi farà rabbrividire, poi vi divertirà. Questo è vero talento, anche un benpensante accetterebbe la scabrosità di questo film, che definirei uterino, vaginale, pensato da una donna e quindi mai volgare. E profondamente consolatorio: La gente si rassegna al mal di piedi, ma la vita ha in serbo di meglio.

Habemus Papam. Nanni Moretti. 2011

2011-04-21T07:41:00.017+01:00

Lo psicoanalista Moretti viene forzatamente rinchiuso in Vaticano, mentre il neoeletto pontefice Piccoli evade, vagando per i bar, gli alberghi, le strade di Roma. La sala del conclave riecheggia la piscina di Palombella Rossa, un luogo dove le cose apparentemente accadono senza una ragione, un senso, dove i cardinali vengono analizzati e descritti con simpatia, affetto:(non sono riuscita a cogliete in nessun punto, possibili spunti su cui la Chiesa abbia potuto aver da ridire, semmai il contrario, una resa dell'uomo ecclesiastico fin troppo buonista rispetto alla realtà)sono ansiosi, insicuri, attendono il Papa, la suprema guida che riflette sul suo ruolo, divinamente umano, e ho trovato tutto ciò molto più credibile rispetto a dogmi quali l'infallibilità del Papa.
Impeccabile Michel Piccoli (il Papa)che osserva il mondo come un bambino e interpreta calandosi a pieno nella parte una straordinaria apologia sul dubbio, sul sentirsi inadeguati, sui sensi di colpa.
Un Papa senza nome, ma con caratteristiche mutuate da altri pontefici storicamente esistiti (non farò mai i nomi), un vero Papa sebbene finto, perchè l'unico che fugge dall’investitura che vuole fare di lui uno degli uomini più potenti della terra e che quindi non lo renderebbe più servo di Dio.
Per far sì che “tutto cambi” (come canta Mercedes Sosa) occorre che qualcuno, in alto, cominci per primo a fare un passo indietro:"la palla prigioniera che non esiste più da cinquant’anni", la chiesa deve svecchiarsi è questo l'intrinseco messaggio. Ma Moretti ne canta quattro anche alla psicoanalisi, anch'essa ormai senza nulla da dire, ancora condita di spersonalizzate formule vuote e inutili: “lei soffre di un deficit di accudimento”(ripete spesso la voce dell'alter ego di Moretti, Margherita Buy, la moglie separata, anch'essa analista di professione). I limiti della fede, il Papa alla fine abdica, la guida ha bisogno di una guida e i limiti della Psicanalisi che non può davvero aiutare un uomo in piena crisi d'identità, uno psicanalista che dovrebbe essere psicanalizzato: separato, pieno di se stesso, ma al contempo fragile per l'abbandono e il nuovo amore della moglie. Il Papa in fondo sognava di fare l'attore, ma non fu preso e Moretti crede d'essere il migliore (perchè tutti glielo dicono)ma a parte organizzare un torneo di pallavolo non sa fare null'altro.
Solo tanto polverone le critiche della Chiesa, un film per nulla anticlericale, ma se tutta questa pubblicità può spingervi ad andare al cinema, boicottiamolo pure.

Arizona dream. Emir Kusturica .1993

2011-04-17T08:24:00.026+01:00

"A volte occorre sbattere la testa contro un albero per capire ciò che si deve fare, e che il segreto delle cose è privo di significato... Quando avevo visto nell'hangar la pistola, mi ero sentito subito nervoso, perché era identica a quella del mio sogno. Mai nella mia vita avrei pensato di diventare un eschimese in mezzo al deserto, consapevole di dover uccidere qualcuno per metter fine alla sua infelicità. E all'improvviso vidi tutto chiaramente, come quando si pulisce il vetro appannato di una finestra. Temevo che se non avessi fatto niente, da un momento all'altro sarebbe esploso qualcosa, magari io; e così decisi immediatamente di uccidere, per evitare di uccidermi. L'unico problema era che, essendo entrambe così infelici, non sapevo quale delle due uccidere. Per l'ultima volta udii una voce che non era quella di mia madre sussurrare: "Buongiorno Colombo", e non ne fui turbato; e alla fine la voce si abbassò fino a diventare un vento che spazzò via il rassicurante odore di acqua di colonia, e per la prima volta in vita mia mi resi conto come Colombo che dovevo vivere in un mondo di scadente acqua di colonia, e che forse in America non c'erano altre cose da scoprire. Contare i pesci non sarà stata una scienza ma in qualche modo mi preparava per l'oceano".

Il più europeo tra gli attori americani, Johnny Depp è qui Axel, vive a New York dopo la morte dei genitori avvenuta in un incidente d'auto, qui lavora come impiegato presso il Dipartimento per la Caccia e la Pesca e tratta i pesci come i suoi migliori amici, li preferisce agli umani e sogna un palloncino rosso portato dal soffio ghiacciato dell'Alaska. Ama abbandonarsi in visioni oniriche, le stesse che poi aprono il film: degli eschimesi trovano un raro pesce che possiede, nella sua fase matura, due occhi dallo stesso lato, ma che permette di guadagnare altri aspetti dell'esistenza se pur si perde una parte della visione. Fin da subito vien così delineato il messaggio intrinseco del film: il problema del sognatore. Il pesce freccia, infatti, subisce lo spostamento di uno dei due occhi nel momento della maturità, perdendo la visione prospettiva, quindi completa, ma guadagnando in pragmatica e praticità. Immagine fedele di Axel, Grace ed Elain (le altre due protagoniste femminili del film) che sono infantili: Axel, come spesso viene ripetuto per bocca di Paul, "è un ragazzino", Grace gioca con le sue tartarughe, Elaine vuole volare e ha relazioni solo con ragazzi molto più giovani di lei.
Axel esce da questo mondo trasognato che si è creato, viene a "rapirlo" il suo amico Paul per riportarlo in Arizona (dream), per far da testimone alle nozze di zio Leo (è proprio lui si, il mitico Jerry Lewis). Qui conoscerà Elaine, una bionda bellissima, ma ormai matura che ha ucciso il marito, tenendo però con sè la sua gelosissima e invidiosa figliastra Grace, con continue manie suicide. Axel si innamorerà di Elaine,(Non lo credevo possibile, ma l'amore mi piombò addosso come unelefante, e fui scagliato in una giungla di sogni) anche se i due non se lo dichiareranno mai apertamente, e si trasferisce in casa sua, dove la aiuta a costruire una macchina volante che realizzi il sogno della donna di volare.Leo (lo zio), prossimo al matrimonio con una giovane polacca, si suicida, e Axel si avvicina sentimentalmente a Grace, ma quando i sogni, però, sono giunti al capolinea e Grace, non è più in grado di sostenere il peso dell'esistenza, si spara in bocca.
Farsa e depressione, sono queste le fasi alterne della pellicola, nell'irrealtà di un mondo attorno che via via si dissolve, fino a sparire. Un film di formazione, sul passaggio dall'adolescanza alla fase adulta, quel periodo in cui ogni giorno si vuol diventare qualcuno o fare qualcosa di diverso, in cui scappiamo dagli errori dei genitori, siamo in rivolta, si cresce solo "ammazzando" la figura genitoriale. E Axel, infatti,allontana da sè l'idea di poter diventare un giorno come suo zio, ma allo stesso tempo non resiste all'eroe della propria infanzia, profumato di colonia scadente, che crede nel sogno americano. Ottima la resa del suo disagio nella pragmatica vendita di macchine nella concessionaria (voluta insistentemente dallo zio),perchè rivela quando egli, in realtà, sia più consono a sognare esquimesi che pescano pesci malformati nello stretto di Bering. E sarà il trionfo del kitch e del sogno, il padre di Axel, infatti, diceva: "Se vuoi conoscere l'anima di un uomo, bisogna chiedergli cosa sogna".
Voli onirici, ma anche reali: Elaine, raccontando ad Axel di aver sempre saputo di saper volare, ma di non averlo mai detto a nessuno, perché se qualcuno lo avesse saputo avrebbe potuto farla cadere, accende nel ragazzo la voglia di tentare quel decollo, è vitale per loro: rappresenta l'unico modo per staccarsi dalla bruttura del reale, reinventando in alto la loro esistenza, credendosi grandi artisti.
Un Kusturica che lascia sempre un po'interdetti, se si cercano simboli e significati si finirà per impazzire. Immergetevi nell'eccellente fotografia, volate coi protagonisti, danzate sulle note di un Goran Bregovic da brivido. E tutto qui.

Miral di Julian Schabel. 2010

2011-04-07T07:44:00.018+01:00

(Nadia si lascia morire tra le onde del mare)

Miral. Come il fiore che nasce sui cigli delle strade e dal quale germogliano altri fiori:due donne, la sua insegnante Hind, fondatrice di un orfanotrofio, e la madre Nadia. Tre trame al femminile intrecciate alle voci di chiunque abbia esercitato un’influenza su di loro, e a alle voci delle innumerevoli storie simili a quella di Miral, la bellissima palestinese che vive in Israele nel collegio-orfanotrofio fondato da Hind Husseini. Nadia, che si lascia annegare tra le onde del mare, e la zia di Miral che ha compiuto un grave attentato, costringono quello che lei crede essere il suo vero padre a cambiarle identità e ad allontanarla dalla famiglia, ma non si sfugge al destino e nel collegio la giovane seguirà attivamente le vicende che condurranno agli accordi di Camp David e manifesterà, facendone le spese, a favore della causa palestinese. Miral rappresenta la generazione allevata nel pieno dell’occupazione e solo chi ha coltivato nonostante tutto un sogno di pace attraverso l’amore, l’istruzione e la speranza, è riuscito alla fine a vincere. E'la storia di una vittoria al femminile, velata, timida, zoppicante, umiliante: bellissima la scenza della violenza consumata su una donna espressa nel dettaglio di una macchina da presa, che per il pudore di un gesto così vile e oltraggioso indugia, sgrana, sfoca l'immagine, l'azzittisce, ammutolisce, per poi rivelarla solo alla fine, quando tutto è compiuto. Una storia un po'disordinata, difficile e a tratti noiosa da seguire, poco pathos, un generico appello alla pace, ma che ha la pecca di non diventare mai un vero e proprio grido.

Hong Kong Express. Wong Kar-Wai. 1994

2011-03-27T08:09:00.019+01:00

"Non sapevo nulla di lei. Cinquantasette ore più tardi, mi sarei innamorato di quella donna".

Strazianti frasi d'amore pronunciate da una voce fuori campo maschile, per due storie che forse si incontrano e forse no, ma che di certo hanno in comune l'epilogo, non inziano mai o nella migliore delle ipotesi rimangono inconcluse. Protagonisti due poliziotti: il primo, abbandonato dalla sua donna, s'innamorerà di una spacciatrice di droga, del secondo s'innamorerà una cameriera, che dovrà faticare non poco affinchè lui se ne accorga. Ciò che affascina da subito è la forte incomunicabilità, ciascun personaggio sfiora l’altro anche se per qualche secondo,train d'union il proprietario di una specie di fast food ambulante che ascolta e consiglia i due poliziotti. Una reificazione dei protagonisti a cui corrisponde un'umanizzazione degli oggetti, per scene dall'impatto fortemente emotivo, che t'inchiodano gli occhi fissi allo schermo: strofinacci che piangono, scatolette di ananas che stanno per scadere (perchè Abu ha deciso che smetterà di pensare alla donna che l’ha lasciato, quando scadranno tutte le sue scatolette di ananas il giorno del suo compleanno), infradito che galleggiano per la casa, peluche dalla faccia triste da quando la donna amata è andata via.
Il primo poliziotto Abu, fa indigestione di scatolette di ananas nell’intento di dimenticare la sua ex-fidanzata, incontrerà una donna dalla parrucca bionda con la quale passerà una notte in hotel: ma attenzione, non è come credete, lei dormirà tutto il tempo, mentre lui si ingozzerà di cibo guardando la tv. La finta bionda è in realtà immischiata in affari loschi, ma Abu deciderà di smettere di soffrire grazie a lei.
Il secondo poliziotto è l’agente 633, abbandonato dalla sua amante, per la quale comprava sempre da mangiare al fast food ambulante, galeotto fu il luogo: qui incontrerà Amei, la cugina del bonario proprietario, due occhioni espressivi stile Amelie versione "a mandorla", che canta anche le canzoni della colonna sonora (divertente la versione cinese dei Cramberries). Amei ha per agente 633 un colpo di fulmine, trasognanti tutte le scene in cui lei si intrufola nel suo appartamento per renderlo più vivibile, mettendolo in ordine. Ma l'uomo non si accorgerà mai di tutti i cambiamenti ad opera di Amei, troppo assorbito nel suo dolore.
Mentre i protagonisti sono ripresi in ralenti, tutta Hong Kong, alle loro spalle, si muove a velocità accelerata, straordinario l'effetto! Una Hong Kong stupenda, commistione di nazioni e culture, occidentalizzazione, raccontata tramite una stupenda colonna sonora incentrata su California Dreamin’ dei Mamas and Papas, o Dreams dei Cranberries o What a difference a day makes di Dinah Washington,che si alternano ossessivamente uno dopo l'altro. Tutto ineccepibile, fin troppo. Emozioni assicurate.

Gianni e le donne. Gianni Di Gregorio.2010

2011-03-17T07:54:00.017Z

"E' scabroso le donne studiar, son dell'uomo la disperazion, bionde o brune, mister sempre son, donne, donne eterni dei. Cherubin dal visin tutto ciel, dallo sguardo soave e seren, rosse o brune, oppure biondine che fan,l'uomo sempre burlato sarà."
"La vedova allegra" Franz Lehár

Gianni è un baby pensionato, ha 60 anni ben portati, semialcolizzato, di Trastevere, con moltissimo tempo libero che spende in buona parte portando a spasso il suo cane e quello dell'inquilina del piano di sotto e rispondendo alle chiamate "urgentissime" della sua troppo vispa madre.
La gioventù è ormai solo un ricordo e lui Gianni (Gianni Di Gregorio, protagonista e regista del film) si guarda allo specchio sistemandosi le borse sotto gli occhi, indossa abiti nuovi e con naturale classe nell’incedere cerca di venirne a capo nei suoi rapporti così problematici con le donne in una una lontana reminiscenza dei tempi lontani.
Gianni, delle donne è solo uno schiavo: della moglie che lavora e non ha mai tempo da dedicare a lui, dormono anche in camere separate; della figlia ad un passo dagli esami di maturità, impelagata in una non-storia con un nullafacente che si è piazzato giorno e notte in casa; della ragazza che abita al piano di sotto, giovanissima, sensuale e prorompente, con cui vive un reciproco amore platonico; della madre novantenne, nobildonna decaduta, delusa da un figlio troppo passivo con badanti superpagate e amiche-compagne di poker trattate come regine.
Il suo migliore amico è Alfonso, rozzo e panciuto, in antitesi con la sua eleganza e la sua linea snella, avvocato dalla “lingua biforcuta”, dedito a puttane e viagra, che con Gianni trova attimi di purezza e che per contraccambiare cerca di regalargli attimi di trasgressione (non riuscendoci). La sua vita, insomma, scorre monotona fra commissioni, passeggiate con il cane e faccende domestiche, ma poi si accorge che tutti i suoi coetanei, ma anche quelli ben più vecchi di lui, hanno l’amante. Il film riceve così un piccolo scossone e Gianni cerca di porre rimedio alla sua troppo piatta vita. L'unico incontro riuscito apparentemente quello con la sua compagna di scuola, sessantenne anche lei quindi, ma in formissima per via dei suoi cibi macrobiotici, "ma perchè non ho sposato te" si lascerà sfuggire, ma andrà in bianco anche con lei che si addormenterà sul divano, mentre lui cerca di "liberarsi" dall'ennesima telefonata materna.Ma Gianni non perde mai il sorriso, che a volte amaro, a volte sinceramente sereno, ha sempre stampato sul volto. E alla fine strappa il sorriso di chi lo segue e guarda, perchè non è una commedia che regala grosse risate, ma dei sorrisi sì, si entra in empatia con quest'uomo senza grosse qualità, vittima della frenesia che lo circonda, perchè lui uomo d'altri tempi sa difendersi bene, asseconda, non urla mai e accetta che il mondo beffardo si beffi di lui. Autoironico e malinconico, un mix tra Allen e Moretti.

Lola corre. Tom Tykwer. 1998

2011-03-13T07:49:00.011Z

Lola ha i capelli rosso fuoco, tatuaggi bene in vista, canotta e anfibi ai piedi per correre. E'una ribelle, una di quelle che amano, talmente tanto da essere disposta a tutto. I suoi genitori la ignorano e s'ignorano tra di loro e per trovare senso alla sua vita, il ritmo con cui sceglie di viverla diventa frenetico, vorticoso, senza pause, una lunga maratona a fiato corto. Corre su e giu'in una severa Berlino, accompagnata da note ossessive, luci, suoni techonpunk e colori.
La sua corsa è in realtà contro il tempo: un telefono rosso fuoco come i suoi capelli squilla, Manni, il suo ragazzo, quello per cui Lola corre tanto, per arrivare sempre in tempo, si è messo nei guai, ha bisogno di 100.000 marchi in venti minuti o non avrà salva la vita. La trama non esiste, composta solo da questa breve telefonata e poi tutto si scompone, un puzzle fatto di momenti noir, di cartone animato, commedia, dramma sentimentale in un rave-party di 81 minuti esatti.
Ci si sente frastornati, come la musica ad alto volume che ovatta le orecchie e il cervello, senza mete, senza punti certi: "la palla è tonda e la partita dura novanta minuti"- dice uno dei suoi personaggi- "cosa sarebbe se io non fossi io e tu non fossi tu, ma io sono veramente io e tu sei veramente tu?"
Un padre a cui chiedere aiuto e i tanti personaggi con cui Lola si scontra in questa sulla folle corsa: una donna con carrozzina, un ragazzo in biciletta, una macchina che esce da un garage, un'impiegata di banca, un barbone (che non è un personaggio da snobbare come tutti gli altri, perchè è lui ad avere i 100.000 marchi andati perduti) un autista di ambulanza. Al suo passaggio, ognuno vede per una frazione di secondo materializzarsi il proprio futuro sotto forma di una serie di velocissime istantanee... e poi come in una sorta di sliding doors, ci si chiede: ma se, una volta terminata la telefonata iniziale, la giornata di Lola fosse andata diversamente? Se scendendo le scale di corsa qualcuno le avesse fatto lo sgambetto? E se non si fosse frapposta sul cammino dell'uomo che usciva dal garage? Se il barbone avesse comprato la bicicletta? Se l'ambulanza avesse rotto la lastra di vetro?... I venti minuti che separano Lola dal suo Manni saranno così ripercorsi per tre volte, mostrandoci altre possibilità di epilogo della vicenda e puntando l'attenzione su come basti un secondo, alle volte, per cambiare tutto. O di come alle volte basti un urlo!
Non finiremo mai di esplorare, e dopo tanto esplorare saremo di nuovo al punto di partenza e conosceremo finalmente il posto per la prima volta

20 sigarette. Aureliano Amadei. 2010

2011-03-11T06:51:00.016Z

Presentato alla 67esima mostra del cinema di Venezia, questa splendida pellicola ha la forza di trattare di un tema logoro come quello della strage da guerra senza retorica e ipocrisia, ha per protagonista, infatti, un giovane ventottenne anarchico e antimilitarista e aspirante filmmaker: Aureliano, che parte come coaiutante del regista Stefano Rolla per girare un film sulla “missione di pace” italiana in Iraq. In fondo il governo, la Farnesina e i mezzi d’informazione assicuravano che la situazione in Iraq fosse tranquilla...ma basta poco per rendersi conto che in realtà ci si trovi in un far west, dove occorre girare armati per vincere sul tempo cecchini e caw boy.
La durata del film? Il tempo di fumare venti sigarette, anzi, ancora prima di terminarle sarà coinvolto nell’attentato alla caserma dei carabinieri di Nassiriya (da cui si salva per miracolo). Magistrale e la migliore dell'intera pellicola la scena dell'attentato, dove viene usato il piano sequenza con un effetto "reality", con le grida di Aureliano così vere e stridenti da creare un riuscito effetto-immedesimazione.
La seconda parte del film è incentrata sulla sua lenta convalescenza, un dolore fisico, ma soprattutto morale perchè nessuno comprende la crudeltà di quella guerra. Tutto molto sentito, vero, Aureliano Amadei è stato davvero in quel cortile a Nassiriya nel novembre 2003 (dove furono ben 19 gli italiani a perdere la vita) e lo si percepisce appieno, esperienza poi mimeticamente riportata in questo lungometraggio. E claudicante, sordo da un orecchio, vittima di perenni attacchi di panico, ferito psicologicamente, adesso Aureliano è una persona diversa e ha deciso di voler raccontare la sua storia: di come un ragazzo dedito a canne, birra e centri sociali sia diventato un eroe.

Little Miss Sunshine. Valerie Faris, Jonathan Dayton. 2006

2011-03-03T15:12:00.012Z

In una società ingorda, superficiale, dedita solo alle apparenze, tra miti televisivi, ideologie alienanti: essere bellissimi, magrissimi, vincenti, diventare qualcuno, una commedia on the road con protagonista la divertente famiglia Hoover che viaggia a bordo di un pulmino giallo anni '70 e rivendica il suo diritto alla "non eccezionalità". Dove sono diretti i sei protagonisti?! E dove, se non alla finale del concorso che dà poi il titolo al film (“Piccola Miss California” anche se la traduzione è pessima), al quale la dolcissima Olive, fortuita vincitrice delle selezioni regionali, è chiamata a partecipare.
Il capofamiglia è il teorico dei “nove passi” per essere un vincente quando è lui stesso, in realtà, un perdente. Il fratello di sua moglie, studioso di Proust, è reduce da un tentato suicidio per amore di un suo studente che gli ha preferito il suo antagonista; e l’immancabile nonnetto arzillo erotomane ed eroinomane (che non fa una bella fine). I più piccoli a bordo, i due fratelli: lui un quindicenne misantropo che coltiva studi nietzschiani, non parla da nove mesi perchè vuole diventare un pilota, lei, la forza motrice dell'intero narrato. Riuscitissima la gag della partenza a spinta del furgoncino, che si presta proprio per la sua efficacia anche a manifesto del film e divertente l'intero film, perchè quest'epopea dei perdenti conquista.
Un viaggio nel viaggio, durante il quale ognuno dovrà scontrarsi con la propria coscienza e il proprio io, tanti gli spunti di riflessione e tutti accompagnati dalle divine colonne sonore dei Devotchka.
Sai una cosa? Vaffanc**o ai concorsi di bellezza… In fondo, la vita è tutta un fottuto concorso di bellezza dopo l'altro… Il liceo, l'università, poi il lavoro… vaffanc**o! E vaffanc**o l'accademia aeronautica… se voglio volare, il modo di volare lo troverò… fa' la cosa che ami e vaffanc**o il resto!

Delicatessen. Jean-Pierre Jeunet, Marc Caro. 1990

2011-01-23T08:20:00.011Z

Siamo in Francia in un futuro prossimo, non precisato, nel palazzo semidistrutto di un macellaio, qui, giunge l’ex pagliaccio Louison, che dopo la morte della scimmietta Livingstone, sua compagna di gag, accetta di prestarvi servizio come portiere. Da una settimana nessuno qui mangia carne, intorno solo distruzione, degrado, dove trova dunque la materia prima il venditore di carne?
Il dubbio balena subito, sarà proprio quello a cui di getto penserete la risposta.
La società dei carnivori vive in superficie, nella parte visibile del mondo, i rivoltosi vegetariani occupano invece il sottosuolo. All'arrivo di Lousion, che certo è un po'magrolino, si sfregano tutti le mani, se non fosse per la figlia del macellaio, che del pagliaccio s'innamora. Con l’aiuto dei Trogloditi, i vegetariani dei piani bassi, cercherà, infatti, di salvare il nuovo arrivato dalle grinfie del padre e coronare il suo sogno d'amore.
Un riuscitissimo cult movie francese, grottesco e divertente, denso di immagini e maschere che celano significati ampi e concreti. Ci si addentra negli anni 90, nei nonsense del consumismo incallito, nella stupidità un pò figlia della ripetitività delle azioni, emblema della piccola catena di montaggio dei due fratelli e la disperazione atroce della donna che cerca di suicidarsi in vari modi ma che proprio non ce la fa.
Bellissima la fotografia giocata sulla saturazione dei colori, soprattutto nella riuscitissima scena dell’invito a bere un the (tra le più belle del film) quando la figlia del macellaio toglie gli occhiali per sembrare più carina agli occhi di Lousion e che ricorda molto la sequenza di Frankenstein junior di Mel Brooks.

Una sconfinata giovinezza Pupi Avati. 2010

2011-01-14T08:34:00.029Z

C'è sempre l'imbarazzo della "prima volta", e il regista bolognese Pupi Avati, la supera così, con "Una sconfinata giovinezza", sua prima storia d'amore sul grande schermo, pellicola che commuove anche se non convince.
Lillo e Chicca ne sono i protagonisti, collaudata coppia in avanti con gli anni: lui giornalista sportivo di grande fama, lei docente di filologia medievale alla Sapienza. I primi fotogrammi li ritraggono innamorati come se fossero ancora adolescenti, felici, alle prese con una storia d'amore meravigliosa. Solo un dolore nella loro casa troppo grande: nessun pargolo, nessun nipotino, ma nonostante una così grave lacuna, i due riescono a sopperire alla mancanza di un figlio grazie al forte sentimento.
E quando la memoria comincia a vacillare, tra uno sfottò e un altro, "l'età avanza" chi mai potrebbe pensare ad gravissima patologia regressiva come il morbo di Alzahimer? E tutto il film scorrerà su due linee narrative: il difficile presente della malattia e il passato di Lino raccontando, con flashback, la sua regressione all’infanzia.
Chicca con la sua intelligenza e lungimiranza, comincia ad osservare Lillo, si accorge che qualcosa non va, non si arrende, studia un modo per comunicare con lui anche mentre la sua mente divente pian piano infantile, regredendo nei meandri di "una sconfinata giovinezza".
Inno di un amore che non conosce età, tempo, malattia, pronto a combattere contro la natura, contro il destino, contro il male che avanza. Troppa retorica? Si, il messaggio che il film veicola, come anche l'intero film ne abbondano, si sa sempre dove l'autore vuole andare a parare, nessun colpo di scena, sempre tutto fin troppo scontato...ma non è forse la mimesi di un amore maturo tutta questa ovvietà? In molti tratti il richiamo a Benjamin Button è fortissimo, qui è la malattia a far regredire Lillo, Benjamin regredisce, invece, per "uno strano caso". In fondo i ricordi tutto sono tranne che "originali", ci appartengono, sono nostri, li conosciamo, la nostra mente li ha incamerati come la fotocamera un'istantanea, eppure chi potrebbe mai affermare che un ricordo non lo rapisca ed emozioni ogni volta? E qui sono proprio loro, i ricordi di Lillo a parlare, la sua mente scava, fa salti temporali, le immagini si palesano nella schizofrenia della sua mente malata. Chicca avrà tra le braccia il bimbo tanto desiderato e mai arrivato, Lillo si perderà nei confini della sua adolescenza, (ma per finire dove? Troppo misteriosa la fine del film)Lino, infatti, completamente persa la percezione di sé come uomo ritorna un bambino spaurito, rifugiandosi nelle campagne bolognesi, che lo hanno visto adolescente.

Questa la storia di quest'atroce malattia che, come tutte le malattie, non ha un perché, emblematico che il cane di Lillo bambino si chiami proprio "Perchè". Merita una segnalazione la prova di Vincenzo Crocitti, il prete di famiglia, qui nella sua ultima apparizione prima della morte.

Porco Rosso. Hayao Miyazaki .1992

2010-11-21T08:46:00.027Z

Dalla rivista che Porco Rosso usa per coprirsi il viso nelle primissime scene capeggia in bella vista una data: 1929. Siamo negli anni Trenta dunque, nel mezzo tra il primo e il secondo conflitto mondiale, con protagonista assoluto il cielo, dalla prima all’ultima sequenza, in un valzer di scie aeree. Primo ballerino, l'eroe maschile che ha le sembianze di un porco (da qui il nome) e sua compagna di danze è la diciassettenne Fio, il personaggio salvifico, perchè puro ed incontaminato. Marco Pagot (vero nome di Porco, in omaggio ai fratelli Pagot animatori italiani) è un famoso pilota di idrovolanti a caccia dei pirati volanti dell'Adriatico. Sconfiggerlo in un duello aereo sarebbe impresa da fama e gloria e per questo l'americano Curtis si unisce ai pirati ed abbatte il famigerato aereo rosso. Per ripararlo Marco si trasferisce a Milano, presso la ditta Piccolo, dove fa la conoscenza di Fio Piccolo, un genio nella progettazione degli aerei. "Meglio porco che fascista" è il motto di Marco, la polizia fascista lo cerca, quindi ritorna sull'Adriatico per sistemare i conti con Curtis e forse mettere in chiaro una volta per tutte il suo rapporto con Gina. Ma Fio non lo molla e parte con lui.
Una chiara condanna del fascismo, sia nel rifiuto della guerra che del senso di malvagità dilagante che ne consegue, nemmeno gli antagonisti sono, infatti, malvagi, i pirati del Mammaiuto (Mamma Li Turchi) si fanno sopraffare da un gruppo di bimbe in gita e hanno le gote rosse rosse di vergogna di fronte a Gina e Fio.
Come anche ne La principessa di Mononoke, è presente il tema della maledizione e della metamorfosi (Marco è stato tramutato in un maiale) ma il regista non spiega né il quando né il dove e né il perché ciò sia avvenuto, è solo Gina ad insinuare il dubbio ed un poster nel quale il volto umano di Porco Rosso è cancellato da forti tratti di colore nero, nel tentativo di far sparire le tracce di una vita forse più felice, lo sconforto per l'attuale situazione non è, però, mai palesemente esibito. Ma chi si getta a capofitto in imprese titane per dare senso alla sua vita, urla malinconia, sebbene occultata in sguardi coperti da occhiali neri, che nascondono e velano ogni barlume di sentimentalismo - che però trapela dalle scelte di Marco, dalle sue parole, dai suoi racconti, dalla sua testa che guarda spesso in basso- Un maiale senza le ali è solo un maiale.
La ricerca estetica del maestro è quasi maniacale e chi ama il "bello" qui lo ritroverà tutto, misto ad un retrò immaginario ma verisimile.E sulla colonna sonora di Hisaishi Porco Rosso si è eclissa e scompare. Ma non nei ricordi di chi davvero lo ha amato: Fio oramai adulta ricorderà quella stagione della vita come la più importante, perchè conoscerà il vero amore.
La prossima pellicola dello studio Ghibli sarà proprio il seguito di Porco Rosso "The Last Sortie", ambientato durante la guerra civile spagnola.Impaziente attendo.

The Social Network, David fincher 2010

2010-11-17T22:46:00.007Z

Se si pensa ai 500 milioni di utenti di Facebook, è facile suppore che un film che ne ripercorra la storia raccontando gli aneddoti e le vicissitudini dei protagonisti, si candidi a essere uno degli eventi cinematografici dell’anno.

In effetti le due cose non vanno di pari passo.
"The Social Network" è la trasposizione cinematrografica della travagliata e creazione di Facebook, il più famoso social network al mondo dalla sua fondazione nel 2004 fino alla causa da 600 milioni di dollari indetta contro il suo creatore Mark Zuckerberg.

Il film è bello, veloce, non annoia nonostante non sia certo un cortometraggio (120 minuti ndr).
La storia, abilmente diretta da David Fincherè presentata a spezzoni, passato e presente che s’intrecciano velocemente.
Senza perdere il filo, si passa dalla stanza di un tipico Nerd di un college americano, ad un lussuoso studio legale dove si svolge la causa legale tra Mark e l'amico e cofondatore Eduardo Saverin, passando per l'altro studio legale dove è in atto l'altra causa milionaria in cui Zuckerberg è coinvolto.

Non mancano le scene in cui il linguaggio diventa un susseguirsi veloce ed incomprensibile di termini tecnici che in sala fanno sghignazzare soddifatti gli smanettoni e sorridere i neofiti. Ben dosate comunque, giusto per far percepire l'atmosfera che il protagonista respirava e respira.

A volte stralunato ma sempre deciso e convinto delle potenzialità della sua creatura il Mark Zuckerberg rappresentato dal bravissimo Jesse Eisenberg è straniato e geniale, gira in pantaloncini e ciabatte anche sotto la neve e appare impassibile difronte al successo.

D'effetto il momento in cui il protagonista ed il suo team festeggiano il milionesimo "amico" di facebook e contemporaneamente Mark perde il suo forse unico amico reale.

Così come anche il molto romanzesco finale in cui un pensieroso Zuckemberg chiedere l'amicizia su face, alla ragazza da cui forse tutto era iniziato.

In conclusione "The Social Network", non ha nulla a che vedere con i precedenti di Fincher quali Seven e "Fight club" o Il curioso caso di Benjamin Button , non è certo un capolavoro da inserire negli annali della cinematografia, però è piacevole,ben fatto, racconta in modo abbastanza romanzato ma sempre con ordine le vicende di Zuckerberg.
Secondo me da vedere

La pecora nera. Ascanio Celestini.2010

2010-10-27T07:38:00.032+01:00

Dal salotto rosso della Dandini, al suo primo lungometraggio:Ascanio Celestini è Nicola e vive nel "condominio dei santi" da ormai trentacinque anni. In realtà è un manicomio elettrico, raccontato attraverso un lunghissimo monologo (la voce off se all'inizio conquista, a metà film diventa un incubo) tra ricordi d’infanzia e i passaggi delle gonne delle suore che gestiscono l’istituto. Scariche elettriche per ripristinare tragicamente l'ordine nelle teste "senza ordine" dei loro sfortunati ospiti, delle pecore nere. Qui la pecora nera è proprio Nicola,l'emarginato, l'ultimo della classe, la coda della società. Tra le uniche uscite "le spedizioni" per fare la spesa al supermercato e come ogni attività da manicomio, anche questa con delle regole da seguire alla lettera: evitare le sottomarche, prendere sempre i prodotti retrostanti, arrivare in cassa e lasciare che la suora paghi. Qui, nel supermecato ritrova Marinella (Maya Sansa) l'amica di giochi adolescenziale, emblema di quell’amore che dura un attimo, che comincia e finisce, l'unico che davvero inebria, stordisce, quasi conduce "alla pazzia". Lei non lo scelse solo perchè non aveva creduto ad una sua bugia: Marinella finse di aver mangiato un ragno, Nicola non credette alla falsa verità e finì quell'idillio d'amore. Ora la bella Marinella vende cialde e macchine del caffè in un angolo del supermercato, grazie agli occhi dolci fatti ad uno che conta, anche lei una tragica vittima del corrotto sistema sociale. Quelle visite al supermercato diventano per la testa di Nicola libertà ed evasione, una proiezione di quel caos strozzato con l'ordine, ma che torna a rivendicare i suoi spazi, a rivendicare il suo status di pazzia. Perchè le regole vanno sempre poi ripristinate: "Come ti faccio ti disfo" Pio Pio Pio Pio.
Toccante la resa dell'infanzia di Nicola, vissuta con la nonna anziana (che indossa le calze grosse della farmacia), anziana nella testa più che anagraficamente e che quindi spesso lo metteva in ridicolo: "quest'uovo è così fresco che puzza ancora del culo della gallina", è solo la ricostruzione della malattia di Nicola, infatti, a dare solidità al film per la sua schiettezza. A tratti davvero spiazzante. Strazianti le sue disfatte, le sue sconfitte: il costume da Tarzan rimpiazzato da quello del coniglio puzzolente, il rifiuto di Marinella, gli scherzi imbecilli dei fratelli, una madre pazza stesa su un lettino senza capelli che non lo coccola "dalle un bacio, è tua madre, sbrigati sennò poi muore".
Notevole la prova Giorgio Tirabassi nella parte del doppio di Nicola, la sua parte malata ed un plauso al piccolo Luigi Fedele, Nicola bambino, nella riproduzione mimetica dei tic linguistici e delle movenze di Celestini.
Una filastrocca di gusto espressionistico, ambientata negli "anni 60, i favolosi anni 60",quelli del Cremino e del Sapore di sale, sapore di mare, al gusto di pasticche marziane.
Chi sono i matti? Sono dei santi- dirà Celestini- perchè rinchiusi fra le quattro mura del manicomio, accolgono le sofferenze del mondo e lasciano i "sani" liberi di correre spensierati sull'erba dei prati.

Inception. Christopher Nolan. 2010

2010-10-03T07:54:00.017+01:00

“I sogni sembrano reali mentre ci sei dentro. È solo dopo esserti svegliato che ti rendi conto che effettivamente c’era qualcosa di strano”

Colpita, affondata, irrimediabilmente innamorata. Volevo far tacere ogni mia parola, sarebbe risultata indegna, riduttiva, folle come l'impresa di voler racchiudere l'oceano in un bicchiere, poi mentre cercavo delle foto, da inserire in un collage, con i momenti che più mi hanno fatto palpitare di emozione, stupore, ho deciso che qualche commento potevo disseminarlo.
Leonardo DiCaprio, ancora una volta, come già magistralmente in Shutter island, viaggia nella mente, nel subconscio, c'avrà preso gusto! In realtà il suo viso angelico e ombroso, ben sa mettersi nei panni di un’anima perduta. Il suo demone ancora una volta una donna: Marion Cotillard, struggente bellezza,da capogiro.
Anime che condividono lo stesso spazio onirico. Cosa c'è di più geniale? Mi sono catapultata tra i banchi, una scolaretta che prende appunti, a chiaccherare con i compagni di corso, per poi vedere entrare proprio Lui: si, il dottor S., Freud.
Un'ultima missione, la più importante, quella decisiva, entrare, cioè nella mente del figlio ereditiere di un miliardario per impiantargli l’idea di dividere il suo impero commerciale, con l'Inception, l'innesto perchè tutto ciò potrebbe cambiare le sorti dell’economia globale.
Lasciatevi istruire, entrate nel sogno, del sogno, del sogno, avete solo questa possibilità, segnate da subito le regole del gioco per non dimenticarle nel mentre e fare confusione: non servono gli occhialini 3-D per vedere la terza dimensione, siete già nella terza dimensione!
Questa recensione non vi serve a nulla, è una presa in giro il solo confronto, dimenticatela, passate oltre e ANDATE A VEDERE IL FILM DI CORSA, potete entrare ora nel mio sogno? No. Se non sapete e potete farlo è tutto vano. Autoinnestatevi questo sogno e non svegliatevi, attenti ai calci, all'acqua, chiudete gli occhi e non fatevi disturbare. Sognate in santapace, leggete queste righe in silenzio, sottovoce, con la mente. Sccch! nessun rumore, qualcuno a fianco a voi, sta sognando, non destatelo! Non destatevi. Siete voi i protagonisti di questo film, lo scoprirete solo quando, abbandonata la sala cinematografica, andrete verso l'uscita.
E' la vostra mente il palco in cui va scena quest'atto. Difficile tornare alla realtà, vero?

La passione. Carlo Mazzacurati. 2010

2010-09-26T07:19:00.024+01:00

Gianni Dubois. Regista digiuno da cinque anni, fuori dall’albero maestro del cinema italiano che conta, senza idee ma con la stella del momento (l'improbabilissima Capotondi) che però vuole fare un film con lui. Ma Dubois, per quanto si sforzi, l'idea brillante non riesce a partorirla. Fin quando la sua abitazione a Firenze danneggia un prezioso affresco del Cinquecento.Per riparare il danno sarà costretto ad organizzare la messa in scena itinerante della Passione del Venerdì Santo, in soli cinque giorni.
La passione, in realtà, è quella del regista, martoriato e tradito dalla sua creatività e dopo il calvario la tanto agognata e attesa Ispirazione arriverà?
Gli intenti del film sono lodevoli, ma dispersivi, il risultato è comunque una pellicola molto divertente, grazie soprattutto al grottesco Guzzanti, meteorologo/attore cane con look alla Renato Zero (la parte più riuscita, la prima prova de L'ultima cena, quando legge da un copione scritto a mano da alcuni scolaretti, perché tutte le fotocopiatrici in città erano "rotte")."Prima che il gatto cantiiiii" saranno le conseguenze.
Una parodia sul cinema e sul teatro italiano, di cui allo stesso tempo si analizzano le falle:"La gommapiuma ha ucciso il teatro italiano", Guzzanti si crede Shakespeariano e urla per tutto il tempo.I produttori senza cuore e senza anima, a cui del cinema interessa poco e niente e la presa in giro spetta anche agli stessi registi, che giocano per una vita a fare gli intellettuali e poi si ritrovano dimenticati e disperati. (Forse è questo il punto cardine che scatena l'arresto della cratività di Dubois). E poi la canzonatura a tutte le nuove attrici e i nuovi attori creati dalla televisione che vogliono sono la parte giusta per diventare ancora più celebri e ricchi. Tutto ormai si regge sui "favori di scambio", do ut des, la trama da cui il film prende spunto è un fatto vero, accaduto al regista che per avere il permesso di restaurare una sua casa in campagna accettò di guidare una sacra rappresentazione.
Il tutto con alle spalle una produzione importante: Rai e Fandango, canali privilegiati del cinema italiano “di qualità”. Del resto si sa,...siamo pur sempre in Italia "questo è il paese più ingrato del mondo: Garibaldi è andato in esilio, Dante pure.Roberto Baggio l'hanno fatto giocare due anni nel Brescia". Inutile pretendere di più
Kasia Smutniak, la barista polacca che interpreta Maria Maddalena, chiude questa simpatica farsa, lanciando un ultimo messaggio sottinteso, il valore profetico che una buona pellicola può portare con sè: le lacrime calde che bagnano le sue guance sotto la croce di Cristo morente come presagio del suo vero dramma. Quello personale e privato.

Mangia Prega Ama - Ryan Murphy 2010

2010-09-20T11:43:00.023+01:00

Felicità ed equilibrio personali sono i temi trattati nel film mentre nel titolo, "Mangia Prega Ama", dovrebbe ricercarsi la ricetta per raggiungerli.
Questo in due parole, l'ultimo film di Ryan Murphy (Nip&Tuck ndr) e che vede protagonista la sempre splendida Julia Roberts.

La storia è basata sul libro autobiografico di Elizabeth Gilbert.
Liz Gilbert, appunto, è una donna di successo: vive a New York, ed è sposata con un uomo che la adora.
Ha un lavoro come scrittrice di successo, che le dà molta soddisfazione e le permette di viaggiare molto.
Eppure una notte si sveglia e si rende conto che quella non è la vita che vuole.
Decide allora di chiedere il divorzio e di prendersi un anno sabbatico in cui, tra l’Italia, l’India e l’Indonesia si metterà alla ricerca della felicità perduta.

Che dire..Sono rimasto abbastanza deluso.
Il film è un diario del cambiamento interiore che la protagonista ricerca.
Liz, man mano,narra le sue vicissitudini, le sue emozioni , le sue paure, le sue speranze.
Il tutto all'interno di 3 grossi capitoli, ambientati in Italia, India e Bali

Assolutamente da dimenticare, il capitolo Italia in cui Liz riscopre il piacere di mangiare.
Banalità e Stereotipazione allo stato puro.
Italiani dediti alla filosofia del "Dolce Far niente" e del "Vivere alla giornata", donne di mezza età che si chiedono perchè una donna (Liz) sia sola (ma sarà lesbica?) e vada in giro per il mondo, ragazzi romani che sfrecciano per la città eterna gridando "A boona!!" o "Li mortacci!!".. per non parlare del calcio e della pizza Margherita(ma quella almeno fa parte della storia)..e del pulirsi i denti con la lingua dopo mangiato (un filosofo contemporaneo direbbe: "Doh!").
Mancava solo "Berlusconi" o un "Padrino" (o forse uno solo dei due ) e lo stereotipo di italiano sarebbe stato completo.
Chissà se anche gli abitanti di Bali o dell'India avranno avuto la stessa sensazione nel vedere il proprio paese banalizzato fino all'inverosimile.
Il capitolo italiano dunque è praticamente solo questo, con l'aggiunta di tante inquadrature strette sulla Roberts che mangia (e giura di averlo fatto senza controfigure!!) e i sottotitoli divertenti delle esclamazioni dialettali con tanto di gesti fatti degli italiani.

Il capitolo 2 si svolge in India dove Liz va per arricchire la sua spiritualità nell'ashram di una guru che però si vede solo in foto dato che lei vive a New York.
In india Liz conosce Richard con cui stringe un rapporto di antipatia prima e poi di amicizia a tal punto che lui le confida il perchè del suo "ritiro" in india.
Le racconta dell'ex moglie e del figlio, e nel discorso si lascia credere (a tutti gli spettatori) che ci sia stata una tragedia familiare; che non c'è stata.
Anche in questo capitolo non c'è altro, se non lo scontato matrimonio combinato di una giovane donna che vorrebbe invece continuare gli studi.
Terzo capitolo a Bali.
Solito incontro fortuito in incidente bicicletta-automobile, solita donna divorziata ed emarginata dalla sua società con tanto di figlia da crescere e via dicendo.
Uniche note rilevanti, il Felipe super sensibile che piange per un nonnulla ed il simpatico sciamano.

Film terminato in soli.... c e n t o t r e n t a t r e minuti.

Una commedia sentimentale, pienamente in stile americano, con tanta carne sul fuoco, ma con poca sostanza.
Vogliamo parlare del doppiaggio ?
tutti i personaggi hanno delle voci e delle espressioni che sono una via di mezzo tra il cartone animato e i personaggi de "il mondo di patty"
E le musiche?
A parte qualche "compilation" fatta da Felipe si sente solo qualche pezzo brasiliano qua e la.
Demoralizzante.
Anche la Fotografia si allinea con tutto il film dando solo scorci visti e stravisti di ognuno dei luoghi che Liz visita.
Disastro.

In conclusione, sono andato a vedere il film per Julia Roberts, ed in effetti non c'era molto altro

Caos Calmo. Antonello Grimaldi. 2008

2010-09-18T07:40:00.014+01:00

Pietro è in spiaggia con il fratello quando in mare qualcuno cerca aiuto. I due si buttano immediatamente,due donne annaspano, nessuno li ringrazia per questo salvataggio e così fanno ritorno a casa. Ma appena giunto all'imbocco della strada della sua villetta al mare, Pietro intravede subito un'ambulanza, la figlia gli va incontro chiedendogli dov'era: mentre Pietro salvava una sconosciuta in mare, sua moglie moriva.
L'estate volge al termine e Claudia deve tornare a scuola, Pietro coi suoi sensi di colpa, vuole esserci d'ora in poi per lei, così decide di aspettarla fuori fino all'uscita, seduto su una panchina. La panchina diventerà la sua vita, sosta lì attendendo quel dolore che gli si mozza in gola e non esce, aspetta un'emozione, per cacciare via quel caos calmo che si è impadronito delle sue emozioni. "La cosa che mi ha più impressionato nella mia vita è quando ho scoperto che mia nonna era anche tua mamma" dirà una sera Claudia. Anche lei rifugge il dolore della madre morta.
Una storia struggente, estrapolata dal romanzo omonimo Premio Strega 2006 di Sandro Veronesi . Del film ricordavo solo il promo con le scene di sesso tra Nanni Moretti e Isabella Ferrari, così un venerdì sera su rai 3 me lo ritrovo e ne resto esterefatta, perchè implicitamente cercavo quelle risposte dentro di me. La voce fuoricampo di Nanni Moretti ha dialogato con la mia testa, su Pyramid Song dei Radiohead,Cigaretes and Chocolate Milk di Rufus Wainwright e Your ex-lover is dead degli Stars. Un geniale Silvio Orlando, cattolico con fratello missionario che bestemmia, e di Polanski ne vogliamo parlare? Muto. Ma che signor mutismo, che passo elegante, che presenza quell'uomo lì.
Pietro imparerà a fare la coda alla figlia, a prepararle lo zaino, la osserva fare il puzzle per capire come ricostruire i pezzi della sua vita. “Io resto qui, non me ne vado”. E'da qui che ricomincia. Non sta seduto lì tutto il giorno, si muove: oltre la panchina, nel giardino, il chiosco, la macchina, casa dei vicini. Ritroverà quel dolore, piangerà e quando Claudia capirà che il padre è guarito, gli chiederà come dono di Natale che ritorni alla sua vita normale. I compagni la prendono in giro.
I topi non avevano nipoti: non sempre la vita è un palindromo, non sempre si può tornare indietro. Ora lo so anche io.

Amore liquido. Marco Luca Cattaneo. 2010

2010-09-12T08:13:00.022+01:00

"(...) Ciò che rende gli uomini socievoli è la loro stessa incapacità a sopportare la solitudine, e con questo se stessi. Il vuoto e il fastidio interiori rappresentano la molla che li spinge tanto verso la compagnia, quanto verso i viaggi e i paesi lontani". (Schopenhauer, in Parerga e Paralipomena)

Anni fa lessi il saggio di Zygmunt Bauman, teorico della società liquido-moderna, ne avevo apprezzato sia la fluidatà della sua scrittura, sia l'aver definito i rapporti sociali destrutturati e la volatilità dei sentimenti. Questo mi ha spinto a guardare il film in gara al Siff 2010, Salento international Film Festival, prodotto low budget e totalmente indipendente.
L’uomo senza qualità, l'uomo protomoderno, che Musil aveva descritto, ha anche smesso di avere legami e adatta i criteri di mercato anche alla sua sfera personale.(Dopo la visione del film, non facevo altro che parlarne, pensieri automatici, senza nemmeno rifletterci tanto su). Le relazioni diventano prodotto,merce di scambio, e ovviamente acquisto solo se mi "conviene", se posso restituire o sostiture in caso di ripensamento. Le emozioni sono solo delle trappole per topo, meglio evitarle!
Il risultato è una società individualistica, e per vivere un sentimento occorrerebbe stare fuori e dentro allo stesso tempo (impresa impossibile, c'ho provato per anni con scarsi risultati). L'altro è un incognita a cui è meglio non affidarsi, meglio una "relazione tascabile" facilmente controllabile. La rete, Internet in questo ha molto aiutato, basta disconnettersi e il gioco è fatto: in contatto si, ma in disparte, da casa mia."Quando non c’è niente che duri, è la rapidità del cambiamento che può redimerti".
Mario, ne è il malinconico ritratto, un uomo addestrato all'incapacità di amare, dottrina che può sfociare sia nel Don Giovanni, che nell'alienazione sociale, pur vibrando di generosa umanità.
E'un quarantenne, operatore ecologico, Bolognese e pornodipendente. In agosto, quando la città si spopola,lui resta in città, finalmente da solo: la sorella, infatti, porta in vacanza l'anziana madre costretta, dopo un ictus, su una sedia a rotella che di norma accudisce Mario e Olga,infermiera rumena di cinquanta anni. Una giovane ragazza madre cambierà questo circolo vizioso.In casa di Mario regna un clima di serena rassegnazione, una dipendenza dettata dai sensi di colpa nel rapporto con sua madre, che impedisce all’uomo di essere un adulto a tutti gli effetti e vivere così una sessualità matura.
Amore Liquido, con riferimento ai rapporti delle persone, liquidi perchè sfuggenti, incapaci cioè di durare nel tempo, mi ha fatto anche pensare al Liquido come lo sperma, che getta nel lavandino, che gli sozza le mani, come il vomito nel cesso quando scopre che nei film che guarda c'è del pedopornograico, come il sudore delle sue polluzioni notturne, dei suoi sogni ad occhi aperti, della sua "cilecca" quando affronta una donna vera. Stefano Fregni (Mario) in questo è davvero molto bravo, lo ricordavo in Ciccio di Un posto al sole.
Lui troppo infelice per sentirsi bello e lei troppo bella per sentirsi infelice, si incontrano in un bar, e si cercano con goffa timidezza, ma la scrittura del film è incompleta e a tratti non all'altezza: Mario rinuncia a questa storia ma i motivi, i conflitti interiori non sono sviluppati, Agatha con Viola, la figlia, lo attende per una giornata al mare, ma lui dopo acquisti, preparativi (le lenzuola con la principessa e i braccioli per Viola) non passerà a prenderle. Un film liquido con un protagonista che rimarca il mito del fanciullino, magistrale il suo connubio di fisicità ed espressioni facciali nel renderlo, chiede aiuto, si vergogna, toccanti i dialoghi con la trans consumando panino e birra davanti al camioncino notturno:
- "Stasera non mangi?"
- "Non ho fame"
- "Come mai?"
- "Ho incontrato una persona"
Ancora una volta un film indipendente prova che, per fare del buon cinema, non c’è bisogno di spendere cifre vertiginose, solo 15.000 euro, infatti, il badget.
Tenerezza e autoerotismo, una scelta di coraggio, soprattutto perchè si tratta del primo lavoro di Cattaneo, quindi gli perdoniamo le scene poco sviluppate ed indecise. Evviva il cinema italiano indipendente!

Somewhere. Sofia Coppola 2010

2010-09-09T07:43:00.025+01:00

Mitico Chateau Marmont a Los Angeles(l'albergo dove morì John Belushi, che ospitò James Dean, Marilyn Monroe, Morrison, la Garbo). E'proprio qui che si svolge la vita di molte star, in stanze non di lusso, nascondigli perfetti di solitudine e provvisorietà. Tra loro il protagonista: Johnny Marco , "sesso, droga e lap dance a domicilio per conciliare il sonno" il suo motto. Una fiammante Ferrari nera, con cui spesso gira a vuoto, insegue qualche bionda e poi la voce di una donna, la sua segreteria, che lo sveglia dai suoi lunghi torpori per ricordargli cosa fare, cosa dire e dove andare, ma nonostante questo lui non fa e non dice, ma tutti intorno a lui sono contenti così. Cleo, la figlia, romperà questo ciricolo vizioso, con il suo sorriso porterà vita, calore, luce, emozione soprattutto.
Tanti, infatti e forse troppi, i preamboli a fare da cornice all'unico evento che conta ed è raccontato: l’incontro tra padre e figlia, cullati da scene in apnea, subacquee, in piscina, sul bordo a prendere il sole (Stai bene? gli chiede ad un certo punto, rompendo finalmente quell'eloquente mutismo) stupendi gli occhi di Lui che la guardano estasiato, veramente incantevole Lei (le scene più belle, delicate ed eleganti sono proprio queste. Tutto, infatti, è volutamente dimesso, proprio per dare risalto a queste esplosioni di senso, come una corsa a staffette, tutti corrono per passare il testimone a lei: l'incantevole Cleo)
Non è difficile rendersi conto che si tratta della storia personale dell'autrice, sceneggiatrice e regista: troppa magia negli sguardi tra padre e figlia, troppa accortezza nel ricostruirne i particolari. Silenzi, indugi, stessi gesti, monotonia che stremano, ma si fermano sempre un po'prima dello stancare e tutto questo la Coppola lo annuncia già nella scena di apertura, sommario dello stile che nella pellicola ci avvolgerà in pieno. La telecamera immobile, infatti, inquadra un angolo di un polveroso mini circuito, si sente il rombo di una potente Ferrari che passa quattro o cinque volte prima di fermarsi: sintomo di quel malessere inconscio che sarà la voce narrante del film.In questo vortice lento, Sofia, figlia di un matrimonio sbagliato, che danza e non parla col padre, buona parte del film è quasi muto, si evita di proferire parola. Poi la ex-moglie sparisce misteriosamente per un po' e i tempi del film cambiano, si fanno più frenetici ma pieni di senso, un senso che farà sentire inutile Johnny e che lo porteranno a cambiare vita. Somewhere è un titolo azzeccatissimo, sono tutti dei non luoghi quelli dove i protagonisti si muovo: alberghi, corridoi, un da qualche parte che bene sottolinea il senso di non appartenenza, il vuoto che solo Cleo riuscirà a riempire.
Un critico e fuggente sguardo sulla tv italiana, quando Johnny viene in Italia a ritirare il telegatto: Nino Frassica, Valeria Marini, Simona Ventura testimoniano ancora una volta agli occhi stranieri il trash e la volgarità che tanto ci contraddistingue. Sofia scappa dal lussuoso albergo milanese, dai falsi sorrisi, da Frassica che non azzecca nemmeno il nome dei premiati e della sua coconduttrice, dai balleltti con tette e culi al vento degni del miglior Bagaglino e lancia, credo, un chiaro messaggio.
E i misteriosi sms che lo apostrofano come "stronzo"? E la sua ossessione di essere sempre inseguito da qualcuno? Ho atteso fino alla fine di capirne un po'dipiù, ma a vuoto. Non un capolavoro questo quarto film della Coppola, ma estremamente elegante, molto Nouvelle Vague francese. Notevole Cleo, fa innamorare, cattura l'attenzione e anche io ho sofferto- come Johnny- la sua mancanza quando esce di scena, partendo per il campo estivo: il rumore dell'elicottero copre le parole del padre che vuole esserci d'ora in poi nella vita della figlia, lei lo saluta forse ha inteso il messaggio nonostante tutto. Ma poi il film è tutto qui.Gradevole, ma tutto qui.

Don Giovanni di Carmelo Bene. 1970

2010-09-05T12:39:00.005+01:00

Il blando tenativo di sedurre una brutta bambina che prega in una chiesa tramite la complictà della sua triste madre. Le folli visioni di Carmelo Bene, barocche, con colori accessi ad altre in bianco e nero. Mix d'arte e cultura: pittura e citazioni letterarie"gli specchi sono abominevoli perché moltiplicano il numero di esseri umani" (Borges)e poi Mozart, Tchaikovsky, Verdi, Bizet, Mussorgsky, Prokofiev e Donizetti. Barocche anche le accozzaglie di oggetti, di tavoli imbanditi con denti che masticano e voci fuori campo in più lingue: italiano, inglese, francese, spagnolo.
Istinti primordiali.Fecondare la bambina religiosa per dar seguito alla specie. L'ossessione espressionistica stanca gli occhi pochi inclini, le menti poco pazze. Per digerire Bene occorre un rito tribale:ferirsi e sanguinanti unirsi al suo dolore per quel tanto che racchiude il nulla.
Simboli, immagini che ne richiamano altre: la bambina, iconografia della vita, della continuità, della purezza, dell'incontaminato, i burattini rappresentazione dell'arte stessa. La bambina di D’Aurevilly si credeva ingravidata da Don Giovanni per essersi seduta sulla sua sedia dopo di lui e finiva per esserne toccata, e Don Giovanni in qualche modo accolto. Bene lascia da parte questa conclusione e fa parlare Borges, fallita la violenza nel tentativo di toccare e possedere la giovane, va in scena la distruzione dello specchio e il rifiuto del contatto. La solitudine narcisistica di Bene e la sua autodistruzione, la sua arte scade nel patetico per imboccare un vicolo stretto e senza uscita: la morte e l'oblio.

Draquila . L'Italia che trema. Sabina Guzzanti. 2010

2010-09-02T08:31:00.019+01:00

(Fuori, attendendo di entrare)

Anche io ho visto Draquilia finalmente, direttamente all'Otranto Film Fund Festival. (e nella prima tornata, nonostante fossi la duecentunesima e la sala contenesse duecento persone, la mia solita fortuna!)
Draquila affronta il rapporto tra cinema e territori e lo fa senza finzioni narrattive. E questa seconda edizione del festival ha istituito proprio quest'anno il premio speciale Cinema e territorio decidendo di assegnarlo proprio al documentario della Guzzanti, perchè bene ha messo in evidenza la criticità nel rapporto tra politica e governo del terriorio, in riferimento alla gestione dell'emergenza del terremoto in Abruzzo (anche se poi qualcuno in Provincia non ha gradito granchè: molti i volantini, con il naso di Nichi lungo come quello di Pinocchio, roba già vista in vero, ma la destra ricicla, riutilizza e non spreca).
Ho gustato giusto da poche ore quindi questo omaggio alla nostra efficientissima Protezione civile (che secondo la legge 225 agisce per ordine diretto della presidenza del consiglio) che, ho appreso, può muoversi, per legge, per casi di emergenza (?), al di fuori delle regole (?). Tutto questo aggiungendo due paroline alla legge che garantisce tutto ciò: “grandi eventi”, che assicurerebbe quindi l'assenza di controllo. (ma wauuu, che trovata)Nel pentolone quindi, senza distinzione alcuna: mondiali di nuoto, la new town a L’aquila a qualche chilometro dall’originale piuttosto che restaurare l’esistente.
Di tutti i recenti disastri nazionali, quello dell’Aquila è stato sicuramente il più nascosto e camuffato a livello mediatico, ma fortunatamente anche uno dei più documentati, in molti hanno seguito e filmato quello che avvenne da quella notte tra il 5 e il 6 aprile 2009 a seguire. Il documentario si apre proprio con una carrellata di vip che prima della Guzzanti hanno varcato la terra d'Abruzzo. L'intento della regista era diverso, in realtà, rispetto a quello che poi si evince in pellicola: "Volevo fare qualcosa di fantascientifico" ha confessato ieri sera, anche se poi vedendolo si vorrebbe fosse fantascienza. Un "dolente" (così lo ha definito Nichi Vendola prima di premiare la regista) diario pubblico sul dopo-terremoto: le visite ufficiali delle autorità con i commenti dei terremotati, i pro-Governo e quelli critici sui metodi polizieschi messi in campo e le interviste agli esperti che scavano dietro le dichiarazioni ufficiali e gli atti pubblici. Tutto incisivo e credibile, la Guzzanti è solo una voce fuoricampo che lascia parlare gli "attori".
La parte più "guzzantiana" si ha solo nelle prima battute, le prime scene ricalcano Fahrenheit 9/11 (2004) di Michael Moore:"George Bush era stato da poco eletto (truccando la carte), ma non sapeva cosa fare. Aveva escogitato l’unica strategia possibile: starsene in vacanza in Florida. I sondaggi sul suo operato erano talmente bassi da far paura. Poi arrivò un colpo di fortuna insperato: l’attentato alle Torri Gemelle, che lo foce governare (con l’imbroglio e la menzogna) per altri otto anni". Silvio Berlusconi fu vittima delo stesso trattamento privilegiato:"Siamo nella primavera del 2009, e non ne azzecca una. I sondaggi lo danno in caduta libera. D’un tratto la “mano di Dio”, nel buio pesto della notte, viene in suo soccorso, scuotendo violentemente la terra d’Abruzzo. L’Aquila si sbriciola. Alle 3,30 del 6 aprile anche gli ospiti della casa del Grande Fratello, a Roma, sono spaventati dalla scossa. Scendono dal letto sgomenti: fuori tutti. Le porte dell’Inferno si aprono nella splendida città d’arte, ricca di chiese e monumenti, fra le vie aquilane sempre battute dal vento e pullulanti di studenti. È una tragedia immane. Ma non per Berlusconi. Si cala in testa il caschetto giallo di protezione, si avvolge nel mantello di Dracula, e comincia a volteggiare sulle rovine. Trasformare un disastro colossale in un grande spot? È riuscito a Bush, riuscirà pure a lui"
Questo è l'Aquila: una prigione, gestita dal volto sorridente ed energico della Protezione Civile e Guido Bertolaso, allo scopo di sperimentare la momentanea sospensione dei diritti civili dei cittadini, e trasformare la macchina dei soccorsi in consenso elettorale. Copione già collaudato con lo smaltimento dei rifiuti in Campania (spostati dal centro alla periferia, per non essere visti e i giornalisti allontanati, occhio non vede, immondizia non puzza). Tutti Grandi eventi con noi contribuenti che ne paghiamo le Grandi spese.
Massimo Ciancimino, figlio di Vito, un tempo sindaco mafioso e democristiano di Palermo,investì danaro suo e di amici proprio a Milano 2, innanzitutto per guadagnare e poi per far nascere il partito del consenso: Forza Italia. L'esperto di sismologia ricorda che, lo stesso sciame del 2009 si presentò con gli stessi sintomi nel 1461 e poi nel 1703, ma chi doveva controllare e prevenire (la Protezione Civile, appunto) non fece nulla. I trecento morti (dei quali ben 55 studenti, perchè si sa "Berlusconi ama gli studenti e l'istruzione) si potevano dunque evitare.
“Questa è la grande illusione,
che ciò che è vuoto e fasullo non possa durare. E invece dura.”

Shrek e vissero felici e contenti, 2010

2010-09-01T17:44:00.007+01:00

Cosa si può chiedere ancora ad una saga che da quasi un decennio incolla al grande schermo migliaia di persone che ha fatto la fortuna dei suoi creatori?

Davvero poco.
In quello che dovrebbe essere l'ultimo episodio della serie, Shrek ha messo su famiglia ed è è un perfetto uomo di casa. Invece di spaventare gli abitanti del villaggio come con gioia e orgoglio faceva una volta, si trova ad autografare forconi e a cambiare pannolini.
Un pò per nostalgia verso i giorni in cui si sentiva un “vero orco”, un po per superficialità, Shrek stringe un patto con il nano Tremotino, ‘maghetto’ capace di strappare con l’inganno scambi apparentemente equilibrati e privi di controindicazioni.
Tra le clausule del "contratto " stipulato però ve ne sono alcune che facenno finire Shrek in una versione alternativa di "Molto Molto Lontano", dove gli orchi vengono cacciati, Tremotino è Re e lui e Fiona non si sono mai incontrati.
Shrek ha solo 24 ore per sistemare le cose e andar via da un mondo in cui nessuno si ricorda di lui, e non ha mai liberato Fiona dalla torre in cui era segregata.

Come detto, il film è bello, divertente, scene romantiche e scene esilaranti, personaggi nuovi e vecchie consocenze.
Shrek 4 ha gli stessi produttori, gli stessi protagonisti, le stesse ambientazioni dei precedenti ma non è neanche lontanamente paragonabile al "capolavoro" della prima uscita che ancora fa ridere gli spettatori.

Pietro Refolo in un corto

2010-08-18T15:00:00.004+01:00

Pietro Refolo (a sinistra) in esilio a Parigi (1926-1930) nel suo lavoro di tipografo

Domani sera alle 20.30 a Collepasso proiezione del documentario di Francesco Luperto: Pietro Refolo. Il volto della Democrazia e dibattito con testimonianze di storici e protagonisti

La storia del sindacalista di origine magliese Pietro Refolo, tipografo e rilegatore di professione in confino in Francia durante il Ventennio, in un documentario con montaggio di Giovanni Vincenti e regia di Francesco Luperto, dal titolo Pietro Refolo. Il volto della Democrazia. L'appuntamento è previsto per domani sera alle 20.30 e si articolerà in un incontro e dibattito con testimonianze di storici e protagonisti e la proiezione presso Largo municipio a Collepasso.
Il regista, giovane studente alla facoltà di Arti e Scienze dello Spettacolo presso l'università La Sapienza di Roma, ha voluto onorare questo personaggio storico, che immolò la propria vita alla causa del movimento operaio e contadino di Maglie e dintorni, al fine di riportare alla memoria le sue gesta e suscitare sete di conoscenza in quanti ancora le ignorano.
In tal senso grosso contributo venne già dallo studioso Salvatore Coppola, con la sua prima pubblicazione del 1977 intitolata Leghe Contadine del Basso Salento agli inizi del secolo e Memoriale di Pietro Refolo, in cui partì dalla vita del Refolo per analizzare come i mutamenti sociali a carattere nazionale di quegli anni, dapprima arrivarono e poi finirono per influire sulla situazione socio-lavorativa di operai e contadini del Salento.

Il tempo che ci rimane di Elia Suleiman. 2009

2010-06-10T08:51:00.024+01:00

Quattro episodi che raccontano in silenzio la storia della famiglia del regista palestinese Elia Suleiman e di un popolo senza più una terra, dal 1948 (data in cui viene fondata Israele) ad oggi.
Fluire dei pensieri, tempo misto, alla Proust, alla Svevo, non c'è un ordine cronologico, nè un richiamo analogico tra un episodio e l'altro. Inquadrature secche e geometriche, ma ordinate (molto simile a Lourdes di Jessica Hausner se lo avete visto). Ed anche qui, come in Lourdes, c'è largo spazio all'ironia, anche se un po'amara: di fronte ad una casa c’è un enorme carro armato; un ragazzo esce per buttare la spazzatura; il cannone lo segue a pochi centimetri in tutti i suoi minimi spostamenti; ma il ragazzo nemmeno se ne accorge ed intrattiene anche una conversazione al cellulare. Mi è scappato un sorriso: l'emblema di un popolo che convive con l’orrore, tanto da farlo diventare la sua quotidianità. E mi ha commosso ancora di più la scena dei fuochi d’artificio: la madre del protagonista è in veranda, ma non li guarda, anzi volge lo sguardo esattamente dalla parte opposta, seduta nello stesso posto in cui il marito, defunto ormai da anni, si sedeva e toccante ancora di più il momento successivo all’ospedale, in cui la donna tiene costantemente in mano la sua foto: non c'è nulla di cui gioire, colori verso cui volgere lo sguardo. Scena bellissima!
Il resto è tutto sogno e surrealismo (che tanto mi piace): il regista salta con l’asta il muro di Gaza, per un cinema "vero"come non mai, dove sono solo le immagini a comunicare più dei pochissimi e scarni dialoghi presenti nella sceneggiatura, reale proprio perchè del tutto privo di effetti speciali, dove non c'è l'ansia del gesto e della parola, la volontà di una resa mozzafiato e sensazionale, limite della maggiora parte delle pellicole visionabili sul grande schermo.
Il conflitto israelo-palestinese è ricostruito grazie ai diari del padre Fuad, che si unì alla resistenza palestinese, e le corrispondenze della madre, substrato da cui prende vita il film, con un Elia Suleiman presente sulla scena, si autointerpreta da adulto. Un film sulla guerra, che però non la palesa, ma ne suggerisce solo l'idea, ce la sussurra piano all'orecchio, in maniera ovattata, irreale. I soldati sono una sorta di burattini dai movimenti irrigiditi e meccanici, si muovono a marcetta, e sono alquanto ottusi: i sorveglianti notturni ogni sera chiedono a Fuad e all’amico impegnati nella pesca chi sono, cosa fanno e da dove vengono, senza riuscire a intuire che si tratta sempre delle stesse persone. Questa sorta di caricatura è riservata anche agli arabi israeliani, ovvero i palestinesi rimasti in patria e privati della loro nazionalità: il vicino di casa che a giorni alterni minaccia di darsi fuoco col kerosene, la zia Olga che dice di aver visto in tv accanto a importanti personalità politiche i suoi parenti, i genitori preda dei soliti gesti e delle solite frasi: la madre lava meccanicamente i piatti e il padre dopo pranzo guarda la tv, Elia da piccolo è del tutto spento, cammina sempre a testa bassa, non parla, ha sempre la stessa espressione ebete e getta le lenticche della zia nell'immondizia, passando poi il piatto alla madre che prontamente lo lava. Straniamento, alienazione, dei palestinesi privati della loro individualità, personalità, delle loro emozioni, senza più un'anima. Tutto questo è reso magnificamente dalle ineccepibili inquadrature: i protagonisti spesso sono lasciati fuori quadro, quasi non ci fossero, come se l'aspetto umano non fosse il protagonista della storia, ma solo un contorno: quando Fuad innaffia le sue piante in giardino, sono loro le protagoniste, le uniche ad avere mantenuto qualche velleità esistenziale. Nel campo visivo solo gli oggetti, il cibo, la natura, il plaisir de vivre che non appartiene più alla famiglia di Elia.
Con un claustrofobico viaggio in taxi arriverete in Terra Santa, a Nazaret, vi imbatterete in un costruttore d'armi, padre di Elia, volto della dignità, della resistenza all'aggressione sionista, la schiena dritta che non si piegherà neanche con le bastonate, e il viaggio coninuerà attraverso il suo alterego, Elia stesso, attraverserete la sua infanzia, adolescenza e ritornerete poi in patria, con un senso di sconfitta, incredulità, e rassegnazione innanzi a un muro invalicabile. Ma non dimenticate: avete un'asta per saltare, basta solo prendere la rincorsa e spiccare il volo!

Copia conforme. Abbas Kiarostami. 2009

2010-05-23T08:08:00.005+01:00

Girato interamente in Italia e precisamente in Toscana: tra Arezzo e San Gimignano, il film ha per protagonista James, uno scrittore inglese che va in Italia a presentare il suo nuovo ultimo libro: Copia conforme, sulla relazione tra l’originale e l’arte. Qui James incontra una donna di origini francesi, gallerista. Per gioco la donna comincia a far finta di essere sua moglie ma dopo un po'si faticherà a distinguere il vero da falso. Sotto il cocente sole toscano gli ulivi non riparano e si brucia di noia: per un po' stai al gioco dei protagonisti e ti chiedi se il loro sia una trovarsi o un ri-trovarsi, ma il gioco è bello se dura poco e qui si tira troppo la corda.
Ora capisco come mai la faccina delicata di Juliette Binoche (la cooprotagonista) è stata “riammessa” SOLO per mancanza di “meglio” tra i poster di Cannes 63. Un'ora e quarantasei minuti di dialoghi non-sense ininterrotti, lacrimucce, domande sciocche e risposte futili, scazza!
E'vero che le "copie" concettualmente hanno poco di originale, ma qui il ritmo è pedante e lo si legge anche nell'andamento di James, che si trascina annoiato tra i viali di Lucignano, spettinato, con la barba incolta e con i vestiti spiegazzati (un incrocio tra Mourinho e Mr. Bean).
Avrei rivoluto indietro i soldi del biglietto e ora la chiudo qui perchè scatta lo sbadiglio anche a scrivere.

Sotto il Celio Azzurro.E. Winspeare.2010

2010-05-21T09:05:00.007+01:00

Sembra una favola....ma è una storia vera.

Celio Azzurro è una scuola materna, un centro interculturale di Roma, non molto lontano dal colosseo, che accoglie bambini provenienti da tutti i paesi del mondo, Italia compresa.

All'interno di questa scuola, Edoardo Winspeare trascorre 4 stagioni, un intero anno scolastico, ne condivide la quotidianità , le storie e alla fine racconta tutto in questo film/documentario.

Il punto di vista di Celio Azzuro va in controntendenza rispetto al sentimento comune di una società che ancora divide ed emargina.
A Celio Azzurro non ci sono muri ma spazi comuni, non ci sono classi ma un unica comunità multicolore, non ci sono lingue incomprensibili agli uni o agli altri ma persone (bambini) che imparano ad usare ogni forma di comunicazione per dialogare. E' un grande modello di educazione dei più piccoli in cui anche i genitori sono parte attiva e fondamentale.

Questo non è un vero e proprio film. Se andate a guardarlo cercando una storia, una trama, rimarrete delusi.
"Sotto il Celio Azzuro" è una testimonianza, su una realtà che c'è e che , come si evince dalle parole del protagonista, non si sa per quanto ancora potrà operare.

In 80 minuti sono condensate tante emozioni.
C'è la felicità di bambini ancora protetti dalla cattiveria della società che li vuole diversi, che trascorrono un periodo della loro vita che non dimenticheranno.
C'è la rabbia di chi, a dispetto del proprio ruolo essenziale di educatore, non vede riconosciuto il proprio lavoro e opera in stato precario.
C'è la battaglia quotidiana di chi "cerca dentro la propria infanzia l'ispirazione e la ragione della propria missione di educatore".
Proprio riguardo a questo punto va fatto, secondo me,un applauso a Winspeare per come, con flashback di musica e vecchie foto riesce a trasmettere allo spettatore il viaggio degli attutali educatori, attraverso la loro vita, a ritroso, sino all'infanzia.
Emozionante.

www.celioazzurro.org

Cosa voglio di più. Silvio Soldini. 2010

2010-05-16T08:40:00.021+01:00

Due ore e dieci di pellicola dove non accade poi molto. Un tradimento, uno dei tanti, con un motel fuori città dal pagamento anticipato. Hai tutto, in fondo "cosa voglio di più?" Eppure qualcosa manca e ti chiedi come mai nonostante un rapporto di coppia sia felice, pensi ad un altro. In un paese in cui la crisi economica non è solo ‘mediatica’, come qualcuno cerca di farci credere, Silvio Soldini porta in scena un'Italia che difficilmente riesce ad arrivare alla fine del mese, quella dei fidi bancari, dei conti in rosso, quella dei mutui ventennali, quella della monotona vita coniugale, con i figli che creano disastri e stress, con relazioni extraconiugali ("Ci siamo passati tutti") e le bugie per evadere e sentirsi un pò vivi.
Dopo il realismo verghiano de L'uomo che verrà, un'inedita versione della bravissima Alba Rohrwacher, alias Anna, che sembra essere felice, con un modesto impiego fisso, un bonario marito affettuoso, gentile, premuroso, stralunato coniuge aggiusta-tutto, che poi tradisce ("Passino gli straordinari il venerdì, ma il sabato no eh!"). Lui proprio non vuole vederlo questo tradimento e concede del tempo, per riflettere bene, alla propria partner ("Un santo"). Nella vita di Anna, infatti, entrerà Domenico (Pierfrancesco Favino), sposato e con due figli piccoli da mantenere. Sarà violenta passione fisica e sessuale vissuta ogni mercoledì (Anna: Tu quando potresti? Domenico: Il mercoledì avrei la piscina)fino ad arrivare ad un sentimento ("Mi piace la tua faccia quando vieni"). Ma poi come ogni amore che si rispetti le ore in motel a fare sesso, gli sms inviati di nascosto, gli appostamenti fugaci per vedersi non basteranno più. Come potersi concedere un amore clandestino, quando quattro ore, 50 euro, è il prezzo di una stanza di un motel della provincia italiana?
Un film attuale e realistico, non entusiasma e appassiona, ma coinvolgente perchè riguarda tutti.

Agora. Alejandro Amenábar. 2009. Il sapere è donna

2010-04-25T07:45:00.018+01:00

Quarto secolo d.C. in Alessandria d’Egitto all’epoca dell’Impero Romano. E' la storia della filosofa-matematica-astronoma Ipazia, massima espressione di una libertà di pensiero che non si rivedrà più fino all’epoca moderna. Tra i suoi discepoli, due uomini sperano di conquistarla: l’arguto e benestante Oreste, poi docile Prefetto del’Impero; e Davus, schiavo affrancato, in bilico tra il suo amore segreto e la libertà promessa dalla frangia fanatica dei soldati di Cristo: i monaci parabalani. Ipazia invece crede solo nella filososia, nel sapere, nella conoscenza a cui si arriva solo tramite l'esperienza del proprio cervello, tra i due contendenti, ad avere la meglio sarà proprio la sua libertà di pensiero. Che però le costerà cara: sceglie la morte, ma non rinnega la ragione in nome di un credo che non le appartiene.
Il sapere è donna, Ipazia simbolo del raziocinio, che invece sembra non sfiorare neppure l'uomo, dedito alla potenza, a pseudo credo. L'amore non sboccerà mai nel cuore della protagonista, se non quello per la sete di conoscenza, il culto dello studio e della scienza. L'ateismo è un diritto e Ipazia sa rivendicarlo.
Ma non credo che Agora sia stato messo all'indice in quanto portavoce di messaggi laici e filoatei, quanto per la rappresentazione storica dei cattolici: i seguaci di Cristo non sono i perseguitati (come spesso vien fatto credere), ma al contrario sono coloro che soffocano (con ogni mezzo) l'oppositore. Cirillo vescovo, passato alla storia come un martire, è, invece, il "capobanda" di una marmaglia di sanguinari combattenti, desideroso solo di piegare Roma al suo cospetto. Una condanna nei confronti del fondamentalismo e non della religione cattolica, con un forte messaggio di tolleranza alla base e se ne fa portavoce la bella Ipazia: considera uguali, a prescindere dal credo che professano, i suoi discepoli. Una sorta di Socrate o di Gesù in gonnella, poi il suo nome è praticamente scomparso (non quello del suo uccisore, che fu fatto santo), e assieme a lei la sapienza della civiltà Alessandrina. Dei suoi scritti non è rimasto niente; invece sono rimaste le lettere di Sinesio che la consultava a proposito della costruzione di un astrolabio e un idroscopio. Il fondamentalismo non è morto. Ancora oggi si uccide e ci si fa uccidere in nome dell'oscurantismo: in America si proibisce di insegnare nelle scuole la teoria dell’evoluzione di Darwin e si impone l’insegnamento del creazionismo. E miss Gelmini, la paladina della d'Istruzione ci mette del suo. Come nel caso di Ipazia, per legittimare quello che la matrigna Chiesa cattolica dice e fa.

Grazie Ipazia!

Solino. Fatih Akin. 2002

2010-04-18T08:46:00.030+01:00

Un lungo flash back di Gigi che ricorda la storia della sua famiglia in tre tappe: (1964,1974,1984).

Da Solino (scorcio di magnifico Salento) in cerca di fortuna nel grigiore del bacino della Ruhr, il capofamiglia inizialmente pensa che la miniera tedesca sia il posto migliore per ricostruire un futuro, ma in Germania manca il sole e la verdura fresca dell'Italia. La moglie, Rosa, incarnazione della femmina italiana che segue ovunque il marito, decide di aprire un ristorante italiano, uno dei primi in Germania: Solino. Lei, l'instacabile superwoman, che dovrà lavorare sodo per tutti. I figli Gigi e Giancarlo non hanno, infatti, la stoffa dello chef: sensibile e artista il primo. Invidioso del fratello e quindi cattivo il secondo. Le vicende della famiglia sono parallelle a quelle della società e così la vediamo attraversare i decenni e negli anni Settanta ci ritroviamo i due fratelli freakettoni, tutti dediti a sesso e droga, momento più colorato e musicale del film. Tra piatti e spaghetti, Gigi ama il cinema, gli stivali degli attori nazisti. Li segue sul set. "Ardore e Passione" (Feuer und Leidenschaft per conservare il bilinguismo verista impeccabile della pellicola). Incamerato il giusto consiglio, comincerà a dilettarsi in alcuni cortometraggi. O almeno fino al punto di svolta, di rottura: il padre tradirà la madre, Rosa si ammalerà di una forma di leucemia incurabile, che la riporterà a Solino, sotto le cure di Gigi che non se la sente di abbandonarla. Un viaggio che per Gigi sarebbe dovuto durare poche settimane ma che invece sarà per tutta la vita, il treno, infatti, che doveva portare Giancarlo a dargli il cambio giunge. Ma senza di lui. Gigi è bloccato a Solino e non può ritirare il premio per il suo lungometraggio considerato il migliore. Giancarlo prenderà il suo posto. Sulla scena. Ma anche nella vita privata: Jo (la ragazza di cui si era innamorato Gigi), facilmente raggirabile, non lo aspetta. Ada, invece, la ragazza che Gigi aveva lasciato a Solino da bambino, ora donna, non lo ha mai scordato.

Il film si chiude con la proiezione dei cortometraggi di Gigi su una parete del paesino: Ma è fisso? Giancarlo è in lacrime: lui si è realizzato sì professionalmente, sfruttando il nome di Gigi e accettando di fare il documentarista, però non ha ritrovato mai se stesso ed è solo. Con rimorsi e rimpianti. Al Nord. Terra straniera. Da sempre difficile e contrastante il loro rapporto: durante il furto della cinepresa, ideato da Giancarlo, questi, infatti, scappa senza guardarsi indietro mentre Gigi viene catturato dalla polizia. O quando da piccoli, sempre Giancarlo aveva rubato un fermaglio di scena, per far ricadere la colpa sul piccolo Gigi. Anche in Soul Kitchen di fondo, la storia di due fratelli molto diversi tra loro: anche qui i due fratelli fanno un furto insieme, ma quando arriva la polizia nessuno dei due cerca di salvarsi la pelle per conto proprio e, finiscono per essere catturati entrambi! Una sorta di redenzione dell'amore fraterno, troppo bistrattato in Solino? O qualche nota autobiografica? Fatih aveva un fratello maggiore dispettoso?

Neorealismo italiano riuscitissimo per un Fatih Akin che ha il raro pregio e l'unicità di saper intrecciare forti passioni, ironia e cruda verità. Ambientazioni salentine. Accento pugliese misto. Tedesco purosangue e tedesco meridionale. Un Celentano anni Settanta e una tarantella per un tipico matrimomio pugliese (che richiama La Sposa Turca). Immigrazione. Tradizioni. Cibo. Sesso. Matrimoni. Sempre ottime scelte musicali. Questo il fil rouge dei suoi film. Un'accozzaglia straordinaria e unica. Eccezionale Akin.

Basilicata Coast To Coast. Rocco Papaleo. 2010

2010-04-12T08:28:00.014+01:00

Ma quindi la Basilicata esiste. Ora ne ho la prova. Grazie a questo pseudo-film, che definirei più uno spot turistico sulla Basilicata, con tappa d'obbligo anche a Lauria, paese natio di Rocco Papaleo. Un road movie musicale dal Tirreno allo Ionio. Si ma a piedi. Perché se la vita è troppo breve allora bisogna allungarla. E in dieci giorni. Per ritrovare se stessi. Per un progetto artistico che si lega a quello della vita, folle ma divertente con un Festival del teatro-canzone come meta finale. I quattro amici sono musicisti per hobby (possiamo dire anche tre e mezzo, visto che Gassman suona la custodia della chitarra, però ha ritmo) e compiono questo bizzarro tour con un cavallo, un carretto e un paio di pannelli solari, tra gag non sempre riuscite e canzoni pessime. Tutto sommato ne ho apprezzato il senso, tutta questa pubblicità credo che alla Basilicata servisse. Sicilia e Puglia la schiacciano, anche se non credo che poi Papaleo sia riuscito nel suo intento, ma ne riconosciamo almeno il lodevole tentativo. Il nostro eroe Rocco è qui un professore di matematica, la Mezzogiorno una gelida giornalista (che è una brava attrice, ma qui un pesce fuor d'acqua), il bel Gassman si crede un vip, alla fine capiranno “non tanto quello che sono, ma quello che sicuramente non sono”…

Tante le pecche: una sceneggiatura poco fluida, poco ritmata e anche poco musicale, nonostante strumenti e cantante a seguito (Maz Gazzè è, infatti, nel cast, se pur muto), finendo per dare l’impressione, come spesso ripete il personaggio della Mezzogiorno, "di vedere sempre la stessa scena".

Non mi convince e non mi piace questo esordio in regia di Papaleo, ma considerando il nostro mummificato cinema italiano, benvengano questi gesti coraggiosi. Sebbene estremi.

L'uomo nell'ombra. Roman Polanski. 2010

2010-04-11T08:53:00.016+01:00

Eccolo il nuovo film di Roman Polanski. Protagonista uno scrittore chiamato a fare il ghost writer (giuro prima non sapevo nemmeno cosa potesse significare questa parola) dell’ex primo ministro britannico Adam Lang, che vive, insieme alla moglie, la segretaria e le guardie del corpo, su un’isola sulla costa orientale degli Stati Uniti. Lo scrittore va a sostituire il precedente ghost writer che è morto cadendo da un traghetto in circostanze misteriose (questa la scena di apertura del film). Scrivere una biografia non è così semplice, come apparentemente possa sembrare, lo scrittore diventerà il suo segugio, trasferendosi nella sua abitazione in riva al mare in cui si svolge buona parte del film. Lang verrà accusato di avere, nel corso del suo mandato, consentito la tortura di prigionieri sospettati di terrorismo e di avere pericolosi legami con la CIA. Il tempo è sempre plumbeo e ventoso e gli uomini a servizio del primo ministro sullo sfondo continuano imperterriti a mettere a posto le foglie anche se il vento le scompiglia. Più che il film, ti soffermi sui particolari intorno al film, che ritornano ad immortalare la cornice di questa pellicola, più avvincenti del film stesso.

Un film senza sole, giocato sui diversi toni del grigio. Impeccabile, mai nessun gesto lasciato al caso. Nulla di superfluo, banale, da sottovalutare. Secco, diretto, brutale. Ma fantastico, con un finale da premio Oscar. Misteri e suspense alla Hitchcock su una storia di fantapolitica molto realistica. Lang, infatti, mi ha ricordato molto Tony Blair, molto british, molto sorridente, molto filoamericano, anche per le ombre mai svelate del suo mandato. (Somiglianza casuale?) Propongo un ghost writer anche per Blair!

Ottima la fotografia, il ticchettio incessante della pioggia. Ottima la sceneggiatura. I dialoghi. Impeccabile la regia. Fatico a trovarci un difetto o qualcosa che non mi sia piaciuta. Perfetto!

Le petit Nicolas. Laurent Tirard. 2010. Un tuffo nell'infanzia

2010-04-04T08:25:00.026+01:00

Una Francia anni Cinquanta, ma fuori dal tempo: senza criminalità, cattiveria, ovattata, quasi irreale, sospesa, è il periodo dell'infanzia di ciascuno. Una fiaba che si pone al limite tra i protagonisti del libro Cuore e le piccole canaglie. Una band di bambini under dieci, con a capo Nicolas: Alceste, Rufus, Clotaire, Eudes, Agnan, Geoffroy e Joachim, ognuno lo stereotipo di un preciso carattere. C'è il somaro che si addormenta in classe e che passa il resto delle ore in castigo all'angolo, il grassoccio sempre dedito al cibo, il secchione spione con tanto di occhialoni a seguito.

Tutto ha inizio quando Nicolas ripensa al tema scolastico “Che cosa farò da grande" (si, quegli stupidi temi, fatti apposta per mandare in crisi un bambino. Un bambino vuole essere e vivere la sua vita da bambino, non pensa al futuro, perchè costringerlo? "Quello che posso dire è che la mia vita è bellissima e non voglio che cambi")e su questa domanda la mente del protagonista comincia a pensare e a dipanare punto per punto quello che da lì a breve accadrà. Lo stile narrativo utilizza proprio il punto di vista di Nicolas, viso tondo e occhioni celesti: "Mi chiamo Nicolas. Ho due genitori che mi vogliono bene, un gruppo di amici fantastici con cui mi diverto tantissimo", e tutto il mondo è guardato con gli occhi dei ragazzi. Infatti, i momenti meno riusciti del film sono proprio quelli dedicati al mondo degli adulti: in primis i preparativi per la cena con il capo e la cena stessa. Le scene più esilaranti, invece, proprio quelle dei bambini. L'innocenza di Nicolas è interrotta quando, ascoltando i genitori, pensa stia per arrivare un fratellino e quindi di venire abbandonato nel bosco proprio come accadde a Pollicino. Con l'aiuto della gang di amici organizza divertenti escamotage per liberarsi quindi dell'ipotetico pargolo. Paranoica ai limiti dell' insopportabile la madre di Nicolas: casalinga che tenta di risollevare le sorti lavorative del marito che attende una promozione. Ogni donna al pensiero di doversi confrontare con un'altra donna va in crisi, subiamo la sindrome d'inferiorità e sfoggiamo nozioni di letteratura scandinava. (???)Da provare!

Un tuffo nell'infanzia: nelle scenette svolte a scuola, nelle problematiche familiari è facile ritrovare i piccoli e grandi drammi che ciascuno di noi ha vissuto. Monellerie, risate, relax e divertimento. Nessuna morale. E Nicolas, alla fine, capirà cosa fare da grande. E se, anche voi, avrete riso tanto durante il film, concorderete con la sua scelta.

Happy family. Gabriele Salvatores. 2010

2010-03-28T08:27:00.031+01:00

Uno scrittore, Ezio (Fabio De Luigi), fa "lo scrittore" grazie ad una rendita familiare solida alle spalle: suo padre ha inventato le palline che contengono il detersivo nelle lavatrici ("ogni volta che ne acquistate una contribuite al mio benessere"). Unica sua preoccupazione quindi, quella di scrivere una buona sceneggiatura. "Mi chiamo Ezio Colazzi, ho 38 anni e non ho mai fatto niente in vita mia... Voglio scrivere un film, meglio, un film d'autore che però incassi! Mancherebbe l'dea ma... fa niente!" Le sue parole divengono immediatamente immagini, catapultate subito in scena. Il film è, infatti, cio'che lo scrittore sta scrivendo (o almeno credo), interrotto da sue personali pause, come quella divertentissima del massaggio. Le scene più divertenti accadono proprio durante queste pause, perchè i personaggi stanchi di stare in stand.by escono dallo schermo del suo pc e gli parlano, incalzandolo a proseguire. Un plot difficile, salvato dall'ottimo umorismo, dai costumi, dagli ambienti. Bellissimi anche i colori, che mutano a seconda delle fasi in cui è il racconto: o tutto è rosso. O verde. La scena finale è bianca. Gli arredamenti, le tappezzerie, i muri delle case. Tutto è abbinato con stati d'animo e umori. Particolarissimo. Irreale. Come il sole onnipresente di Milano. Ma non si dice che sia spesso grigia? Un elogio alle varie paure dell'umanità, diverse paure costruite su diverse personalità caratteriali che le rappresentano. Siamo nell'era della paura, dell'insicurezza. Non ci sono punti fermi. Questo l'ho trovato particolarmente veritiero. Forse solo questo.

Bello. Bello perchè non lineare, non canonico. Salvatores ha di sicuro il pregio di non essere mai banale e di saper stupire con le sue bizzarrerie. Ricordate Amnesia? Se no, recuperatelo!

La domanda marzulliana di fondo rimane e ve la giro, sia mai che qualcuno sul serio poi alla fine ci capisca qualcosa: è la commedia che racconta la vita come se fosse un film o è un film che racconta la vita come se fosse una commedia? Il cinema si mescola e fonde al teatro, con l' aprirsi e chiudersi simbolico del sipario, nella prima e nell’ultima scena. Meta-teatro, molto simile ai sei personaggi pirandelliani in cerca d'autore. Ed echi anche Alleniani, Ezio è uno dei suoi personaggi, interagisce con loro: Caterina, la ragazza di cui si innamora anche nella sceneggiatura, è , in realtà la sua vicina di casa. ("Caterina: Ma sei Ezio! Quello dell'incidente? Che sfiga che hai avuto!- Ezio: Che figa che sei...) Finzione nella finzione, con un falso finale: "Potrei andare avanti a raccontare questa storia, ma preferisco chiudere qui". Tutto si fa nero ed appare l'happy end, non alzatevi per andar via. Ciack! Si ricomincia! “Mi sa che ci siamo già visti in Marocco io e te”, dice allusivamente Abatantuono, padre della ragazza che vuole sposare il figlio (gay) di Fabrizio Bentivoglio. Gia'si son visti pero' in un altro film: Marrakesh Express. I due capifamiglia son molto diversi, ma uno troverà nell'altro un vero amico, tra i due c'è feeling, improvvisazione, si nota l'amicizia anche fuori dal cast, le scene tra i due sono, infatti, le più riuscite e le più divertenti. Bellissimo anche l'omaggio a “I Soliti ignoti” e le immagine in bianco e nero sulla Milano notturna. Tante le citazioni ed i dettagli. Originale e divertente. Merita, merita. Ve lo consiglio!

Fuori controllo. Martin Campbell. 2010

2010-03-25T06:20:00.025Z

Il film inizia con l'inquadratura di tre cadaveri che emergono dalle acque del Massachusetts. Poi la scena si sposta: un padre va a prendere la figlia in aeroporto, ma lei sta male, vomita continuamente. Anche in casa. Ad un certo punto chiede di essere accompagnata in ospedale, ha delle cose da raccontare al padre. Ma appena varcata la soglia di casa, un killer la uccide brutalmente, davanti agli occhi dell'attonito padre, "fuori controllo". La pellicola è interamente incentrata sul capirne il perchè. Il padre è Mel Gibson, il detective Tommy Craven, vedovo e reduce di guerra. Da tutti creduto il vero bersaglio dell'omicidio. In realtà Emma, la figlia, ha una doppia vita con profonde implicazioni politiche e segreti di stato da tutelare. A costo della vita. I sospetti del padre acquistano fondamento quando trova nello zaino di Emma una pistola. A cosa serve una pistola ad una stagista di ventiquattro anni? Padre e figlia non hanno un gran rapporto. L'occasione perfetta per ricucire i buchi palpabili di questa loro relazione, sembrava essere proprio questo inaspettato ritorno della ragazza a casa, apparentemente per far visita al padre. Ma non sarà così. "Bisogna decidere se vuoi essere quello che pende dalla croce o quello che inchioda"

La sceneggiatura e'banale: un padre vendica l'assassinio della figlia e indaga il suo quotidiano, accorgendosi di sapere poco della sua bambina: e'un ingegnere nucleare, ha il ragazzo. E'una donna. Una serie di coincidenze e di strani decessi lo condurranno alla multinazionale Northmoor dove Emma lavorava come ricercatrice. Ma che ruolo ha, in realtà, questa multinazionale ed Emma di cosa si occupa? Sarà vendetta. Ma non solo action e poliziesco. Sarebbe una rottura di scatole micidiale. Ogni tanto qualche saggia nota di thriller politico, che rende il tutto meno pesante. Le carte si svelano lentamente tra le rughe di Gibson ed i suoi capelli bianchi, uomo che accetta l'incedere del tempo e non si lascia tentare dai bisturi e dalle tinturine per capelli. (Apprezziamo, apprezziamo!) Sulla sua strada trova un ambiguo agente governativo, inviato per ripulire le prove ("il mio compito è non far collegare A con B"), ma che, alla fine, si addentra in un malcelato doppio gioco: non lo fa fuori e non elimina le prove.

Un finale retorico, alla The city of Angels. Muoiono tutti, i cattivi son puniti e i buoni vanno in cielo. Amen. "Viviamo per un po' e moriamo prima di quanto crediamo".

la mia prima volta .....un pò perplesso...

2010-03-21T15:55:00.003Z

..ero un po emozionato...lei era li ..per me era la prima volta..
..tutti mi dicevano che sarebbe stato bellissimo... ma io...non sapevo cosa aspettarmi... immaginavo cose
quasi acrobatiche ..poi è inziato... tutto è cominciato lentamente..non capivo ...cercavo di assaporare ogni movimento, poi .... un po a destra ... un po a sinistra. mi avvolgeva...ero completamente preso...un putiferio di emozioni, poi calma..poi ancora movimenti sfrenati ... po su...poi giù....

cavoli ...bello il 3D...

:-D :-D

ma che avevate pensato ...guardoni che non siete altro..!!

sono andato a vedere "Alice in Wonderland" .. e come detto ...se qualcuno non l'aveva capito prima...non c'ero mai stato a vedere un film in 3D..
L'attesa era grande sia per il 3D e sia perchè il Big Fish di Tim Burton mi è rimasto nella testa..e mi dicevo: "se senza 3D è stato in grado di far volare la fantasia in quel modo, solo raccontando bene la storia e facendo immaginare senza milioni di dollari di effetti speciali, cosa accadrà ora?".

La storia :
Alice , ormai diciannovenne, non ricorda più nulla delle sue avventure nel Paese delle Meraviglie, ma fa ancora i sogni delle esperienze di 13 anni fa. Durante una festa decide di inseguire nel bosco un curioso coniglio che aveva già visto in precedenza: il Bianconiglio.
Dopo una breve corsa la ragazza vede il roditore gettarsi in un grande buco nel terreno ai piedi di un piccolo arbusto. Curiosa, si sporge per capire dove questa buca porti, ma nel farlo perde l'equilibrio e vi cade dentro.

Arrivo subito al dunque :
Alice In Wonderland è un film bello, sotto tutti gli aspetti. E' il classico film della Disney con il bene che vince sul male, da guardare con tutta la famiglia magari nel periodo natalizio.
E' ben fatto, pulito, divertente. C'è un po di azione, ci sono i buoni propositi.E' la vittoria dell'anticonformismo sulle ipocrisie del mondo contemporaneo.
"La storia è ovviamente un classico, con immagini, idee e concetti molto iconici. Viene sempre fuori qualcosa che mostra una serie di strani eventi. Ogni personaggio è strambo, e Alice non fa che vagare da un incontro all’altro, risultando quasi solo come un osservatore. "
E' comunque piacevole e non ci si annoia a guardarlo. Il 3D , ovviamente, aggiunge qualcosa in più a quel mondo fantastico che nel film è descritto.
Appunto ..un bel film disney.

Tuttavia come detto prima, Tim Burton mi aveva già fatto sognare senza bisogno del 3D.
Diciamo che la sfavillante accoppiata Depp/Burton se da un lato elevano il film ad un filmone che ha mietuto incassi in tutto il mondo, dall'altro non lo portano allo stesso livello di altri capolavori dei 2 artisti.
Jhonny - mani di forbice - Depp come sempre si adagia pienamente in ogni personaggio che interpreta ma non puo essere questo il film.
Anche l'apporto delle musiche di Danny Elfman già autore di molte delle colonne sonore di Burton non aiuta. Anzi in certi punti chiudendo gli occhi si possono riassaporare lontani sprazzi del mondo , appunto, di Edward Mani Di Forbice facendo trapelare, un po di nostalgia.

Forse il fatto di partire da una storia già nota, mi ha fatto perdere un po di quel gusto di scoprire il film fotogramma per fotogramma.
Forse il fatto che si tratta sempre di un film Disney quindi necessariamente vincolato ad un stile che si discosta dalle storie solite di burton ha tolto un po di smalto agli occhi di chi cercava proprio il timbro del regista, come era successo ad esempio in "nightmare before christmas" , su una stora già di per se famosa.

..non è stata una delusione..ma come si sa...la prima volta ..lascia sempre un po perplessi. ;-)

..e il fatto che Tim Burton forse dirigerà anche il remake cinematografico della Famiglia addams non mi entusiasma.

La siciliana ribelle. Marco Amenta. 2008 "Tu sei carne morta, lo vuoi capire?"

2010-03-19T08:44:00.033Z

Rita Atria ha diciassette anni, figlia e sorella di mafiosi locali. Cerca giustizia, non vendetta. Ma trovera' solo la morte, come tanti nostri eroi. Una bellissima Sicilia, come solo un siciliano puo'dipingerla: Marco Amenta, il regista. Terra arcaica, ferina, primordiale. Sospesa. Ma non libera. La prima parte del film è tutta guardata con gli occhi della piccola Rita, innamorata del padre, del fratello che lei crede dalla parte del giusto. In realtà assassini. A diciassette anni sceglierà una starda diversa, quella della Legge e combattera'contro la mafia. Clandestinità, rabbia, disperazione. Tanta solitudine. Cambio d'identità. Silvia. Elena. Ma chi e'ora Rita? Una giovane donna senza passato, senza origini, senza una madre, che la rinnega( Ancora non ti sei accorta che sei nascosta, come un topo intra a 'u purtuso!?). Ma soprattutto senza futuro, non può godersi senza batticuore e ansia le passeggiate per la bella Roma, le serate in discoteca con quel ragazzo che risuscita sensazioni ormai sepolte. Senza amore. Il magistrato che segue le indagini diverrà una specie di suo patrigno. Proprio lui, che quando Rita da piccola lo aveva sfidato, secco aveva sentenziato: "Hai la mafia nel sangue". Invece figlia e sorella di mafiosi sì, ma col sangue puro. Ribelle. La seconda parte, tutta incentrata su Rita, è più sgranata, opaca. Le immagini della bella Sicilia lasciano il posto ad una Roma troppo grande e poco magica. Zone anonime di periferia. Case vuote da riempire. Rita davanti allo specchio si emancipa: si trucca, non veste più di nero. Combatte. Ma quando anche il giudice Borsellino muore, Rita capisce che la mafia sta arrivando anche da lei. Non si farà trovare inerme. Sarà lei ad uccidere se stessa, a decidere di porre fine alla sua vita. Il processo è ormai in corso, i suoi diari parlano. Rita ha vinto la sua battaglia, ora è libera. Il film si chiude con la madre che al cimitero in lacrime prende a martellate la lapide della figlia, ma poi bacia la sua foto. Con rabbia si apprende durante i titoli di coda che il sindaco del paese, dopo le stragi, accusato, indagato, liberato, è stato poi rieletto dagli stessi abitanti del paese. (Mi sono chiesta da che parte politica fosse sostenuto, ma poi ho preferito non indagare)

Film sincero e coraggioso. Perchè la verità passa solo attraverso la conoscenza diretta, la testimonianza reale, non tramite le parole scandite al telegiornale dal cronista di turno o dai politici che parlano di lotta alla criminalità organizzata, ma che invece con la mafia son collusi. Magari anche condannati, ma poi comodamente seduti in parlamento. Forse un mondo onesto non esisterà mai, ma chi ci impedisce di sognare?

Mine vaganti. Ferzan Ozpetek. 2010

2010-03-14T09:00:00.038Z

Numerosa e stravagante famiglia leccese: i Cantone. Gli occhi blu di Riccardo Scamarcio. Mine vaganti che entrano nei panni di Tommaso, in fuga da Lecce, perchè in cerca di libertà e indipendenza. Si trasferisce a Roma, nascondendo ai genitori il reale indirizzo di studi universitari (lo credono un commercialista), Tommaso, invece, si è laureato in Lettere, (ottima la scelta). Non vuole dar di conto, ma fare lo scrittore. Il padre, Vincenzo (Ennio Fantastichini) è il tipico uomo del sud, proprietario di un pastificio, orgoglioso dei suoi due figli maschi. Come confessargli quindi, la propria omosessualità?L'occasione si fa ghiotta: l’espletamento di alcune pratiche notarili per l’ingresso di un nuovo socio nell’azienda di famiglia portata avanti dal fratello Antonio (Alessandro Preziosi), si offre come la scusa adatta per tornare a Lecce e confessare tutto, magari seduto a tavola davanti a tutto il parentato. Confessa il suo intento ad Antonio, anch’egli all’oscuro che il fratello fosse gay, ma durante una cena con tanto di ospiti importanti, mentre Tommaso finalmente prende coraggio per fare la sua rivelazione... Colpo di scena: Antonio lo anticipa. Sono due gli omosessuali in famiglia. Antonio, disonore della famiglia è messo alla porta e il padre per la concitazione del momento ha un infarto e finisce in ospedale. Ha così inizio, quindi, la pantomima di Tommaso, che per evitare il colpo di grazia al padre, si mette a capo dell'azienda di famiglia. Intensità tagliente e corale, tanto da rimanerne spiazzati. Con sacrificio ognuno racconta e mette in scena i suoi drammi. E va oltre, molto oltre. Da sfondo un grande triangolo d’amore durato fino alla morte. Memorabile Ilaria Occhini, nonnina chic e sprint, sobria anticonformista, che si muove come una danzatrice classica tra pennellate surreali e oniriche di un barocco che, schivo, la osserva. Volteggia sulle punte tra presente e passato, intrecciandoli e allo stesso tempo dipanando e districandone i nodi. (Echi felliniani di estrema eleganza). Una bellissima Lecce da cartolina. Ulivi contorti. Pasticciotti. Il mare gallipolino. Sanguigni e incatenanti topos: "questo non si dice, questo non si fa". Cliche'. Sembrerebbe un film banale, scontato. Ma non lo e'. Lo definirei giocato su un falso: "Ho già capito tutto". Anticonformista. Anticonvenzionale. Rappresentativa in tal senso una delle scene più eloquenti del film: la bellissima cena di Tommaso e Alba (affascinantissima Nicole Grimaudo, personaggio enigmatico, ma che rimane in ombra), a base di tramezzini. Mandati giù a suon di sguardi. Senza parole, con sottofondo di Pensiero stupendo di Patty Pravo. Un'amore che non nasce, non sboccia. Fortissima la valenza data al cibo. I dolci di ogni forma e colore accompagnano anche la morte della nonna. Se ne abbuffa fino a morirne, riappropriandosi di quei piaceri che le sono stati a lungo, per tutta una vita, negati.

Un’aria turca su cui tutti danzano chiude questo suggestivo film. Gli opposti si riconciliano e danzano abbracciati. I vivi con i morti. Il presente con il passato. La realtà con i sogni.

"Sei felice?" - chiede la sorella a Tommaso. Alla fine solo questo conta.

Nord. Rune Denstad Langlo. 2009

2010-03-12T08:33:00.016Z

Neve. Freddo. Bianco. Poche case sparse qua e là. Bianche solitudini. Da riempire. Ma troppo bianco. Decisamente. Un divertente viaggio verso Nord da parte del protagonista, verso il figlio.
Una senso di solitudine portato agli estremi: di forte impatto emotivo la fine del vecchio eremita. Ironia e maliconia seguono lo stesso passo. Anzi a volte l'ironia ha un passo un tantino più lungo: accellera nel passaggio in cui un ragazzo illustra la tecnica per ubriacarsi in fretta grazie ad un tampax in testa (!). Aneddoti per stemperare l'estremo dramma di fondo e accompagnare il panzone biondo Jomar, depresso, ansioso, in preda a crisi di panico, che vive nel ricordo del suo passato, a tratti cieco, verso la sua meta. Era un campione di sci ed aveva in mano la chiave di un futuro di sicuro successo. Tra uno Xanax e l'altro, finisce con lo staccare pass per i clienti della stazione sciistica in cui lavora. Poi un giorno la psicologa lo dimette dalla clinica dove è in cura e tramite un amico lo sciatore scopre di avere un figlio di quattro anni, che vive con la sua ex fidanzata nei pressi del circolo polare artico.
Un bel documentario sulla vita a Nord, con tanto di ragazzina (e nonna) annoiata che fuma di nascosto, un giovane meccanico omofobo ossessionato dagli omosessuali che si stordisce coi tampax, ed un novantenne che vive romanticamente in una capanna sopra un lago ghiacciato legato con una catena ad una vecchia motoslitta. Apparentemente un viaggio fisico, ma in realtà un viaggio dell’anima, in epoche passate scandite dagli incontri: la giovinezza, l'età adulta e la vecchiaia. Una sorta di pellegrinaggio per redimersi, con un inizio goffo e criptico, ma che poi convince proprio perchè buffo e demenziale.
La Norvegia deve essere proprio un posto mitico. Forse giusto un tantino fredda. La vita è sempre difficile...ma non per sempre.

Shutter Island. Martin Scorsese. 2010 "La mente è un'isola in balia di quello che non vogliamo accettare"

2010-03-08T08:45:00.044Z

1954. Piena guerra fredda. Scompare una paziente Rachel Solando da un manicomio criminale su un’isola, colpevole di aver annegato tutti e tre i propri figli durante una crisi maniaco-depressiva. L'istituto si chiama Ashecliffe e si trova su un isolotto al largo di Boston, denominato Shutter Island. Un complesso diviso in tre ale principali con un misterioso e apparentemente inutilizzato faro. L'unico modo per giungere (ed andarsene) dall'isola è un malandato traghetto, che trasporta inoltre i beni di prima necessità per i detenuti isolani.

Due agenti federali Teddy Daniels (Leonardo DiCaprio) e il compagno Chuck partono per seguirne le indagini. Un uragano travolge l’isola, isolandoli dal resto del mondo e rendendo l'atmosfera inquietante e da incubo. A guidarli nelle loro ricerche un biglietto trovato sotto una mattonella nella stanza della scomparsa: “Chi è il paziente 67?”

Hanno da qui inizio una serie di strani sogni e allucinazioni che hanno per protagonista la defunta consorte di Daniels. Tutto comincia a diventare "strano", molto strano. Un fantastico Thriller psicologico, con colpi di scena e una trama ingarbugliatissima che si dipana psicologicamente mettendo a nudo incubi, paure e l'immaginazione dei protagonisti, annodandoli alla realtà, dalla quale si fatica poi a distinguerli. Confusione totale fino alla fine: falsi indizi, presunti colpevoli e verità. E la mente malata a creare o stiamo assistendo alla reale messa in scena? Scorsese in realtà, non svela mai, ma suggerisce, tende la mano per non far ammattire lo spettatore. Lentamente e senza accorgervene scenderete i meandri di una mente folle e allucinata e con un certo fascino ad un certo punto vi renderete conto che il vostro punto di vista è in quello di un matto. Avrei esagerato di piu', scardinando meno, c'è un surplus informativo nella prima parte del film che evita di arrivare alla pazzia totale da parte di chi guarda, lo capisci che devi "staccare" o finirai per strapparti i capelli anche tu. Non avrei dato questo sentore. Unico appiglio critico per un film, che è, a mio avviso, un vero Capolavoro nel suo genere. I flashback/allucinazioni di DiCaprio, infatti, svelano troppo e la meravigliosa seconda parte del film è pura follia, ma con poco da scoprire, del protagonista abbiamo capito abbastanza. Un viaggio nell'impervio territorio della mente umana: il piromane assassino dalla faccia deturpata che ha ucciso la moglie di Teddy esiste davvero o è solamente una partita a scacchi giocata con la propria mente malata? Mentre cercate una risposta, il quadro d'improvviso diventa nero. E lentamente salgono i titoli di coda.

Non ci sono opere, ci sono solo autori, diceva quel gran genio del Truffaut. I buoni film sono quelli che dopo ti fanno arrovellare, che ti fanno sentire protagonista, che ti pungolano. Shutter Island, in tal senso, è un buon film, che meriterebbe, forse, più frequentazioni, non svela di certo tutti i suoi segreti alla prima visione: difficile comprendere i meccanismi mentali che scatenano la follia dei protagoniosti, il concetto di violenza nazista che è alla base del film come forza motrice e presupposto inevitabile di ogni civiltà. Il "senso di colpa”, sentimento alla base di moltissime psico-patologie, redaggio spesso di educazioni rigide e di stampo cattolico. Cio'che la mente per autocurarsi rimuove, ma non cancella mai del tutto: gli orrori post Seconda Guerra Mondiale e gli echi anti-comunisti. L’isola di Ashcliffe non esiste è solo quindi una metafora della mente del protagonista, disturbata e allucinata. La maggior parte del film è il frutto della proiezione di una mente malata, l'isola che imprigiona i personaggi ( e noi con loro), inaccessibile e senza vie di fuga ("Chi arriva sull'isola non ne va più via") è solo la trappola di una mente schizofrenica e ossessiva. Simbolici anche la pioggia e gli uragani, sempre relativi alla mente malata, che se sedata e sottoposta a cure si rigenera e più il superlativo Leonardio DiCaprio cerca di arrivare alla verità, più gli eventi apocalittici aumentano. La mente che si autocura non vuole mai arrivare a possedere quella realtà mostruosa che cerca di eliminare. L'attenzione si focalizza sulla mente del pazzo, su cosa lo conduce alla pazzia. Accenni alle torture fisiche e psicologiche cui spesso vengono sottoposti e una rivalutazione di quella che a quel tempo ( e forse ancora oggi) era la figura del folle: nonostante il loro stato sembrano sempre saperne più di quanto uno scaltro marshal federale possa mai scoprire e immaginare. Forse anche per via dei suoi di traumi.

Signori buona visione e buona permanenza su Shutter Island. Ma prima della partenza allacciate le cinture.

Francesca. Bobby Paunescu. 2009

2010-03-05T07:49:00.012Z

Francesca è una trentenne rumena col sogno dell'Italia. Un film scomodo per noi "padroni del mondo", difficile ascoltare senza poter replicare gli appellativi che gli stranieri ci affibbiano ( a piena ragione). Il nonno della protagonista parla degli uomini come“stalloni da monta”, con il solo interesse di sottrarre le donne ai rumeni. Il padre di Francesca, invece, ci bolla come un popolo di razzisti. La giovane ne è un po'spaventata, ma continua a pensare alla nostra penisola come ad un’oasi di felicità e rinascita. Intraprende, quindi, il suo viaggio con un progetto ben preciso: aprire un asilo nido per i piccoli rumeni in Italia (oltre un milione). Per il resto un film noiosissimo, statico, che acquista valore solo tramite il messaggio che veicola: la speranza e la voglia di ricrescita di una repubblica dopo anni di dittatura. Buona, in tal senso, la resa delle scene: palazzi vecchi e scrostati e strade polverose. Grigiume. Appiattimento.Mita è il ragazzo di Francesca, deve sbrigare delle "losche faccende" e poi raggiungerla in Italia. Farà pero'una brutta fine.

Gli Italiani sono proprio gente pessima, di cui è meglio non fidarsi. E questo, fatta eccezione per qualche malcontento in sala, mette tutti d'accordo.

Invictus. Clint Eastwood. 2009

2010-03-04T14:22:00.014Z

11 febbraio 1990. Nelson Mandela (Morgan Freeman) lascia la sua cella dopo ventisette lunghi anni. Un buco di soli cinque metri quadri nel penitenziario di Robben Island. Dopo cinque anni: il 24 giugno del 1995 l'happy end con il grande match di rugby. Questi in sostanza i fatti salienti di questa agiografia su Madiba (nomignolo affettuoso dato a Mandela dai suoi collaboratori). Cinque anni di "guerriglie" da parte del premio nobel per la pace per riappacificare i bianchi e i neri dopo la ferita dell'apartheid. Vincente l'idea di giocarsi il tutto attorno alla comune passione per il rugby, radunando, in occasione del campionato del mondo, le due etnie nel tifo per la squadra nazionale, capitanata da Francois Pienaar (Matt Damon). E non sarà solo pace ma anche Coppa del Mondo.

Un film ordinario. Unica emozione: l'aereo che basso plana lasciando tutti col fiato sospeso.

Codice Genesi. Fratelli Hughes. 2010

2010-03-01T08:26:00.033Z

Eli, viaggiatore pacifico e solitario, da diversi anni è in cammino. Verso Ovest. Non si conosce la sua meta. (Non la conosce nemmeno lui, i timorati di Dio seguono la voce del divino senza farsi troppe domande. Basta la fede). Zaino sulle spalle. Armi di difesa. Acqua. Non esistono monete, denaro (evviva) e quindi baratta oggetti. Poi un libro. Ma non un libro qualsiasi. IL libro. Che ormai conosce a memoria. Lo legge ogni giorno. Una misteriosa guerra di cui non si parla e su cui non viene fornita la minima indicazione ha riazzerato l'universo.

Sopravvivenza post-apocalittica contaminata con sapori western, action e suggestioni mistico-religiose. Tutto grigio, arido, desertico. Il look del film risulta poco convicente e noioso. Solo morte, disperazione. Gli uomini hanno subito una regressione, sono diventati affamati predatori-cannibali: mangiano i loro simili. Homo homini lupus. I più giovani sono analfabeti, tutto è andato distrutto e si cerca di ricostruire il ricostruibile. Il cattivo Carnegie (la presenza di Gary Oldman risolleva le sorti di questa pellicola un pò scadente) capisce che l’acqua e "qualcosa in cui credere" rappresentano la nuova possibilità di costruirsi un immenso potere. L'umanità è soggiogata dal nulla e facilmente raggirabile. Decide di dare loro una fallace (ma per lui redditizia) speranza su cui riscostruire il proprio futuro.

Qualcosa non funziona. Non coinvolge. E sotto le note di Ennio Morricone fischiettate ossessivamente da parte del luogotenente Ray Stevenson si percorre quest'America devastata e pensi (ancora prima che la pellicola termini) cos'è che non sta andando, perchè hai quell'espressione di diniego mentre osservi. Forse perchè tutto è lasciato nelle mani della provvidenza divina e non nelle capacità umane. Con queste premesse l'ottimismo di fondo diventa poco credibile. Soprattutto in un'atmosfera di totale degrado. Non mi piace che alle sacre scritture venga attribuito un potere manipolatorio. Non sono le giuste premesse se si sta cercando di ridar vita al mondo. Se la speranza fosse albeggiata nei libri, nella cultura, nella lettura, nell'espressione individuale sarebbe stato meglio. Lo ribattezzerei "Per un pugno di polvere". Rende meglio l'idea! "Poichè siamo stati creati dalla polvere, alla polvere ritorneremo".

Il figlio più piccolo

2010-02-28T23:44:00.013Z

Ultimo film di Pupi Avati fresco fresco di sala.
La trama:
Bologna, L'immobiliarista romano, Baietti, sposa Fiamma, che gli ha già dato due figli - Paolo e Baldo - e gli intesta degli appartamenti. Luciano(Baietti), però, proprio nel giorno delle nozze abbandona compagna e figli e sparisce insieme al suo socio, Sergio Bollino. Anni dopo, Luciano inizia ad avere delle difficoltà economiche e deve trovare un prestanome su cui scaricare la responsabilità delle situazioni più gravi. La scelta cadrà su Baldo, il figlio più piccolo avuto da Fiamma..

La storia sarebbe interessante e molto attuale ma non diventa mai avvicente.
E' uno spaccato di una società corrotta ma che secondo me non è raccontata a dovere.
Il film non mi ha entusiasmato, e ancora meno mi ha entusiasmato il finale ( che evito di raccontare ).

Se i protagonisti, De Sica e Zingaretti interpretano personalità abbastanza forti e decise, gli altri sono troppo deboli per creare un minimo di dialogo tra i ruoli.
La madre, dopo molti anni è ancora innamorata follemente di un uomo che l'ha truffata e abbandonata. E' una donna abbastanza esaurita, ed è sempre accondiscendente verso l'ex marito. La Morante, in questo ruolo è sempre all'altezza ma è il personaggio che interpreta che non mi piace.

Baldo, il figlio più piccolo, è il classico "bamboccione" ingenuo ed imbranato che anche davanti all'evidente truffa (e al piccolo debito contratto di 55 milioni di euro) continua, in modo infantile, a sperare di poter realizzare il suo sogno di fare un film ed a credere a tutto quello che gli dicono.
Addirittura anche la sua ragazza alla fine ringrazia il padre per il Cinema Regalato!!!!!
L'unico personaggio che potrebbe creare un po di dibattito è il primo figlio, che invece odia il padre ma che ha un ruolo marginale nel film e comunque è male interpretato.
Nulla da dire comunque sugli altri attori.
Zingaretti riesce sempre a cucirsi addosso ogni tipo di ruolo, facendo sempre dimenticare il suo personaggio storico "Montalbano"
De sica rende benissimo l'idea del ricco venditore di fumo,corrotto ed intrallazzato in mille situazioni.

Una scena carina è quando il Consiglio di amministrazione comunica al nuovo preseidente(truffato) la realtà della situazione economica in presenza anche del vecchio presidente(truffatore) e si vedono inquadrati padre e figlio che prendono atto, ognuno a proprio modo, di come stanno le cose.

Una cosa che mi è piaciuta:
ogni tanto durante il film si sentono delle musichette...che assomigliano quasi a delle suonerie di qualche cellulare.
Non so perchè ma mi son sembrate piacevoli.
altra nota negativa : possibile che il budget sia stato così basso da non potersi permettere delle scene in automobile?!?!?? ...è fastidiosissimo come in tutte le riprese in macchina si noti perfettamente che l'esterno è montato.
Curiosità :Lo dico perchè sono un fan di capa.
Nel video di Caparezza, "Io diventerò qualcuno"..nicola nocella, il figlio più piccolo, è uno de personaggi della fantomatica giuria.
Altra curiosità: alle persone della mia generazione non sarà di certo sfuggito l'avvocato Sainati interpretato dal Chicco de "I ragazzi della Terza C"...
..ed ora..lasciatemi dire con soddisfazione che finalmente ...si ritorna...sui bei filmoni americani!!!
alla prox.

Il quarto tipo.....(ma quarto sta per quarta categoria??)

2010-02-28T11:47:00.005Z

Il quarto tipo è uscito già da un po ...ma già il cuore mi diceva che non sarebbe valsa la pena andare a vederlo al cinema..

La storia : Alaska, giorni nostri. Dagli anni 60 si sono verificati tantissimi casi di sparizioni misteriose ma nonostante le molteplici investigazioni dell'FBI, nessun caso è mai stato risolto. La dottoressa Tyler, psicologa, comincia a videoregistrare le sedute con pazienti traumatizzati e comincia a scoprire le più inquietanti prove di rapimenti alieni mai documentate...

Il film non mi è piaciuto. Solita storia, solito videocamera digitale che riprende le scene pseudo reali (molto usata ultimamente ma non per questo, sempre di buon gusto).
Cast non certo eccezionale a parte la Jovovich.
musiche ..... non ricordo se le musiche ci sono o meno...(riguarderò e annoterò poi...)

Forse se invece di tentare la via del "ci credo"/"non ci credo" , si fosse pensato maggiormente a scrittura e fotografia evitando quegli innesti con pseudo riprese repertorio e video pesudo amatoriali, e magari a chiudere una storia che poteva essere anche avvincente, forse si sarebbe creato un lavoro migliore.

La storia potrebbe avere spunti interessanti ma per rimanere nell'ambito del documentario/film e per sembrare almeno un pò "vera", non ha risovolti eccezionali.
Tutti i temi , su ognuno dei quali si potrebbe girare una collezione di film, (alieni, sumeri, incontri ravvicinati, psiche umana, paure, ecc ecc) sono sempre sfiorati e mai raccolti appieno nel film.

Le ambientazioni quasi sempre uguali e se qualcuno si aspetta di vedere scene da brivido ... rimarrà deluso.

Alla fine lo spettatore dovrebbe rimanere con il dubbio che quel che ha visto sia vero o meno , ma almeno per me, questo dubbio non mi è mai neanche nato...( e per uno che ha visto tutta la serie xfiles non è positivo :-p )...
attenzione ai gufi....

Promettilo. Emir Kusturica. 2007

2010-02-28T09:19:00.022Z

Tsane, il giovane protagonista di dodici anni, vive in campagna col nonno e viene mandato in città con tre richieste d'acquisto sulla lista della spesa e una promessa: vendere la sua mucca Cvetka, prendere un’icona di San Nicola per buon auspicio, comprare un ricordo della città, ma, soprattutto, trovare moglie.

Ma la città è profondamente diversa dalla campagna. Crimini, mafia, brutti ceffi lo attendono. Ma Jasna pedalando in bicicletta scanzonata, gli ruba il cuore. Tsane, con l’aiuto dei nipoti di un amico del nonno, manterrà le sue promesse e salverà la pelle? Conquisterà la bella Jasna?

Ci sono dei momenti riuscitissimi. Brillanti, travolgenti. E poi delle cadute rovinose di totale mancanza di stile. Credo non sia casuale quest'accostamento. Una parodia sulla gente dell'Est, ingegnosa, ma anche un po'retrò, con una scarsissima (grave!) considerazione del ruolo della donna, considerata merce. (Il nonno chiede a Tsane di "comprare" moglie). E alla fine l'Happy end che campeggia prima dei titoli di coda, ti lascia l'amaro in bocca, perchè di happy in questo film c'è davvero poco. Una critica poi (anche se più velata) agli americani, buoni solo a demolire e agli italiani, con scarso senso dell'humour sulla scia di "candid camera". La parte più sporca del film è, tuttavia, quella dedicata alla criminalità serba, che cerca di acquisire consensi e potere, volendo riprodurre il simbolo della potenza americana (abbattuta): le torri gemelle. Il resto è tutto un non-sense surrealistico e umoristico, una serie infinita di gag, ma solo alcune riuscite, le restanti del tutto demenziali. Ma a Kusturica si può rimproverare poco e gli si può perdonare tanto. La bellissima fotografia risolleva le scene più imbarazzanti, angolazioni e colori superlativi, la scena della cesta di mele rovesciata dove Tsane fa il bagno è degna dei migliori quadri di Caravaggio. E nonostante queste piccole note geniali sparse qua e là, resta confermato che il film manca del tutto di spessore, così come l'evoluzione dei personaggi, maschere che sfilano in una parata carnevalesca onirica e delirante. Pellicola godibile. Ma solo perchè del tutto folle. Promesso!

Lourdes. Jessica Hausner. 2010

2010-02-22T08:43:00.039Z

Un pellegrinaggio a Lourdes. Cui partecipano gruppi di fedeli (ma soprattutto non fedeli a mio avviso) con problemi fisici. E' la storia di un miracolo o presunto tale. (Sono una cattolica. Per moltissimi anni anche praticante. Ma non credo nei miracoli).

La protagonista è affetta da sclerosi multipla. Non muove nè gli arti inferiori, nè quelli superiori, riceve quindi un'assistenza totale. Ed è proprio la giovane volontaria che dovrebbe prendersi cura di lei una delle personalità più interessanti di questa toccante pellicola austriaca. Flirta con i ragazzi in vero e vanifica quello che di solito è l'effetto, che il malato dà, su chi si prende cura di lui, e non viceversa. (Esperienza personale). Inizia il tour del pellegrinaggio, scandito da tappe obbligate, quindi come da copione: passeggiata nella grotta dell'apparizione, dove è rito toccare durante il passaggio quei luoghi sacri, poi la messa e la benedizione comune. Le odiosissime foto di gruppo per ricordo. La mensa dove si consumano i pasti tutti insieme (allegramente!) e la festa conclusiva.

Si tenta di dare armonia e gioia, dove invece regna sovrana la disperazione. I preti ti dicono che ciò che conta è purificare l'anima (non credono nemmeno loro alle cazzate che raccontano) ma in realtà in questa vita è di un corpo ciò di cui necessitiamo. Di un corpo, a Dio piacendo, sano. E quindi si attende il miracolo, sperando di essere buoni al punto giusto da meritarlo. (??)

Una narrazione secca ed essenziale. Quadri immobili, quasi dei dipinti. Staticità. Mancano le emozioni. Forse volutamente. Ognuno pensa per sè. E l'amore filiale, per la serie: "amiamoci tutti come se fossimo fratelli"? Assente. I malati invidiano chi è stato guarito. E credo sia normale e giusto così. Difficile indagare la spiritualità. Ok. Ma la Hausner nemmeno ci prova.

Da cattolica ho trovato tutto un pò troppo riduttivo. Non si va a Lourdes solo per la disperazione di ricevere una guarigione. Esiste la preghiera. Non un ripetere meccanicamente delle parole imparate a memoria. Ma la VERA preghiera, quel difficile mezzo di comunicazione (che esiste) e che ti porta per amore a cercare la salvezza per coloro che amiamo. Che per un ateo può essere anche un gesto inutile, ma che se fatto con sentimento, acquisisce ugualmente la sua dignità.

Non sono mai stata a Lourdes. Non ho mai avuto una fede così forte da cercare Dio in posti sperduti. Ma la Lourdes del film, è lontana da come me l'ero immaginata, mi è sembrata quasi Las Vegas. Insegne luminose ovunque. Tante madoninne in vari formati. Tristi budini da mandare giù. Il “premio al miglior pellegrino” assegnato proprio alla miracolata protagonista. Barzellette sulla Madonna. Quello della protagonista è davvero un miracolo o semplicemente una temporanea fase regressiva della malattia? Il film non dà risposte. Christine inciampa mentre è intenta a ballare durante la festa conclusiva. Si rialza, reggendosi al muro, e si rimette seduta sulla sedia a rotelle con lo sguardo perso nel vuoto. La felicità, come ripete a chiusura del film la famosa canzone di Al Bano e Romina Power, dura solo brevi momenti ed è fatta di piccole cose. Quelle più semplici e apparentemente banali.

Dieci Inverni. Valerio Mieli. 2009

2010-02-19T08:47:00.014Z

Venezia. Dicembre 1999 (primo inverno). Protagonisti due studenti: Camilla e Silvestro. Si vedono per la prima volta su un vaporetto. Camilla è angelica, timida, delicata. Lui più sfrontato e sicuro di sè, fa lo scemo per farsi notare da lei (le ruba libro e occhiali e la imita. Silvestro: Scusa, volevo solo farmi notare da te.Camilla: Ti avevo già notato, c'eri solo tu! ). La segue con il suo alberello di cachi e trascorre una casta notte nel suo letto. Sguardi, respiri e frasi spezzate per dieci anni e dieci inverni fino ad arrivare alla tanto attesa primavera.

Per vivere un vero amore non è detto che occorra cedere all'attrazione del primo incontro. L'amore non è sempre e solo istinto, colpo di fulmine, ci si può legare a qualcuno col tempo, trascorrendo dieci inverni, non nell'immediato. Scoprirsi innamorati quando l'amore non lo cerchiamo. Una favola moderna, anti-moccia, senza grosse magie e sogni. Concreta ma profonda, vissuta solo nei freddi inverni. (N.B. anche il film è arrivato nelle sale a dicembre)

In due occasioni la scena si sposta a Mosca: Angelica per studiare ha bisogno di una città fredda e in cui non conosca anima viva. E qui, al matrimonio dell'amica russa la straordinaria partecipazione di Vinicio Capossela con Parla Piano. Questa nenia di Capossela mi ha dato modo di pensare. Che si matura, si cresce proprio durante l'inverno (come i cachi di Silvestro). Quando i muscoli s'irrigidiscono, la pelle trema, i denti battono. E i ritmi sono lenti. Lenti come le lumache di Camilla (che poi in vero durante il film fanno una brutta fine).

Il concerto. Radu Mihaileanu. 2010

2010-02-18T08:30:00.026Z

Mosca. Diversità etniche in concerto. Ancora una volta, come già in Train de Vie, zingari, rumeni, ebrei, russi, francesi e comunisti. Tanta ironia grottesca di fondo. E poi la musica, quella classica, da Mozart, fino al concerto in re maggiore n° 35 per violino ed orchestra di Cajkovskij. In gioco personalità tra loro diversissime, accomunate dal suono di uno strumento musicale. La musica guarisce, unisce, dà pace, sazia. Una pellicola surreale e folle, giocata sul multilinguismo e sulle tante storpiature linguistiche: francese, russo, romeno, inglese e vari dialetti accozzati insieme. (- Anne Marie: Buongiorno...- Andrei: È una vera erezione conoscerla...- Anne Marie: Famoso temperamento slavo dico bene?)

Andreï Filipov è il più grande direttore d'orchestra dell'Unione Sovietica, dirige l'Orchestra del Bolshoi quando viene licenziato, proprio all'apice della sua carriera. Si rifiuta di lasciare i suoi musicisti ebrei, tra cui il suo migliore amico Sacha (un grassone riccio, capelluto e simpatico). Il film comincia trent'anni dopo questo triste epilogo. Filipov lavora ancora al Bolshoi. Ma solo per tenerlo lindo e splendente. Fa l'uomo delle pulizie. Scopa e paletta hanno preso il posto della bacchetta. Quando una sera, mentre è nell'ufficio del direttore, legge un fax indirizzato alla direzione del Bolshoi: è del Théâtre du Châtelet che invita l'orchestra a suonare a Parigi. Da qui ha inzio la parte più folle della sceneggiatura: riunisce i suoi vecchi amici musicisti (tutti hanno smesso di suonare e si arrangiano come possono), e li porta a Parigi, spacciandoli per l'orchestra del Bolshoi. L'orologio segna l'ora della rivincita. Catartico e liberatorio il concerto finale, simbolo della dignità rubata e ritrovata e della rivalsa su Brezniev e sul suo regime liberticida.

Un film leggero, ma di grande eleganza e maestria. E ve lo garantisco, assistere alla messa in scena...sarà una vera erezione!

L'uomo che verrà. Giorgio Diritti. 2010

2010-02-07T10:59:00.021Z

Dicembre 1943. Un paesino non precisato, poco distante da Bologna, piccolo, abitato da famiglie di contadini. Verde, spazi aperti, montagne. Poi i tedeschi e le loro bombe. Martina ha solo otto anni, il fratellino gli è morto tra le braccia e lei ha smesso di parlare. Poi la madre le regala un nuovo fratellino e lei torna a sorridere. Ma per poco. Le SS scatenano un rastrellamento uccidendo tutti, donne, infermi, bambini. E'la strage di Marzabotto.
Verismo verghiano. I dialoghi sono completamente recitati nell'antico dialetto locale, incomprensibile, i sottotitoli scorrono sotto le immagini in simultanea. Splendida la fotografia degli spazi aperti. Stupendi gli occhi espressivi di Martina, intensi. Occhi che urlano (anche se Martina è muta) gli orrori della guerra. Tutto è filtrato attraverso la sua semplicità di bambina, paura e angosce di un'Italia in guerra, ritmi lenti, cadenzati, come i passi dei pargoli, staticità e una crudezza dura a digerire, sopportare. Ma vera.

E l'uomo alla fine verrà, anzi diverrà. L’Uomo del titolo, infatti, non è altro che fratellino tanto atteso da Martina (simbolo di un'innocenza rubata). La piccola si prende cura di lui con occhi sognanti, impauriti, da donna. Grazie a lei sarà uomo. Grazie a lei lo diverrà. Lo riporta con sé al casale ormai vuoto, lei, unica sopravvissuta insieme al neonato. Poi rompe il silenzio di morte che regna sovrano. Con voce flebile, cullando il fratellino, ri-comincerà a cantare.

La prima cosa bella. Paolo Virzì. 2010

2010-02-01T08:46:00.043Z

Anna (Stefania Sandrelli) è una malata terminale in balia delle cure palliative. Bruno Michelucci (Valerio Mastandrea) suo figlio, professore di lettere depresso, si accosterà al suo capezzale. Da qui una serie interminabile di ricordi made anni ‘70. Il piccolo Bruno insieme alla sorellina Valeria (Claudia Pandolfi) assistono alle sventure della madre prima cacciata di casa nel cuore della notte da un marito geloso, poi costretta ad un lungo peregrinare per trovare una sistemazione degna. Un tuffo nei litigi tra mamma e papà, la zia cattiva che si riprende il papà e i compagni di classe che sostenevano di essere andati a letto con mamma. I drammi dell'infanzia di Bruno e Valeria, affrontati con l'ironia della loro età ormai adulta.

Nella perenne infelicità di Bruno ci ho visto la mia. Anche nelle sue passioni: scrive poesie, non festeggia il suo compleanno, lo trascorre dormendo al parco, fa uso "occasionale" di droghe e prova senza riuscirci a lasciare la sua compagna (perchè sarebbe meglio per lei). Un lungo viaggio per tornare a Livorno e un viaggio a ritroso nella sua infanzia. L'esuberanza della madre Anna, domestica, segretaria, ragioniera, comparsa a fianco di Mastroianni. Una donna forte, coraggiosa, col sorriso sempre sulla labbra, che qualche minuto prima della sua dipartita dal mondo sposa Loredano, colui che sapeva tutto di lei, che sempre l'aveva sostenuta ed aiutata nonostante tutti i suoi limiti. Anna, in fondo, è solo la vittima di una chiusa Livorno anni Settanta e del sessismo maschile. Ed anche Bruno soccombe. Ma alla fine troverà la pace interiore, sia nei confronti di se stesso, che nel rapporto con l'esuberante madre ("A me ha rovinato la vita, a lei anche, se magari vieni a conoscerla la rovina anche a te... non si sa mai!"). Anna e Bruno sono le personalità più interessanti in questo film di Paolo Virzì, uno l'antitesi dell'altro: Anna libera e priva di pregiudizi, sempre disponibile nei confronti della vita, degli uomini e dei figli, Bruno schiavo dei suoi vuoti interiori, burbero, muto, chiuso.

La tipica commedia all’italiana insomma, con qualche tocco malinconico e amaro in più forse. Un film godibile nel complesso, nonostante Claudia Pandolfi e Micaela Ramazzotti (Anna da giovane). Inadeguate al contesto. Ma il messaggio che lancia il film ruota proprio sulle inadeguatezze: è nell'imperfezione della vita il senso dell'equilibrio e della felicità. Anna morente sul letto, ride come una pazza quando scopre che il nome di battesimo dell'uomo che sta sposando è Loredano, "a saperlo non lo sposavo". E Bruno lo capirà?

Avatar. Io ti ho visto

2010-01-29T08:57:00.034Z

2154. La Terra è in crisi, la chiave per la risoluzione dei problemi del nostro pianeta è un minerale: unobtanium, che si trova sulla luna Pandora, un corpo celeste d'indigeni umanoidi dai corpi slanciati e bellissimi, molto alti, bluastri, visi felini, chiamati Na'vi. Il sito principale di estrazione è stato localizzato al di sotto del gigantesco albero, sede spirituale della tribù aborigena. Jake Sully è un ex marine costretto su una sedia a rotelle, adoperato per rimpiazzare il suo fratello gemello, prematuramente scomparso, nel progetto Avatar. Il progetto è molto delicato: bisogna trasferire le coscienze all'interno del corpo di un Na'vi creato in laboratorio, per potersi così muovere su Pandora, la cui atmosfera è tossica per l'uomo. La cultura Na'vi è affascinante, panteista e mistica, adoratrice di una divinità chiamata Eywa. Jake ne rimarrà folgorato, si calerà nella loro spiritualità, nei loro riti mistici, s'innamorerà di quel pianeta ( e non solo di Pandora). Il suo cuore batterà per la bella Neytiri e quando dovrà scegliere da che parte stare, combatterà l’invasore alieno, le cui motivazioni sono ormai dettate solo da logiche capitalistiche e imperialistiche, al fianco dei suoi nuovi fratelli, dimostrando di essere un vero guerriero Na’vi.

Non è tanto l'emozione di indossare gli occhialini e varcare letteralmente la soglia che ci divide da Pandora a farla da padrona, quanto la concretezza di un film che per certi versi invece dovrebbe essere del tutto fantascientifico. Uno script singolare dal quale è completamente assente la Terra, mai vista, mai menzionata nei 162 minuti di film. Quindi nel 2154 la Terra sarà già sul punto di diventare un ricordo? Ecologico e naturalista il messaggio "bond", il legame fisico che ogni essere condivide nei confronti dell'altro attraverso la propria coda, a cui si lega formando un unicum. Tutto mi è sembrato molto vero, molto probabile. Molto più veritiero di un District 9 (anche molto più carini i pupazzoni blu, dei gamberoni verdi). Degna di nota la conclusione del film: nessuna convivenza e riconciliazione è possibile. Gli umani vengono rispediti da dove sono venuti e il ‘sistema' del pianeta-foresta ristabilito nel suo ordine retto solo nella relazione tra le parti. (Questo dovrebbe far riflettere, la Terra potrebbe trovarsi in crisi forse proprio perchè non ha saputo far proprio questo modus vivendi. Non si vive di sola energia.)

Avatar. Il concetto è quello di guidare a distanza questi corpi che si chiamano Avatar, il risultato di dna umano mischiato al dna degli indigeni. Solo alla fine ne comprendi davvero il senso: "prendere un corpo", ma non solo in senso fisico-biologico, ma una vera re-incarnazione, il tutto è più della somma delle sue parti. Jake non è solo una mente umana in un corpo alieno, è uno spirito in relazione con il ‘sistema', con l'eco-sistema. Questo proverete guardando il film: "Adesso mi sembra questa la realtà, e il mondo reale la fantasia. Questa, questa è la nostra terra! "

Tra le nuvole. Pronti a prendere il volo?

2010-01-25T08:40:00.040Z

Nuvole, check-in, bagagli, stanze d’albergo, voli. Questo il mondo di Ryan Bingham, alias Il tagliatore di teste. Il bel George Clooney si occupa, infatti, di tagli al personale delle aziende in bancarotta ("Al posto vostro un tempo si erano seduti imperatori e futuri leader"). Un taglio anche alle sue emozioni e sentimenti, a qualsiasi tipo di pulsione emotiva. Solo cinismo e pronti si parte per il prossimo viaggio. Niente progetti, programmi, la sua massima aspirazione è solo quella di maturare dieci milioni di miglia con la sua compagnia aerea preferita. E diventare un viaggiatore modello. Non ha una casa, solo un trolley. Lo spazzolino e qualche camicia. Sembra un uomo potente, felice, ha tutto. Ma è solo. Scaldato solo dai sorrisi compiacenti delle hostess, rapporti occasionali, carte di credito golden, punti fedeltà. "L'anno scorso ho passato 322 giorni in viaggio, ho volato per 350 mila miglia la luna ne dista 250 mila; le cose che tutti odiano del viaggiare per me sono confortanti reminescenze che sono a casa". Poi, d'improvviso, il suo capo, per tagliare (a sua volta) i costi del personale, segue i consigli di una giovanissima“ottimizzatrice” aziendale: un licenziamento a distanza è di gran lunga più economico. Si risparmia sul viaggio e si licenzia in collegamento web cam.

Ryan si ritrova a fare i conti con l'odioso posto sedentario, in ufficio, senza più frenesia e voli di linea. Ad aggravare la situazione una donna. Bella, cinica quanto lui, con il suo stesso stile di vita. E questa volta lo sciupafemmine, verrà sciupato! Una commedia drammatica che con toni soft tratta del problema della disoccupazione, una denuncia contro chi tratta il personale considerandolo solo un numero, una statistica. (Tutte le aziende). Note di riflessione scaturiscono anche sui rapporti e sui sentimenti, sulla comunicazione da cui sono gestiti: chat, sms, collegamenti web. Mezzi estranianti, veloci, amplificanti. Per certi versi pericolosi.Natalie, la brillante ottimizzatrice aziendale, viene mollata tramite un sms: "Forse dovrei frequentare altre persone". (Bastardissimo). A sua volta si licenzierà tramite un messaggino. (Chi di spada perisce...) Siamo una generazione che non vuole legami, che non sa prendersi le proprie responsabilità, che si nasconde dietro la virtualità per la paura di guardare negli occhi. Ryan non ha legami, è un estraneo anche per le sorelle. (La più piccola si sposa e cercano di raggiungerlo telefonicamente per invitarlo, un comune invitato, rapporti freddi, distaccati. Tristi). Alex è il suo doppio al femminile, affascinante viaggiatrice incallita, cominciano una relazione tra un volo e l'altro. La giovane Natalie, con la sua semplicità ed inesperienza metterà in crisi lo stile di vita di Ryan, che desidererà mettere radici, innamorarsi. (E quando decidiamo di lasciarci andare, è al sessanta per cento proprio l'unica volta in cui non avremmo dovuto farlo. Natalie: "Che tipo di relazione hai?" - Ryan: "Hai presente quando guardi qualcuno negli occhi e ti senti scrutare dentro l'anima e tutto intorno cala il silenzio?" - Natalie: "Si". - Ryan: "Ecco non è quella!")

La crisi finanziaria, ma soprattutto la crisi con noi stessi. La Paura dei legami, la voglia di indipendenza, di solitudine. Ma"Provate a pensare ai vostri bei ricordi, ai momenti più importanti, eravate da soli?" No. La vita è meglio in compagnia.

A Single Man

2010-01-21T09:07:00.039Z

Los Angeles. 1962. Un professore inglese George Falconer, cinquantaduenne, da anni vive ormai oltreoceano. Ha un compagno: Jim. Il film si apre con una telefonata in cui viene comunicato a George che Jim ha appena perso la vita in un incidente d’auto. Da quel momento in poi, George cessa di avere un motivo valido per cui vivere. Ad aiutarlo l’amica ed ex-fidanzatina Charley e Kenny uno dei suoi studenti, che attratto da lui, lo perseguita. Charley e Kenny lo salvano dai suoi tentativi di suicidio ma Lei, la signora morte, busserà all'uscio della sua casa nonostante tutto. In scena, quindi, quella che "dovrebbe" essere l'ultima giornata della sua vita. Frammenti di immagini in cui rivive la sua storia con Jim. Sedici anni di fotogrammi di una vita vissuta in simbiosi con il suo amore, dei quali George cerca di riappropiarsi sfidando la morte. Di forte impatto emotivo la fotografia, trasposizione degli stati d'animo di George. Inquadrature fredde e grigie dell’annoiata vita borghese. Un bianco e nero da copertina per il flashback in cui George e Jim si trovano sulle scogliere a bere birra e a ricordare come tutto tra loro sia inziato.

Le ultime 24 ore di vita di un uomo. Solo. Il suo incontro con il ragazzo nel parcheggio (un modello bellissimo che ricorda molto James Dean), gli sguardi maliziosi del suo allievo (che sta scoprendo la sua omosessualità), i tentativi di Charley di sedurlo con musica, vino e infinito affetto. Sembra quasi di stare sul set di qualche spot della Calvin Klein per intenderci.

Ancora una volta (come anche per Il riccio) ricorre il tema della morte e sembra quasi che un'intera vita sia spesa per quell'ultimo giorno, spesso il più importante, per chi ha la fortuna di viverlo con lucidità. Un film cucito e confezionato nel dettaglio, quasi si trattasse di un abito di alta moda dai colori psichedelici. Da fondo la struggente malinconia (resa ottimamente dalla colonna sonora) di un'epoca senza ideali importanti, con in agguato un conflitto nucleare: la crisi missilistica di Cuba.

Ritmi cadenzati e una palese visione omosessuale della vicenda. Punti di forza ma anche dei limiti che non rendono la pellicola una vera opera d'arte, come invece meriterebbe. Una struggente e a tratti inquietante bellezza, una sensibilità profonda, ma difficile da afferrare. Soprattutto da un pubblico maschile: "A me piacciono le donne, ma mi innamoro degli uomini".

Dedicato ai ricci. Ma solo a quelli eleganti

2010-01-14T09:13:00.041Z

Parigi, rue de Grenelle numero 7. Un condominio e la sua portinaia Renée. Grassa, brutta, sciatta, scorbutica e teledipendente. Una vedova sulla cinquantina, che da oltre due decenni si è rifugiata nella solitudine, perchè terrorizzata dagli sguardi e dal giudizio degli altri (mi ci sono un pò calata, lo ammetto. Trascorri la vita a nasconderti, ti dimentichi di te stessa, rinunci alla tua femminilità e vedi l'Altro come un nemico. Strani meccanismi di autodifesa della mente. Sei felice solo quando riesci nel tuo intento di renderti invisibile all'umanità). Solo libri, letture, the e barrette di cioccolato. "L'Arte è emozione senza desiderio". Ritratto di una donna che ama dipingersi sul volto pennellate di misantropia, ma che dalla sua guardiola, in silenzio, con occhi grandi e attenti assiste allo scorrere della vita dei condomini, sfarzosa, di lusso, ma alquanto vuota. Poi quando l'orario di lavoro è finito, quando finalmente è libera da occhi indiscreti, si spoglia e dalle sue vene sgorga l’arte, la musica e la cultura giapponese. Autodidatta, innamorata della filosofia e della letteratura, l’opposto di chi vuol far credere di essere. Il mondo dei bambini ha occhi altri, vede oltre le maschere, guarda lontano, oltre le apparenze e così la dodicenne Paloma, riccia, bionda e occhialuta, ri-conosce la vera indole della portinaia. Paloma è il suo alterego, non si nasconde dalla vita, bensì vorrebbe fuggirne, perchè se ne sente imprigionata: osserva i familiari attraverso un bicchiere, come se fossero chiusi dentro. Non vuole essere un pesce rosso chiuso dentro una brocca d'acqua, cinicamente cercherà di liberare il suo di pesce rosso da questa condizione di schiavitù (??)

Figlia di un ministro, del tutto assente in casa, e di una madre depressa, perennemente sotto antidepressivi. Paloma è malata, il suo male si chiama carenza d’affetto. Quando nessuno t'insegna l'amore, percorri vie traverse prima di arrivarci, una di queste, forse la più battuta, è quella del cinismo, ti estranei per far capire che se in realtà nessuno ti ama, è perchè sei tu a non volerlo l'amore. "Tutte le famiglie felici sono simili fra loro; ogni famiglia infelice è infelice a modo suo". Se il linguaggio d'amore è l'affetto, tu cominci a parlarne un altro e a diventare forestiera ad abbracci e carezze. Paloma pianifica e dà, così, una data precisa alla sua dipartita dal mondo. In attesa della data che coincide con il suo dodicesimo compleanno, Paloma scopre Renée, grazie all’arrivo di un nuovo vicino di casa, monsieur Ozu, ricco giapponese, anche lui un riccio. (Kakuro: Ho appena fatto la conoscenza della nostra portiera. Paloma: Anche lei pensa che non è quella che crediamo?) Brutto e pungente fuori, fintamente indolente, risolutamente solitario e terribilmente elegante dentro. Vivrà con Renèe gli attimi più importanti della sua vita, quelli in cui ti prepari ad amare. Il viso della portinaia trascurato e serio, sarà illuminato da splendidi sorrisi, i capelli lasciati crescere in disordine, tagliati, faranno da cornice al suo sguardo, gli abiti demodè, che più che vestire, nascondono, malcelano la sua sensibilità fuori dalla norma, che esploderà.

Le immagini hanno la stessa delicatezza delle parole del romanzo da cui è tratto, sono eleganti, di classe, quasi hai paura di rovinare le pagine del libro sfogliandolo, o di perderti attimi di pellicola importanti. Il diario scritto da Paloma nel romanzo non è reso cinematograficamente, la voce fuori campo che narrà è comunque quella della dodicenne, ma viene lasciato ampio spazio (trattandosi di una trasposizione filmica) alle immagini: bellissimi disegni che prendono vita dal pennarello nero a tratto grosso di Paloma, e la sua macchina da presa, con cui riprenderà ciò che la circonda, registrando pensieri ed immagini, propri e degli altri. Ottimo escamotage, l'ho apprezzato.

Una cavalcata verso la morte quella delle due protagoniste. Si può vivere, essendo in realtà morti dentro, e si può morire vivi. Ma innamorati, appassionati, leggeri. Eleganti. Già. Proprio come un riccio. A noi la scelta.

Soul Kitchen. Elogio dell'arte Culi(naria)

2010-01-10T09:46:00.007Z

Lungometraggio meritatissimamente vincitore del Premio Speciale della Giuria presso la 66ª mostra d'arte cinematografica di Venezia, con protagonista Zinos (con il look alla Jim Morrison), sfortunato proprietario di un ristorante, il Soul Kitchen ad Amburgo. Pietanze bizzarre e MUSICA (con non solo la M maiuscola) soul, funky e rebetiko. Sfortunato soprattutto in amore: la sua ragazza, Nadine, si è trasferita a Shangai. Coadiuvato da un grande chef con la missione di dare amore attraverso il cibo: ("Hai 40 piatti nel menù e hanno tutti lo stesso sapore"), che i clienti abituali boicottano, nel tentativo di sollevare una lavastoviglie da solo, si procura uno strappo alla schiena, motivo per il quale assume strane posture e movenze per tutto il film. Suo fratello Ilias, alias Il conte di Montecristo, in libertà vigilata, gli sferra un gran colpo basso: si gioca il Soul Kitchen a carte, perdendolo.

Patatine surgelate, hamburger di pesce e maccheroni gratinati. Da sfondo una nutritissima e magnifica colonna sonora ripescata dalle hit migliori anni 70, da I don't know di Ruth Brown a It's your thing degli Isley brothers, Rated x di Kool & The Gang e Get down di Curtis Mayfield, da dieci e lode.

Da "contorno"un ispettore sanitario, una funzionaria dell'Ufficio Imposte e un agente immobiliare senza scrupoli. Divertentissima la scena della visita che Zinos va a fare da Kemal, detto lo "spaccaossa" e il furto notturno che Zinos compie con la sua inseparabile ernia del disco.

Ritmi serrati, umorismo forte, ma mai demenziale. Voto: 8

Brothers. Un Vietnam chiamato Afghanistan

2010-01-04T08:58:00.011Z

Sam è un capitano dei marines, orgoglio di suo padre, che ha combattuto nel Vietnam. L'amore della sua vita è la moglie Grace, (la bellissima Natalie Portman). Lei cheerleader, lui giocatore di football. In famiglia c'è anche il fratello di Sam, Tommy, che vive alla sua ombra perchè nella vita ha costruito molto poco, spesso è stato in prigione.

Sam viene fatto prigioniero dei talebani. Tommy, la pecora nera della famiglia, avrà una sua crescita psicologica e si prenderà cura della famiglia del fratello. Insomma metterà la testa a posto, (metterà a nuovo la bruttissima cucina di Grace)nipoti e cognata alla fine lo apprezzeranno piu'di Sam. (Inizialmente Sam è creduto morto, il suo elicottero precipita, di lui si perdono le tracce).
La parte meno noiosa del film comincia proprio col ritorno di Sam. La prigionia lo ha cambiato, gli orrori che ha dovuto compiere e subire lo hanno reso un altro uomo: "Lo so che ho detto che solo i morti hanno visto la fine della guerra. Io ho visto la fine della guerra. Ma la domanda è: potrò tornare alla vita?"

Un film drammatico e su piu'di un fronte: il dramma personale, familiare e di guerra. Di fondo una velata critica alla società americana, che si nutre degli ideali yanke e dello scontro di civiltà. Un dramma paterno che non insegna nulla al figlio ("anche io quando sono tornato dal Vietnam non parlavo piu'con tua madre"). Ottime le interpretazioni degli attori, che rendono al meglio il punto cardine di tutto il film: il rapporto e il confronto fra i vari membri della famiglia. Ma la sceneggiatura e le inquadrature non sono all'altezza del resto, troppo rigide, contenute.

Questo il mio film natalizio. Cruento, triste. Ma intenso, da gustare e capire, ri-costruire per certi versi. Buona visione. Voto: 7.5

Nessuna verità. “Se non stai pensando alla figa, allora non sei concentrato mio caro”

2009-12-16T08:40:00.017Z

128 minuti di partita a scacchi fra l’intelligence americana e i terroristi islamici di Al-Qaeda, gareggiata con l'ausilio di satelliti-spia che possono rintracciare chiunque, in qualsiasi momento, captando il segnale emesso da un telefono cellulare o da un computer.

Bel film, ma prediligo quelli più introspettivi. Prediligo DiCaprio quando ha gli occhi blu e non lenti a contatto scure. Prediligo Russell Crow col capello lungo e quando è meno arrogante ed egocentrico rispetto ad Ed Hoffman (in certi frangenti ti metti addirittura a tifare per i terroristi). Poca l'interazione tra DiCaprio e Crowe. Parlano al telefono, si vedono poco, non gareggiano in bravura. Peccato. Roger Ferris (DiCaprio) rischia il culo sul campo, si infiltra nella rete di un terrorista fautore di ripetuti attentati. L'occidentale che guarda non con occhi da moralista, che s'innamora della sua infermiera e che "sposa" i suoi costumi (non le stringe nemmeno la mano accorgendosi di avere gli occhi della sorella e dei vicini di casa puntati addosso). La conturbante infermiera si fa portavoce della saggezza orientale(che ho molto apprezzato):“Un uomo non è il suo lavoro. E’ una cosa a parte, l’uomo”. Ma nonostante il bel DiCaprio sia divorziato, bello come sempre e innamorato, questa storia non sboccia, nonostante decida per lei di sacrificare sé stesso e la sua missione. “Beh in questo lavoro tutti i matrimoni vanno a puttane, perchè il tuo non dovrebbe.”

Ed Hoffman, invece, dirige dall'alto dei suoi satelliti, dando ordini, mettendo a rischio anche la vita del suo uomo pur di raggiungere gli obiettivi. Mentre gli impartisce distrattamente indicazioni per Ferris vitali, vive la sua vita comodamente in poltrona, accompagna i figli a scuola, gioca col suo cane. Non mi piace questo Russel così spietato e senza cuore. Odioso.

Entrambi combattono per la stessa “fazione”, ma lo fanno in maniera completamente diversa: Ed ha ormai una visione cinica della vita e della morte, DiCaprio è un idealista che combatte per sconfiggere i “cattivi”, ma che crede ancora in un codice etico da seguire e da difendere.

A distanziarli anche il punto di vista sul Medio Oriente: Ed lo guarda dall'alto del suo satellite, Roger ne sente gli odori, ne vede i colori. Se segui Ed ne rimani freddo e staccato, con Ferris ne sei coinvolto. Da contraltare ai due protagonisti: il capo dei servizi segreti giordani (Mark Strong). Nella conclusione la fatidica scena di tortura che immancabilmente arriva (che ho solo ascoltato dato che mi son coperta gli occhi) con un salvataggio in extremis che mette in luce la crudeltà di coloro che torturano si, ma soprattutto di coloro che“orchestrano” dall’alto, intervenendo solo quando la tortura è già bella che cominciata, qualche secondo e il loro uomo ci perde la vita (Non gliene può fregar di meno. E questo dovrebbe far riflettere!)

Ne vien fuori un'idea molto "americana" della guerra, combattuta come se si trattasse di un videogame. La fine dell'era Bush ha poi cambiato sul serio qualcosa? Noi c'illudiamo di si.

Dorian Gray. "..l'attimo è fuggito..."

2009-12-14T00:02:00.017Z

Dorian Gray è l'ultima trasposizione dell'opera di Oscar Wilde.
La storia è nota: Dorian, un giovane bello e dall'animo puro, alla morte del facoltoso zio, ne eredita le ricchezze e si trasferisce a Londra.
Qui conosce il pittore Basil, uomo buono e sensibile molto attratto dallo stesso Dorian di cui ne sta eseguendo un ritratto che risulterà essere un capolavoro. Insieme con lui c’è Henry Wotton, elegante quanto cinico lord londinese che con i suoi discorsi cattura l’attenzione di Dorian.
A poco a poco, Dorian, assimila e mette in pratica molte delle idee di quello che in pratica sarà il suo mentore. Comincia ad abbandonarsi ai piaceri e al lusso, tra bordelli e prostitute, violenze e droghe senza essere minimamente scalfito da alcuna delle esperienza che vive.
A portare i segni di una vita piena di eccessi, è invece il quadro dell'amico Hallward che diabolicamente, giorno per giorno invecchia, e si imbruttisce e manifesta quello che la coscienza di Dorian sta diventando, sempre più ripugnante e piena di sensi di colpa.
Finchè , un giorno, stanco del peso che il ritratto gli fa sentire decide che può cambiare vita.

Cosa mi piace :
la fotografia è riuscitissima!
sia quando si riprendono i grandi spazi esterni di una londra ottocentesca (soprattutto all'inizio), sia quando si riprendono gli interni delle sfarzose ville in cui la maggior parte del film è ambientato e sia quando sono ripresi gli angoli tetri e bui , a volte gotici , della londra "povera".
davvero bello! ..e anche i costumi sono curati fino al minimo dettaglio.

Altra cosa che mi ha colpito : i colori.
Nel film si possono notare almeno 3 o 4 registri diversi di colori (tecnicamente non so come descrivere questa cosa :-) )
il primo è quello "normale" durante tutta la narrazione ;
il secondo, nei brevi flash in cui Dorian ricorda la sua infanzia : lo stile è quello di una vecchia pellicola consumata dal tempo;
il terzo è quando si ha una visione dalla parte del quadro. E' come se si guardasse la scena attraverso gli occhi del Dorian "dipinto" e lo stile è quello di un vecchio film in bianco e nero.
Infine ci sono delle scene, soprattutto legate al primo amore di Dorian, in cui sembra di vedere delle vecchie foto polaroid anni 80, molto saturate nei colori;
questi balzi mi sono piaciuti molto.

Proprio la vista attravero gli occhi del dipinto, è stata un'altra cosa che ho apprezzato. Infatti, questa, unita a un sonoro fatto di respiri e sospiri, ha dato in certi momenti l'impressione che il quadro fosse "vivo".

Ho detto "primo amore" perchè , a differenza del Dorian Gray di wilde, quello del film sul finale della storia si lega alla giovane figlia dell'amico Henry. Questo personaggio nella storia originale non esiste.

Cosa non mi piace:
la narrazione temporalmente inizia con una scena che si svolge un'anno dopo l'arrivo di Dorain a Londra per poi tornare indietro e cominciare con la storia completa.
Per un bel pò, nel film , si ha come l'impresisone di un susseguirsi di scene , a mò di riepilogo, con tagli netti da una scena all'altra, fino ad arrivare al punto da cui si era partiti.
Questa cosa mi infastidisce molto.
Primo perchè secondo me si protrae troppo (anche più avanti nel film, i periodi sono più lunghi , ma il modo di passare da una scena all'altra rimane identico). n secondo luogo , questi tagli repentini non permettono di assaporare bene la psicologia di Dorian, che molto velocemente passa dal giovane pudico , imbranato e puro, ad insaziabile amante dei piaceri della vita e della carne ed è davvero un peccato perchè toglie anima alla narrazione.

Nessun commento ovviamente sulla storia, che a parte l'aggiunta di un personaggio nuovo sul finale, è ripresa fedelmente dall'opera originale.

"...l'attimo è fuggito...", dice ad un certo punto Henry all'ancora acerbo Dorian..
..che frase frustrante....soprattuto per chi non ha un alter ego su tela che assorbe il passare del tempo .. lasciandoti nella vita reale ...più e più attimi...

Fortapasc. Storia di un giornalista abusivo

2009-12-11T09:09:00.009Z

Giancarlo Siani, era un giornalista praticante (o abusivo) de Il Mattino. Fu ucciso a soli 26 anni (mio coetaneo argh!) per mano della camorra nel 1985.

Difficile quindi, in riferimento alla materia trattata, non azzardare un paragone con Gomorra. La storia di Giancarlo è concentrata sugli ultimi quattro mesi della sua vita. Mesi, nei quali, sguazzò senza scarpe nella melma partenopea, nella criminalità organizzata. Da qui il titolo, storpiatura del “Fort Apache” della tradizione western. I politici speculavano sulla tragedia dei terremotati per realizzare i propri interessi. Sparatorie. E schiaffi che arrivano dal nulla, a sottolineare la minaccia invisibile della camorra, l'omertà, il bar si spopola d'improvviso e capti con angoscia la solitudine del giornalista nella sua battaglia.

Siani non viene presentato come un eroe coraggioso, ma come un ragazzo normale, con i suoi difetti, l'infedeltà e una non marcata caparbietà. Ingenuo per certi aspetti.

Un'interpretazione semplice, non sfarzosa, definirei "semplice" l'intera pellicola che pur trattando di una tragedia annunciata in partenza, lascia fremiti di speranza, proprio perchè non mitizza. Tutti dall'inizio sappiamo che Siani da lì a poco perderà la vita, ma quando Giancarlo si accascia sotto i colpi di pistola ne rimani sorpreso, incredulo, allibito. Perchè questo è un film che convince. Così come convince il sogno di un ventiseienne che tra l'essere “un giornalista-giornalista e un giornalista-impiegato”, sceglie di essere un giornalista-giornalista: "Quella pioggia poteva fare pulizia, ma anche la pioggia a Torre Annunziata diventava subito fango".

Lo spazio bianco. Purezza e attesa

2009-12-04T10:47:00.017Z

Napoli. Spazio bianco. Alcune volte grigio, in nessuna scena esterna si vede mai il sole. Un involucro bianco. L'attesa. Quella infinita della protagonista: Maria, una donna dalla carnagione bianca. Una madre in attesa, sospesa in spazi bianchi. Lei, insieme alle altre madri interrotte. Anche loro in attesa.
Maria balla Call Me di Blondie. E ama. "Lo spazio bianco" è un viaggio all'interno dell'universo femminile. La disperazione del trovarsi e sentirsi sole. Senza protezione. Lacrime bianche e silenziose, speranze disattese. Abbandono. Dopo un’inattesa gravidanza, figlia di una relazione senza troppa importanza. Il parto prematuro. Irene (la piccola) per tutta la durata del film si trova in bilico fra vita e morte nel limbo di un incubatrice. In uno spazio bianco, quello dell'attesa, della non-vita. ("Non so se mia figlia sta nascendo o sta morendo")
Irene lotta e Maria vive nella sala d’aspetto, in terapia intensiva, insieme alle altre mamma in attesa. Lenta attesa. Che Maria riempie leggendo (e quest'arma di difesa mi risulta molto familiare).

Richiami ad illogiche realtà: perchè i figli se non riconosciuti dal padre figurano come illegittimi? (Maria viene abbandonata dal suo occasionale compagno quando questi scopre che lei è incinta, ma si rifiuta di compilare il modulo per figli illegittimi. Ovvio. La gravidanza è tutta al femminile, basta la sola donna a legittimare una vita. Ammesso che abbia senso la distinzione tra legittimo e non. Si viene al mondo. Punto. Chissenefrega da chi, come e perchè).

Lo consiglio ad un pubblico prevalentemente femminile! (Gli uomini non coglierebbero alcune sfumature). Entrate nello spazio bianco, dove l'esistenza è sospesa. Tra vita e morte. Tra certezze e dubbi. Tra presente e futuro. Avrete voglia di essere mamme (ed è grave, lo so!)

..."Imparerò a fare le pappe, i bagnetti, la porterò al giardino, la farò giocare tutto il giorno, farò tutto Fabrizio, io ce la posso fare, io ce la voglio fare..."

cielo e terra

2009-11-29T23:34:00.001Z

Planet 51 - "Piovono sassi a catinelle"

2009-11-27T13:09:00.001Z

"Tu sei un alieno!!" - "No sei tu l'alieno!!".

Da questa parodia della classica invasione aliena in cui questa volta è un umano ad approdare in un mondo popolato di personaggi verdi con quattro dita ed orecchie a punta nasce Planet 51.

Il mondo di Planet 51 è un mondo che richiama gli USA degli anni ’50, a parte le auto volanti ovviamente , in cui gli abitanti vivono un'esistenza tranquilla e spensierata, tra un rock’roll ed un barbeque in giardino.
L'universo conosciuto non supera le 500 miglia e la Tv è in bianco e nero.
Gli abitanti credono che i militari nascondano le prove dell'esistenza aliena in una base sperduta nel deserto, ed hanno il terrore che il loro mondo possa essere invaso dagli alieni (visti solo al cinema) che possono impadronirsi del loro cervello e renderli zombie.

La vita serena di questa civiltà viene sconvolta, dall’arrivo di un’astronave , da cui fuoriesce un essere tutto bianco e con uno stemmino a stelle e strisce.
Questo Alieno è il Capitano Charles "Chuck" Baker che giunto dalla terra su un pianeta che credeva disabitato dovrà fare in modo di non essere imprigionato e sezionato per avere qualche speranza di far ritorno a casa.
Ad aiutarlo , Lem , un giovane abitante del posto , tanto imbranato in amore quanto coraggioso nel suo tentativo di salvare il suo nuovo amico alieno per il quale rischierà la sua "perfetta" vita .

Il film dunque narra le vicissitudini dei protagonisti tra piogge di sassi e cagnolini stile "Alien".

Planet 51 è un film divertente e piacevole, con delle scene davvero esilaranti.
Tra le più riuscite , quella in cui il rover danza sotto la pioggia di sassi sulla musica di "Singin' in the Rain".
Oppure quando il capitano atterra con la sua astronave nel giardino del giovane Lem mentre sta facendo un barbeque con la famiglia.
Esce trionfante dalla sua navicella e con movenze rallentate stile sbarco sulla luna e pianta la bandiera americana salvo poi accorgersi di esse fissato da tutta la cittadina che osserva sbigottita.
Alla vista degli omini verdi il capitano scappa ed urla in netto contrasto con la visione di astronauta eroe ai quali siamo abituati.

Nonostante la sceneggiatura sia di Joe Stillman, papà di Shrek, comunque, non ci si deve aspettare la stessa carica dell'Orco del "Regno di Molto Molto Lontano" quindi anche se il film non risulta mai noiso o lento, secondo me, non riesce comunque a spiccare il volo.

Curiosità:
Anzitutto una cosa simpatica di cui ci si accorge leggendo i titoli di coda (pratica che ad alcuni può risultare noiosa ndr :-p) è che tra i doppiatori italiani ci sono Linus, Albertino, Nicola Savino, La Pina e Platinette direttamente da Radio Deejay.. (vi lascio scoprire quali sono i personaggi cui danno voce) .
Un pò più semplice da riconoscere per i più attenti è invece la voce del Capitano 'Chuck' Baker che coincide con l' "Ispanico" protagonista de "Il Gladiatore".

Il Sangue dei Vinti

2009-11-27T08:29:00.003Z

Presentato al Festival di Roma, Il sangue dei vinti militava nella sezione “fuori concorso”. Dopo la visione ne comprendi il perchè. Uno stile di ripresa troppo rigido e televisivo, poco cinematografico, un film che al massimo si sarebbe prestato bene per una fiction.Da buttare completamente la performance di Michele Placido. Tutto troppo semplicistico. Prodotto oggettivamente brutto. Passo e chiudo.

Gli abbracci spezzati

2009-11-23T09:02:00.020Z

Ernesto Martel muore. Comincia così Gli abbracci spezzati. Da qui una cascata in piena di ricordi nella mente dello sceneggiatore non vedente Mateo Blanco alias Henry Caine, un ex-regista ora autore di sceneggiature, assistito dalla sua segretaria di produzione Judit e dal figlio di lei Diego.
Fotogramma per fotogramma viene ricostruita andando a ritroso nel tempo, la sua divorante passione per l’attrice Lena, la bellissima Penelope Cruz, conosciuta sul set del suo ultimo film, prodotto da Ernesto, l'uomo di Lena, un uomo vecchio e psicologicamente disturbato. Nonostante sia a conoscenza del fatto che Lena non lo ami, Ernesto non la lascia andare e con ricatti e violenze fisiche e psicologiche continua a tenerla ancorata a lui. Mateo e Lena diventano amanti, nascosti sull’isola di Lanzarote, in un bungalow sulla spiaggia, finalmente liberi. Distesi ed abbracciati su un sofà, a scattare istantanee di felicità, incosapevoli del proprio destino.

Guardano in televisione Viaggio in Italia di Rossellini: Ingrid Bergman e George Sanders visitano gli scavi di Pompei. Vengono scoperti i corpi senza vita di un uomo ed una donna, sorpresi dalla colata di lava durante il sonno, e seppelliti per sempre insieme in un abbraccio. Lena ne è sconvolta e piange, rivede se stessa in quella scena, capisce che non si può fuggire dal passato, senza che questo prima o poi ritorni. Mateo forse nemmeno avverte il suo disagio, Lena si accoccola contro il petto di lui, è così che lei vorrebbe morire, come i due "fossili" nel film, stretta in un abbraccio, un abbraccio che verrà però spezzato.

Di questo momento rimane solo una fotografia, che Mateo scatta, ma che poi farà a pezzi ed anche l'abbraccio della foto, diverrà un abbraccio spezzato, ma conservato in una busta del cassetto della sua scrivania.

Gli abbracci spezzati. Una storia bellissima di un grande amore, ma la vita non è una favola e quindi non aspettatevi il "vissero felici e contenti". L'amore però vibra, sempre, è presente in ogni immagine, in ogni sguardo, a volte si palesa carnalmente e viene consumato, anche sul divano di un soggiorno. Un incidente spezza la vita di lei e toglie la vista a lui, che privato, quindi, della possibilità di fare cinema, cancella dal suo passato tutto quello che riguarda Mateo e si ricrea a partire da Harry. Una notte Diego, che fa il dj, ha un incidente, vivrà in uno stato di coma per poche ore, Judit è via per lavoro, e il ragazzo trascorrerà la sua convalescenza in casa dello sceneggiatore. Mateo inizia a dipanare al ragazzo una storia, non priva di colpi di scena. Tutto quel "non-detto" che pur vivendo sotto lo stesso tetto, per troppo amore, per non ferire e non perdere qualcuno, spesso per anni interi non ci raccontiamo.

Una pellicola suggestiva ed evocativa, come quei sapori o quei profumi che conosci e che ti riportano alla mente ricordi lontani, sensazioni e immagini. Un film riflessivo, intimo in alcuni punti, un cinema raccontato attraverso il cinema stesso, nella pellicola che Pina (Lena) gira: Chicas y maletas (Ragazze e valigie), remake ridotto di Donne sull’orlo di una crisi di nervi. Ci vuole poco per accorgersi di come, infatti, che anche Almodovar, come già Tarantino, abbia deciso di scrivere una poesia d'amore, una dichiarazione spassionata nei confronti del cinema. Chi dei due sarà stato il più bravo? La bellissima Penelope in molti passaggi ricorda la raffinatezza e l'eleganza di Audrey Hepburn e una delle scene clou in questo senso è la rassegna che Mateo fa della sua videoteca quando chiede all'assistente Diego di passargli una vecchia pellicola. Non per un caso Gli abbracci spezzati si conclude con Mateo, che tenta di rimontare il film girato da Lena con i pezzi migliori, e non con quelli venuti meno bene, colpo basso inferto da Ernesto Martel. Non sa se mai andrà in scena, ma qui è Almodovar a prendere parola, per bocca di Mateo e a concludere questo tributo alla sua di donna, la pellicola, dedicandole le battute finali: "La cosa più importante è terminare il film".

Un amore pseudo-terroristico da "Prima Linea"

2009-11-22T10:31:00.025Z

Torino. Carcere Le Nuove. Novembre 1989. Sergio Segio, tra i fondatori del gruppo armato Prima linea, racconta la sua storia: entra in clandestinità a metà degli anni settanta, perchè ritiene che la violenza fosse l'unico modo per dar corpo ad una "rivoluzione" e cambiare le cose. A condanna emessa, Segio va indietro nel tempo e catapulta gli spettatori a rivivere con lui una domenica, non una qualsiasi, bensì quella del 3 gennaio 1982.

Venezia. Qui ha riunito un gruppo di militanti per una sorta di "mission impossible": far evadere dal carcere di Rovigo quattro detenute, tra le quali Susanna Ronconi, la donna che Sergio ama immensamente. La giornata dell'evasione è descritta nei minimi particolari, tutto si focalizza su quelle 24 ore, intervallate da altri flash temporali in cui Sergio "rivede" i momenti più importanti della sua vita: il primo incontro con Susanna, la condivisione con lei oltre che di un amore, di idee, ideologie politiche e soprattutto di tanti sbagli, il rapporto coi genitori, il loro silenzio doloroso di chi difende un figlio nella consapevolezza che ciò che fa non è poi così "pulito", lo scontro con Piero, l'amico di sempre, con cui ha condiviso i suoi sogni giovanili, ma che, a differenza di Sergio, ha rifiutato la lotta armata. Cerca di diassuaderlo, di "salvarlo" durante quell'unico incontro al bar, ma con scarsi risultati. Sergio fa la sua scelta. Imbocca un'arma. Spara. Forse non è poi così convinto. Ma rischia di ammazzare gli ideali di Susanna e imbocca così la strasa del "non ritorno".

Un film troppo soft, sobrio, che va sul sicuro, che si limita alla mera cronistoria. Manca il vero grido, quello della denuncia del sistema, i fondi statali per la realizzazione del film lo hanno forse messo a tacere? Paura di schierarsi a favore del terrorismo? Il racconto degli “anni di piombo”, della militanza post-sessantottina, si conclude con l'avventato attacco al carcere di Rovigo del 1983 e il definitivo arresto di Sergio e Susanna pochi mesi dopo. Terroristi poco convinti, pentiti, consci dei loro sbagli, con “un prezzo troppo alto da pagare per la 'giustizia': la perdita dell'umanità”. Sergio e Susanna non sono due eroi, nulla di romantico nella loro storia, ma due persone schiacciate e soffocate dai propri stessi ideali ed estraniate dalla realtà: “Avevamo scambiato il tramonto per l'alba”.

Carino l'utilizzo dei filmati d'epoca: la bomba di piazza Fontana e la manifestazione di piazza della Loggia. Apprezzabile anche la ricostruzione d'ambiente: tutte quelle auto anni '70-80 erano stupende. Ma un percorso umano, non può prescindere da quello sociale e politico, non basta la ricostruzione d'ambiente per far rivivere un'epoca. Soprattutto così intensa. Ci saranno state delle motivazioni forti che hanno portato alla nascita di "Prima Linea". Assenti nel film. Giovani intellettuali che hanno la colpa di essere dei terroristi sì, ma non quella di essere dei pazzi. Oggi, infatti, due individui completamente diversi. Con una nota di delusione - un vero rivoluzionario non dovrebbe pentirsene mai- nei titoli di coda si legge che sia il fondatore di Prima Linea che la sua compagna oggi si dedicano al volontariato. Sarà mai possibile produrre in Italia un vero film sul terrorismo?

2012. "Attenta alle uova, cara!"

2009-11-16T09:00:00.012Z

Pecche: totale mancanza di realismo, originalità e immagini spesso molto vicine ad una sorta di videogame. La sensazione di "ma io questa scena l'ho già vistà" è onnipresente, pensiero che vi balenerà spesso nella mente o che vi ritroverete piantato sulla bocca (confidenze tra vicini). Un mix di vari film catastrofici tutti accozzati, Titanic incluso.

Consiglio: se volete saperne di più sulla profezia dei Maya, circa l'apocalisse cui saremmo destinati nel solstizio d'inverno 2012, guardatevi un documentario.

Cosa ricorderò del film: - La Terra si spacca in due e due arzille vecchiette in macchina si preoccupano di evitare cunette per non rompere le loro uova.

- Tutti i capi di Stato salgono su una sorta di arca per salvarsi e salvaguardare inoltre la specie umana, ma il premier italiano si rifiuta di salire e si ritira in preghiera (??????????????)

- Giraffe e rinoceronti vengono tirati su e trasportati sull'arca con degli elicotterini

- L'ultima frase del film: "Papà non porto più il pannolino"

*** QUESTA E' UN INTRUSIONE NON AUTORIZZATA ***
barby perdonami se entro nella tua recensione..
ma così almeno nella recensione c'è qualcosa di inaspettato,
dato che nel film è tutto scontato..

non importa che si sia in macchina, a piedi , in aereo, o in ....arca, in cielo o in mare....
i protagonisti diventano mitici e scansano tutto.
oggetti volanti poco identificati,voragini kilometriche che Inghiottiscono tutto..."il resto"..
grattacieli, ponti, montagne tutto vola via e loro
...salvi...
quindi tutto diventa poco realistico (se mai la fine del mondo potesse avere un minimo di realismo) .
già dalle prime scene , si può tranquillamente pre-Dire che vivrà, chi morirà, le coppie che si creeranno e quelle che si sfasceranno

certo gli effetti speciali sono forti , ma per il resto c'è poco.
"the day after tomorrow " mi aveva preso di più.

l'unica scena che mi ha lasciato qualcosa,
è quando un padre ormai vicino alla morte, non ha fatto in tempo a chiedere scusa al figlio per averlo rinnegato in passato...

nota ironica:
da questo film si può notare quanta influenza abbia il nostro premier nel mondo..
scherzi a parte:
non capisco come mai, ma nelle scene in cui ci sono i big del mondo... l'italia ha un ruolo predominante... e il martirio in preghiera finale ... è stato il momento più emozionante del film.

(modify)
*** QUESTA ERA UN INTRUSIONE NON AUTORIZZATA ***

John(ny) Dillinger. Il nemico pubblico

2009-11-15T09:21:00.025Z

1933, quarto anno della Grande Depressione americana. L’età dell’oro per John Dillinger, gangster statunitenese, rapinatore di banche, per questo quindi considerato un "nemico pubblico". Tratti distintivi per conoscerlo meglio: ama il baseball, il cinema, gli abiti raffinati, le auto veloci e la guardarobiera Billie Frechette, con la quale nasce un'intensa love story, scandita da pochi ma "vissuti" appuntamenti. Un moderno (e affascinante) Robin Hood, cancella, infatti, i debiti dei più poveri ad ogni colpo effettuato in banca. Mascella squadrata, tesa, di chi sente addosso la responsabilità di chi ha intorno, dettagli, primi piani, una precisione scenica che non scende mai di tono. Antagonista una neonata Fbi, che per catturarlo inaugura nuovi metodi di indagine: rudimentali strumenti per intercettazioni telefoniche.

Un film inchiodante, che ti catapulta direttamente tra i mitra Thompson e i revolvere 45, è infatti per gran parte, girato in digitale. Immagini impressioniste che allontanano l'ambientazione dall’iconografia classica anni 30, con piume, eleganza, classe, lustrini, donne pettinate alla "Louise Brooks", con morbide onde; aria drammatica stampata sul viso; pelle bianchissima e lunghe sopracciglia.

La fotografia rimanda ai quadri di Edward Hopper, la solitudine precisionista, il cubismo che abbraccia il realismo dell'industrualizzazione e modernizzazione americana, linee geometriche precise e definite. Geniale la sequenza, tutta al ralenti, in cui John entra indisturbato nel quartier generale dell’FBI di Chicago che gli sta dando la caccia. Si sofferma sui ritagli di giornale e le schede che ricostruiscono gli ultimi anni della sua vita, chiede agli agenti il risultato del match che ascoltano in radio. Sfrontato e sprezzante!

Dillinger muore freddato da cinque colpi di rivoltella davanti al cinema Biograph in Lincoln Avenue a Chigago. Aveva appena visto il poliziesco Manhattan Melodrama, la storia di un gangster giustappunto. A tradirlo una donna: Ana Cumpanas, che avrebbe passato le informazioni ai servizi segreti per incastrarlo in cambio della sua permanenza in America ed evitare l'espulsione in Romania, sua terra natale.

Bellissimo il finale. La sconfitta appartiene a chi uccide piuttosto che a chi muore: Melvin Purvis lo raggiunge, infatti, vigliaccamente alle spalle. Impietosito, si china per raccogliere le sue ultime volontà. Rivolte a lei, la donna che ama perdutamente fino alla fine: "Bye Bye Blackbird".

Un San Martino tra pittule, vino e demenzialità

2009-11-12T09:20:00.018Z

L'uomo che fissa le capre. Grant Heslov. Leggerezza, spensieratezza e note scanzonate per mettere in scena l’esercito americano e tutto ciò che esso rappresenta e simboleggia.

Il tema della guerra affrontato con ironia e sarcasmo, condito da spirito fortemente surreale, ma come recita la didascalia d'apertura del film: "Questa storia è più vera di quanto voi possiate immaginare". Bob è un giornalista lasciato dalla moglie (che gli ha preferito il suo editore) in cerca di uno scoop che ne possa risollevare le sorti professionali e personali. Si reca in Iraq dove incontra il soldato Lynn, George Clooney, che farebbe parte da oltre vent’anni di una squadra speciale dell’esercito americano, addestrata ad annientare il nemico attraverso fantamatici poteri psichici: leggere il pensiero, attraversare i muri, uccidere con lo sguardo fissando intensamente (la povera capra di turno, da qui il titolo alla pellicola). New Earth Army, il nome della legione, monaci guerrieri con poteri psichici paranormali, addestrati dal santone Bill Django, un soldato hippie con una lunga treccia bionda, poi scomparso. Un figlio dei fiori perennemente sotto l’effetto dell’LSD, che insegna ai suoi adepti la libertà di esprimersi nella propria vera natura, con balli di gruppo e capigliature lunghe e ribelli. Ha così inizio questo viaggio allucinante (e allucinogeno) su una spericolata auto che percorre i deserti del medio-oriente. Un viaggio nel tempo attraverso flashback che scandisce i momenti salienti della storia americana a partire dalla guerra in Vietnam. Una critica dai toni però soft del fallace sistema americano e del suo fondamentalismo militiare attraverso un malcelato messaggio di pace. Bob scriverà il suo pezzo (ma risolleverà la sua carriera?), Lynn ritroverà il suo guru, che vive in un campo di addestramento clandestino, sotto la supervisione di un ex-membro della squadra: Larry (invidioso e geloso dei superpoteri di Lynn e della sua piuma d'aquila, premio conferitogli perchè distintosi nel gruppo come il migliore, che in realtà si rivelerà una piuma di tacchino). Ritornando alla didascalia iniziale del film, la storia sulla ricerca di metodi alternativi di non combattimento da parte di un battaglione dell'esercito americano, non sarebbe poi così priva di fondamento. L'esperienza in Vietnam così cruenta, avrebbe sul serio fatto convertire al new age e a metodi più etici e pacifici, servendosi di musiche, simboli, fiori e mente per rilassare il nemico. Jon Ronson ne ha ricavato un libro, da cui credo il film poi sia tratto.Guerra psicologica, gran bella trovata!

Tirando le somme, quest' avventura on the road di due uomini, ognuno alla ricerca della propria strada, di una ragione per tornare a vivere, mi è piaciuta. E per omaggiare il bel Clooney e lo spirito goliardico della pellicola: "No Lsd? No party!"

Parnassus. L'uomo che voleva ingannare il diavolo

2009-11-05T08:41:00.013Z

Il Dottor Parnassus è un malconcio vecchietto di 1000 anni circa, con una particolarità: è immortale. Un moderno Faust, per dirla alla "Goethe maniera", lo scienziato, insoddisfatto dei limiti umani, che accettò il celebre patto col demonio: vendette la propria anima in cambio di giovinezza e potere. Ed anche Parnassus grazie ad una scommessa vinta con Mr. Nick (il diavolo) ottiene questo dono. Ma nell'arco della propria infinita vita, Parnassus s'innamora di una donna molto più giovane di lui. Vuole conquistarla, farla sua, pertanto strappa un nuovo patto al Diavolo, chiedendo lui di poter tornare giovane e mortale.

Lo spietato Mr. Nick, pretende però in cambio sua figlia, (se mai ne avrà una), allo scoccare del suo sedicesimo compleanno. Quando quel giorno arriva, Parnassus non sa come bloccare il patto, non vuole perdere la figlia (ha già perso la moglie, che muore di parto). Dal giro di carte una strana figura: l'appeso e il suo carrozzone ambulante incrocia uno strano giovane, appeso, perchè trovato impiccato sotto un ponte. Affascinante, ammaliante e misterioso…Tony, allias Heath Ledger, scomparso prematuramente lo scorso 28 gennaio a soli 28 anni per un'overdose di farmaci, prima ancora che le riprese del film fossero terminate.

Ma "nulla è per sempre neanche la morte". Dirà Johnny Depp, che insieme a Jude Law e Colin Farrell hanno prestato il loro voltoa Tony per ultimare le scene del film, senza cambiare le caratteristiche del protagonista e senza alcun ricorso alla tecnologia digitale. (Gesto apprezzabilissimo) Come? Chi attraversa lo specchio di Parnassus si ritrova catapultato in un mondo meraviglioso, fantastico, è il mondo dell'introspezione, dei desideri. Tony quando oltrepassa lo specchio ha sempre un volto diverso, potere dell'immaginazione, atto dovuto per esigenze sceniche, ma anche un richiamo tutto pirandelliano alle maschere, ai mille volti che una personalità duplice porta con sè. Primo problema risolto così dunque.

Secondo problema: per salvare la figlia Valentina dalla dannazione cosa farà invece Parnassus?

Cede ad una nuova proposta del diavolo: l'anima della ragazza andrà al primo che riesce a sedurre cinque anime. Tony ne seduce solo quattro. Poi il suo destino busserà alla porta per chiedere il conto. Si scoprirà chi è Tony in realtà e quale la sua losca e agghiacciante attività.

L'eterna e umana ricerca dell’immortalità, ma a cosa serve poi essere immortali? Bellissimo il rapporto padre-figlia e i divertimenti semplici di quando ancora non esisteva la scatoletta chiamata tv. Emblematico in tal senso l'atto conclusivo del film: Parnassus abbandona i voli fantastici e si dedica allo spettacolo di burattini.

Basta poco per vivere grandi avventure. Basta poco per vivere una fiaba. A volte basta solo andare al cinema.

La battaglia dei tre regni. Non scalda il cuore

2009-11-01T07:56:00.011Z

Una voce fuoricampo c'informa che siamo nel 208, sono i giorni del declino della dinastia Han, quando cioè la parte settentrionale della Cina passò sotto il controllo di Cao Cao, segretario imperiale dell’ultimo imperatore Han, un giovane inesperto soggiogato dalle amibizioni del furbo Cao Cao. Quest'ultimo lo convince, infatti, a dichiarare guerra ai regni meridionali: Shu e Wu.

Fatta questa premessa, resta ben poco da dire (e anche da vedere), il film è solo costruito su un'impressionante marcia di soldati che combattono. I due regni del sud storicamente rivali si rendono presto conto che l'unica speranza per poter constrare Cao Cao è un’alleanza. Ha inizio così il lunghissimissimo assedio, infarcito a tratti (solo perchè tu possa ogni tanto vedere qualcosa di diverso da sciabole, spade e scudi) da scene di vita quotidiana con qualche frase ad effetto, in stile saggezza cinese. (Sulle frasi poi ti ci arrovvelli per tutto il film cercando di capirne il senso. Attenzione: non c'è)

Noiosi anche gli effetti speciali: banali software che moltiplicano le masse. Roba già abbondantemente vista. A me ha ricordato molto (ma molto) Troy, che fosse un'allusione voluta?

D'impatto emotivo solo alcune scene (ma veramente poche), come la goccia d’acqua usata per mostrare il cambio della direzione del vento. Per il resto si sfiora il ridicolo: salti al limite dell’umano tipo bulgari da circo. Manca l'introspezione, la psicologia dei personaggi, a volte non c'è proprio logica nelle scene. Ho trovato appena sufficiente anche il doppiaggio, sembrava un documentario, non un film. Anche i dialoghi: (spero che nella versione originale fossero più profondi e che sia solo un problema di traduzione mal riuscita) troppo didascalici, semplicistici. John Woo ha forse la pecca di essere americano e la ricostruzione descrittiva e narrativa ne risente, un plauso solo alle scenografie, alle strategie di guerra usate, ai costumi tradizionali (bellissimi, soprattutto quelli femminili) e al setting.

Ma il messaggio di questo film non arriva. Soprattutto al cuore.

margherita viola

2009-10-28T08:09:00.003Z

Up. Amore al primo sguardo

2009-10-25T09:27:00.010Z

Carl ed Ellie sono i protagonisti del nuovo sogno della Disney. Il piccolo Carl Fredricksen è un fan dell’esploratore Charles Muntz, appena rientrato dal Sud America con lo scheletro di uno sconosciuto uccello. Gli scienziati, però non lo credono e Muntz, accompagnato dai suoi fedeli cani, riparte in cerca delle prove. Intanto sboccia l'amore tra i due bambini, accomunati dal desiderio di diventare esploratori e raggiungere il Sud America e le cascate del Paradiso.

Si sposano e vivono il loro amore in armonia e serenità. Lui, per vivere, vende palloncini. Ma un giorno l’amata Ellie muore, lasciando Carl ormai vecchio, da solo. Settantottenne, decide di onorare la memoria della moglie fuggendo da un mondo che va troppo veloce, che non comprende, scappa dalle ruspe che vogliono demolire i suoi sogni e la sua vita. Un giudice vorrebbe internarlo in un ospizio per anziani.

L'unica meta in cui troverà la pace sono le cascate del Paradiso, tanto agognate insieme ad Ellie. La sua fuga è la parte del film che più fa sognare: migliaia di palloncini colorati tirano su la casetta, oltrepassando le nuvole e staccandosi per sempre da quel mondo che Carl ormai sente a lui avverso.
Cooprotagonista è Russell, un petulante boy scout, che vuole a tutti i costi ottenere la medaglia per l'assistenza ad un anziano (l'unica che manca sul suo drappo), è simpatico e grassoccio, e per essere un boy scout anche alquanto goffo. Ma sarà determinanate nell'avventura di Carl. Antagonista della sua favola proprio l'amato esploratore: Charles Muntz (che ha la faccia di Kirk Douglas), l' uccello di specie rara che tanto cerca è Kevin, diventato però nel frattempo l'amico di viaggio di Carl e Russell, quindi i due lo difendono dalle grinfie del cattivissimo esploratore.

A farla da padrona, infatti, i valori, quelli veri: l’amicizia, la solidarietà, la comprensione, Carl si apre ad una nuova avventura che lo renderà meno burbero...e anche meno solo, la vita può offrirci qualcosa anche quando ormai non ce lo aspettiamo più.

Mi ha commosso profondamente il personaggio di Carl, il suo aspetto rincitrullito dagli anni, la sua vecchiaia, che spende da solo, tutta dedita al passato e al ricordo, rivissuto tramite foto e album dei ricordi della sua Ellie. Forte il dolore del vivere una vita senza la compagna con cui si è condiviso tutto.

Una menzione tutta particolare al fantastico corto iniziale, Parzialmente nuvoloso, tante nuvole creano e danno la vita, consegnando i loro fagottini alle cicogne, che li portano poi sulla terra. Tenero e geniale, mi ha fatto capire da quale nuvola provengo (...quella più in basso, che crea le creature più bizzarre e strane). Un film delicato, elegante e raffinato.

Vi affezionerete a Carl e Russell sin dal primo incontro, i vostri cuori voleranno in alto insieme ai loro palloncini colorati, e alla fine converrete con la saggezza di Dug (il loro cane): "Mi chiamo Dug. Vi ho incontrati e vi amo già."